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Comentario el Doríforo de Policleto. Arte Griego.

9/07/2015 02:17:00 p. m. 2

doriforo comentario


Descripción: Nos encontramos ante la obra titulada como el Doríforo, cuyo autor es Policleto. Esta escultura está considerada como una de las más representativas de la etapa Clásica del Arte Griego, que recordamos, tiene lugar entre los siglo V-IV a. C. Esta etapa que comienza con la victoria sobre los persas, inicia una evolución de las formas de gobierno hacia la democracia que se traduce, en el arte, con una evolución progresiva hacia el naturalismo. Esta imagen corresponde a una copia romana posterior, pero debemos situar el original hacia el 440-430 a. C.

Análisis de la Obra: Se trata de una escultura, tallada en mármol, aunque posiblemente el original fuese realizado en bronce. Es exenta y de bulto redondo, representando a un joven atleta. Aparece representado de pie, con un brazo flexionado donde seguramente portaría una lanza, o jabalina.



Función y significado: Además de suponer que esta obra tenía una función decorativa, y puede que de exaltación del deporte. Su significado último, está en la intención del autor, de plasmar su ideal personal de belleza. Representando de una forma tangible, lo que Policleto llamó el "Canon", es decir, el tipo ideal de belleza, en este caso, masculina.

Comentario: Contemplando esta obra observamos la encarnación quizá más pura, del cuerpo masculino perfecto. Además cumple con todas las características de la escultura griega en su periodo clásico como son la elegancia austera, alejado de las formas hercúleas o los amaneramientos que veremos después con Praxíteles. Sereno y sosegado, lo que le imprime un aire de solemnidad y grandeza. En cuanto a la composición, observamos el uso del "contrapposto", donde la mayor parte del peso apoya en una pierna, dejando la otra exonerada. Esta tensión se libera con una ligera inclinación de la pelvis y en los hombros. Debido, a que el peso recae sobre una pierna, el copista, a incluido un estribo, en forma de roca, junto a la pierna que soporta el peso. Es posible, que su original de bronce, debido a su ligereza, careciese de este complemento. En la parte superior, la tensión recae sobre el brazo contrario a la pierna que soporta el peso, brazo, que aparece flexionado al portar una lanza, mientras que el brazo contrario queda libre de de tensión, la talla de la cabeza, mirando hacia un lado, permite romper, asímismo, con el frontalismo y abrir la escultura a diferentes puntos de vista.

Es precisamente la utilización del "contrapposto", lo que confiere movimiento y dinamismo a la composición que se aleja de la rigidez estática y geométrica de los kuroi, no obstante cabe hablar de un cierto resabio de arcaismo, que se advierte en la talla de los pectorales planos, y las duras líneas de la cintura y la cadera, demasiado marcadas.



Debido a la interpretación de la belleza, como armonía y proporción, y éstas como equilibrio entre las partes. Policleto utiliza esta escultura para mostrar, así la altura de la escultura corresponderá con la medida de 7 cabezas y media. El torso, puede dividirse en tres partes iguales tomando como medida, la existente entre el pliegue inguinal y el ombligo. También, la cara, aparece divida en tres partes iguales coincidentes con la frente, la nariz y el mentón. Buscando en todo momento alcanzar, esa proporción y armonía que conduzca a la belleza ideal.

Conclusión: En el "Doríforo" podemos resumir, todos los aspectos, que Policleto plasmó en un libro, por desgracia perdido, conocido como "Kanon", y que aspiran a encontrar la belleza ideal del cuerpo humano. Esta escultura, junto con el "Discóbolo" de Mirón, inician el Periodo Clásico de la Escultura Griega, y serán, modelos a seguir, tanto en su composición, como en su interpretación de la belleza, a partir de variables como la proporción y la armonía, que tendrán reflejo en artistas posteriores como Lisipo o Praxíteles, aún con ciertas diferencia palpables. Más tarde, en el Renacimiento, podremos seguir su impronta en obras tan importantes como el David de Donatello, o incluso en el David de Miguel Ángel, así como en otros periodos posteriores como el Neoclasicismo.



Comentario Pintura Griega, ánfora de Exequias, Ajax y Aquiles jugando a los dados. Historia del Arte.

11/04/2014 05:28:00 p. m. 0

En la actualidad no se conservan pinturas de la época griega, no obstante, se conservas muestras pictóricas a través de la decoración de la cerámica. el ánfora de Exequias es una de las muestras más representativas de este arte.

Ánfora de Exequias


DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante un ánfora griega, con una pintura atribuida al pintor Exequias y datada entre el 550-530 a. C. Se trata de una pintura sobre cerámica donde encontramos una escena en la que aparece Ajax junto a Aquiles jugando a los dados, se trata de un episodio de la Guerra de Troya, bien inspirada en la Iliada de Homero o en la Eneida de Virgilio, y muestra un momento de distensión y relajación entre ambos guerreros antes de la batalla.


ANÁLISIS FORMAL: Se trata de una pintura sobre cerámica, se trata de una técnica griega conocida como "pintura de figuras negras sobre fondo rojo", seguramente se trataría de pigmentos naturales protegidos con una capa de barniz cerámico posterior. En cuanto a la forma se ve un predominio del dibujo sobre el color, los volúmenes se recrean mediante líneas que esbozan la musculatura, ya que no existen gradaciones de color, ni sombras ni brillos que ayuden a moldear los personajes. La imagen carece también de profundidad, ya que se sitúa sobre fondo neutro en el que no aparece perspectiva, sólo tímidamente sobre el cajón que se utiliza a modo de mesa para jugar.
La composición es simétrica, en forma de triángulo formada por los cuerpos de los personajes inclinados hacia la mesa, la diagonal de los cuerpos se contrapone a la diagonal de las lanzas que ayuda a equilibrar la composición y la distribución del color negro sobre el rojo. En el centro se encuentra el cajón con los dados donde se encuentra el foco de atención de la escena. Las figuras, a pesar de participar de ciertos aspectos arcaicos, como los ojos almendrados, que parecen estar de frente, por lo que se advierte la "ley de la frontalidad", no se manifiestan tan rígidas y carentes de movimiento como las esculturas del periodo, en los brazos adelantados, la posición de las piernas y el cuerpo adelantado se aprecia cierto movimiento, que dotan de gracia a las figuras y más naturalidad, lejos del estatismo arcaico. 


FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Las ánforas se utilizaron en la Antigua Grecia para el almacenaje y transporte, principalmente de vino y de aceite, aunque es posible que esta en particular tuviera una función también decorativa, sabemos que Exequias fue un pintor notable en su época, y parece probado que respondiera a encargos de familias nobles a lo largo de todo el orbe griego.

COMENTARIO: Hoy en día no se conservan restos de la pintura griega, sabemos, a través de textos antiguos como los de Plinio el Viejo, que existieron grandes pintores en la Antigüedad como Zeuxis o Apeles que destacaron por un gran dominio de la cuatricromía y copiaban bastante fielmente el natural. Sin embargo, la única pintura griega que conocemos es a través de la conservada en las ánforas, al igual que en la escultura, en la pintura se dio una evolución desde el llamado "estilo geométrico" compuesto de grecas y otros elementos decorativos esquemáticos, representados en frisos, con mayor violencia y dramatismo "pasando por la pintura de figuras negras" donde las escenas y personajes ganan un protagonismo propios, que hacen que se prescinda de la narración en frisos y se gane en naturalidad y serenidad que adelantan al clasicismo. Como vemos, en la pintura, seguramente por su facilidad en la factura se adelantan ciertos aspectos, como el movimiento, a la escultura, aunque se mantienen otros como la "ley de la frontalidad" o la "jerarquía" que presenta el cuerpo de Aquiles, guerrero más importante, más grande y corpulento que Ajax. Sin duda, la pintura griega evolucionó, al igual que la escultura, desde un arte arcaico, inspirado en el arte egipcio a un arte con caracteres propios, donde la proporción, la armonía, el número y la idealización de la naturaleza inspiró a artistas de diferentes épocas.

Comentario El Laocoonte y sus hijos. Escultura. Historia del Arte.

11/04/2014 04:28:00 p. m. 0

El Laocoonte es quizá la obra que mejor define la escultura de la etapa helenística dentro del Arte Griega. Descubierta en el siglo XVI ejerció una gran influencia a grandes artistas del Barroco, como Bernini, que quedaron impresionados, por su tensión, expresividad y movimiento.

Laocoonte y sus hijos

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante la obra de El Laocoonte y sus Hijos, atribuíada a Agesandros, Polydoros y Athenodores y datada en el 50 d.C. Realizada en Mármol y se encuentra en los Museos Vaticanos en Roma. La escultura narra una escena de la Guerra de Troya, según la Eneida de Virgilio, Laocoonte avisó a los troyanos y su rey Príamo del engaño que suponía el caballo de madera construido por los griegos aqueos, y que se trataba de una mentira de Odiseo, Apolo como castigo por descubrir el engaño, envió dos serpientes marinas para matar a sus hijos, en la escena podemos ver como el Laocoonte acude a socorrer a sus hijos atacados por las serpientes marinas.


ANÁLISIS FORMAL: Se trata de una escultura exenta, de bulto redondo, aunque parece concebida para ser vista desde un único punto de vista, como se muestra en la fotografía. Realizada en mármol, se observa una técnica exquisita de gran naturalismo, las superficies están perfectamente detalladas, las anatomías perfectas, y se advierten diferentes tratamientos según las texturas, como los cabellos, los pliegues de los mantos y la anatomía de los personajes. Parece que se realizo en mármol, sin ningún tipo de policromía. Su composición es asimétrica, de forma piramidal, donde predomina una diagonal desde el pie izquierdo del Laocoonte hasta su codo derecho, lo que sin duda contribuye a desequilibrar la imagen y dotar de mayor dramatismo a la escena. Los cuerpos están perfectamente proporcionados, aunque el tamaño del Laocoonte parece exageradamente desproporcionado en su tamaño si lo comparamos con el de sus hijos. Aparecen dos diagonales más que dominan la composición y son las miradas que se cruzan entre los personajes. La composición tiene gran movimiento donde dominan las diagonales y las formas curvas, como es el caso de la serpiente, y también la espiral o escorzo que se advierte en el giro del cuerpo del Laocoonte sin duda una deuda a Scopas.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La escultura fue descubierta en el siglo XVI, en los terrenos donde estuvo situado una villa de Nerón, se cree, que la escultura tuvo una función decorativa en la villa del emperador, y simplemente se dedica a narra la escena de la Eneida, sin que se derive ningún otro significado metafórico del relato virgiliano.

COMENTARIO: A partir de la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. la unidad griega desaparece bajo los nuevos reinos helenísticos, con la fractura política se da también una fractura cultural y desaparecen los criterios estéticos clásicos de proporción y armonía y de belleza ideal y las manifestaciones artísticas tienden a fundirse con las formas tradicionales de cada territorio. Por lo general se admite el nacimiento de cuatro escuelas helenísticas: Atenas, Rodas, Pérgamo y Alejandría. Esta escultura se adscribe a la escuela de Rodas, que destaca junto con la de Pérgamo por un desarrollo de los temas dramáticos, y una exaltación del "pathos" es decir, del momento más tenso y dramático, como vemos en el gesto desgarrado del Laocoonte, que nos guía hacia la catarsis artística. A diferencia de las escuelas Alejandrina y Ateniense, que derivaron hacia temas más amables, cotidianos, anecdóticos y de mayor naturalidad, Pérgamo y Rodas, derivan hacia un barroquismo expresivo, técnico y formal. El Laocoonte, descubierto en el siglo XVI en unas excavaciones tuvo gran influencia en artistas de aquella época como Miguel Ángel e incluso más aún durante el Barroco con autores como Bernini.


Comentario de El Partenón. Arquitectura. Historia del Arte.

10/31/2014 08:23:00 p. m. 0

El Partenón es uno de los edificios icónicos de la historia de la arquitectura, además de ser el edificio más representativo del Arte Griego. Hoy en día, aunque muy deteriorado sigue siendo uno de los reclamos turísticos más importantes de la ciudad de Atenas.

EL PARTENÓN


DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante el Partenón, construido entre el 447-432 a. C. Sus arquitectos fueron Ictinos y Calícrates y Fidias fue el escultor encargado de su decoración. Se localiza en la Acrópolis de Atenas.


ANÁLISIS FORMAL: Nos encontramos ante un templo octásilo y períptero de orden dórico. Construido en mármol. Los elementos sustentantes son columnas de orden dórico dispuestas de la siguiente manera 8 x 17, por lo que podemos decir que se trata de un templo con disposición regular de sus columnas. En su interior encontramos una disposición en su expresión más clásica, con pronaos, naos y opistodomos, con columnas dispuestas en dos pisos, en la naos encontraríamos la famosa escultura en técnica crisoelefentina, realizada por el gran Fidias, de la diosa Atenea, en una escala colosal. Su construcción es arquitrabada o adintelada, y la cubierta es un tejado a dos aguas, que deja dos grandes frontones en su parte frontal y posterior. En cuanto a la decoración es posible que encontrasemos acróteras en las esquinas inferiores de los frontones. Aunque lo más destacado en cuanto a lo ornamental serán la metopas, dispuestas a lo largo del friso exterior, realizadas por el gran escultor Fidias, y que representarían las grandes batallas mitológicas como la Gigantomaquia, la Centauromaquia, la Amazomaquia y la Guerra de Troya, realizados en bajo relieve pero con una exquisitez en su factura, de gran movimiento y armonía. Debido a que estaba dedicado a la diosa Palas Atenea, protectora de la ciudad de Atenas, las esculturas de las frontones estaban dedicados a esta diosa. En el principal, en la parte oriental, se encontraba el nacimiento de Atenea, de la cabeza de Zeus, hoy desaparecido. En el frontón occidental encontraremos la disputa entre Atenea y Poseidón por el Ática. En el interior y rodeando el muro de la naos, encontraremos el friso de las panateneas, se trata de una procesión votiva u oferente, conmemorativa, a la diosa de la ciudad, también realizada por Fidias en un bajo relieve de gran factura técnica. Muchas de estas esculturas y relieves han desaparecido, pero la mayoría, sobre todo las metopas se conservan en un buen estado en el Museo Británico de Londres.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Los templos griegos, eran considerados morada de los dioses en la Tierra, así que no estaban construidos para oficios litúrgicos ni para albergar grandes masas de gente. En su interior se albergaba la estatua del Dios y se habilitaba una sala, generalmente el opistodomos para las ofrendas. Las ceremonias se realizaban en el exterior. Por tanto, la función del edificio sería estrictamente religiosa, sin que existiera otro tipo de función conocida y como hemos dicho representaría la morada del Dios

COMENTARIO: Tras el fin de las guerras médicas en el 480 a. C. la ciudad de Atenas comienza una época de esplendor, tanto en lo económico, como en lo cultural y también en lo político tras liderar la Liga de Delos. A partir del año 450 a. C. con la llegada de Pericles, podemos decir que es cuando se alcanza su cota más alta, y bajo su mandato comienza a construirse la Acrópolis de Atenas. El Partenón, como edificio más representativo de la Acrópolis, representa el triunfo de la razón y del sentido cívico sobre la barbarie, el equilibrio de sus proporciones, el hombre como medida de todas las cosas, que a pesar de sus dimensiones alejan el templo de la monumentalidad egipcia, la corrección óptica de algunos elementos como la inclinación de las columnas, o la distancia entre los triglifos, que no vienen sino a ser una corrección de la razón sobre los sentidos, la perfección de la factura de su ornamentación escultórica, llena de serenidad y templanza tanto en los rostros como en las posiciones adoptadas, incluso, la propia divinidad a la que está dedicada, Atenea, diosa de la inteligencia y de la sabiduría. Todo lo dicho, no responde sino a la manifestación de todo lo que entendemos como cultura clásica griega, simetría, proporción, medida, serenidad,