Mostrando entradas con la etiqueta ART·01·Raíces. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta ART·01·Raíces. Mostrar todas las entradas

Comentario Metopas del Partenon. Fidias

10/03/2016 09:56:00 p. m. 0
metopas del partenon comentario
Metopas del Partenón (h. 440 a. C.) Fidias. Museo Británico
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de las metopas del Partenón. Su autor es Fidias, uno de los escultores que expresa la plenitud de la Etapa Clásica. Están datadas hacia el 440 a. C. y hoy se encuentran expuestas en el Museo Británico. Su estado de conservación no es del todo óptimo, en primer lugar porque aparecen desligadas de su contexto arquitectónico y en segundo lugar porque faltan piezas completas y las que se conservan, están en su mayoría, deterioradas. Son además una fuente de conflicto entre Gran Bretaña y Grecia, ya que esta última las reclama como parte de su patrimonio histórico-artístico.

DESCRIPCIÓN: Forman parte de un conjunto de 92 metopas que rodeaban el entablamento el Partenón, en la Acrópolis de Atenas. Se trata de piezas cuadras de unos 1,35 m de lado y realizadas en mármol. Encontramos alto relieves figurativos y de carácter naturalista idealizados, que representan en cada uno de los lados del templo una de las cuatro grandes luchas mitológicas: Centauromaquia, Gigantomaquia, Amazonomaquia y la Guerra de Troya. Por los restos encontrados sabemos que estuvieron policromadas. 

metopas del partenon centauromaquia
Metopas del Partenón. La centauromaquia (h. 440 a. C.) Fidias. Museo Británico


ANÁLISIS FORMAL: Las composiciones realizadas por Fidias se adaptan totalmente al marco cuadrado de las metopas del Partenón. Como observamos, las representaciones que reproducen escenas de los combates están dotadas de un gran movimiento, encontrando a lo largo de las 92 metopas un gran repertorio de posturas y escorzos que dotan de gran dinamismo a la representación. Debemos añadir una gran riqueza plástica en texturas, como observamos en los cabellos y sobretodo en las vestimentas, como capas y pieles de los guerreros, que a través de sus pliegues dotan de movimiento y ritmo a la composición. Tanto los pliegues como la musculatura están bien marcados, utilizando el principio de "diartrosis" que consiste en acentuar con líneas profundas las líneas divisorias de brazos y piernas, así como los pectorales y el pliegue inguinal dando lugar a juegos de claroscuro que realzan el volumen de las figuras. Fidias, sin embargo, se desmarca de la búsqueda de la belleza ideal a través el número y la proporción y parece más preocupado por encontrar una belleza de tipo espiritual, donde incluso en el fragor de la batalla, los rostros muestran serenidad y dominio de las pasiones, en consonancia con el espíritu religioso y cívico de la época.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Las metopas del Partenón tienen una función decorativa dentro de los templos de órden dórico, sirviendo de soporte a la decoración escultórica del templo. El significado de las metopas forma parte de un ambicioso programa iconográfico que Fidias diseñó para el Partenón, donde además de las metopas que representaban las grandes guerras mitológicas, encontramos el friso de la panateneas en los muros exteriores de la cella, así como los dos frontones, con dos grandes escenas, el nacimiento de Atenea en el frontón oriental y la dispuesta entre Atenea y Poseidón en el frontón occidental. Con todo ello se pretende exaltar la grandeza de la diosa Atenea patrona de la ciudad de Atenas.

COMENTARIO: Con Fidias llegamos al momento culminante de la escultura dentro del periodo Clásico. La escultura de Fidias llega a unas cotas altísimas en cuanto a movimiento, ritmo, riqueza plástica y expresiva, innovaciones compositivas o de representación como la técnica de los paños mojados, antepuso la búsqueda de la belleza interior o la plenitud espiritual al uso de proporciones exactas y una armonía numérica, hace un uso de la libertad creativa, tanto en la representación de los personajes como en la composición de escenas no vista hasta entonces, como hemos visto en las metopas del Partenón. En definitiva, abre el camino a un nuevo tipo de expresión que tendrá grandes influencias en el postclasicismo posterior en autores como Praxíteles, Lisipo o Scopas, donde por un lado se buscará una belleza más amable y humana y por otro a la expresión del "pathos" o el sufrimiento humano.

Frescos Palacio de Marí. Comentario

2/29/2016 07:43:00 p. m. 2
Investidura del Rey de Marí (h. 1780 a. C.) Museo del Louvre
 IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante unas imágenes de los Frescos del Palacio de Marí, datados hacia el 1780 a. C. hoy expuestos en el Museo del Louvre. Su autor es desconocido y pertenecen al estilo de pintura mesopotámica. La ciudad de Marí, tuvo su mayor esplendor bajo una dinastía amorrea, destacando el reinado de Zimri Lim, época en la que se construye el Palacio Real de Marí y a la que pertenecen estos frescos. Rivalizó en importancia con Babilonia, sería finalmente destruida por el rey babilonio Hammurabi entre el 1760-1755 a. C.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una pintura realizada con la técnica del fresco sobre un muro. Se trata de una pintura figurativa de carácter naturalista, a pesar del poco dominio técnico podemos decir que su concepción es más idealista que realista. Representa en su escena principal la coronación del rey Zimri Lim por la Diosa Isthar, además de otros seres tanto reales como mitológicos, se trata claramente de una alegoría del poder real.


ANÁLISIS: Podemos distinguir en la composición tres partes, una central donde observamos la escena de la coronación y dos a los lados. La composición es totalmente simétrica siendo las escenas de los lados prácticamente iguales. En la escena central observamos dos registros, en el superior aparece la diosa Isthar, ataviada con falda larga, con su pie sobre un león, entregando al rey Zimri Lim la vara y el aro, símbolos del poder y la justicia. Tanto ella como las deidades de su séquito van coronadas con tiaras de cuernos, que aparecen representados de perfil y no de frente, al igual que en el código de Hammurabi. En el registro inferior encontramos unas diosas de la fecundidad, ataviadas con vestidos de ondas sobre las que brotan manantiales de agua. En los lados laterales, aparecen distintos animales fantásticos como esfinges y grifos, unas damas con los brazos alzados en posición orante y unas palmeras con unos recolectores de dátiles.

En toda la pintura observamos un predominio de la línea sobre el color. Todas las figuras aparecen claramente delimitadas por contornos. Los colores tienen una paleta reducida, con predominio de colores intensos y brillantes como rojos, negros y ocres, que se disponen de forma plana sin matices de volumen. Se da un tímido intento de representación del espacio natural y arquitectónico, pero sin llegar a crear la ilusión de tridimensionalidad.

Utiliza muchos de los convencionalismos de la pintura egipcia, por ejemplo el uso de la ley de la Frontalidad, que podemos ver en la representación del ojo de frente, así como el torso, mientras el resto del cuerpo se representa de perfil. También hay un acusado uso de la geometría, como observamos en los pliegues del vestido de Isthar, o las divinidades de la fecundidad e incluso en las alas de las bestias aladas. También es patente el hieratismo o falta de expresión de las figuras.



En otra parte del palacio podemos ver otra escena, donde se conduce a un buey seguramente a un sacrificio ritual.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: A parte de su función meramente decorativa en las salas del Palacio Real de Marí, debemos ver un significado alegórico mucho más profundo. La coronación tendrá que ver con la alianza entre los hombres e Isthar por medio del rey Zimri Lim, que en adelante actuará como protector frente a los terribles males representados por esfinges y grifos, así como proveedor de las cosechas como observamos en la recolección de dátiles. Por tanto tiene un significado propagandístico de la figura del Rey y del poder absoluto.


COMENTARIO: No son muchas las muestras de pintura mesopotámica que conservamos, este Fresco del Palacio de Marí es, sin duda, una muestra excepcional, que nos permite conocer los criterios estéticos de este arte. Muchos de ellos heredados sin duda del vecino Egipto, como la ley de la Frontalidad, el hieratismo, el geometrismo y el uso de convencionalismos para la representación. Incluso el tema de la coronación es un tema recurrente en la pintura egipcia. No obstante vemos, una menor rigidez y una mayor utilización de la línea curva, que nos pueden llevar a ver una pintura más elegante, y que podría haber influido en la pintura cretense o minoica, coetánea a esta. 

Estela de los Buitres - Comentario

2/01/2016 09:09:00 p. m. 0
Estela de los Buitres
Estela de los Buitres (Museo del Louvre)

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante un imagen de la conocida como Estela de los Buitres, encargada por Eannatum de Lagash hacia el 2450 a. C. y que podemos enmarcar en el Periodo Sumerio (2990-2330 a. C.) Su estado de conservación no es muy buena, se conservan siete fragmentos de la estela y este, el más destacado se encuentra en el Museo de Louvre.

DESCRIPCIÓN: El fragmento que tenemos a continuación muestra un bajo relieve, figurativo y de carácter narrativo, que divide la historia en dos registros horizontales. En el superior, aparece una hilera de soldados pertrechados con escudos y lanzas, detrás del rey Eannatum, en la escena, los soldados pisotean sin piedad los cadáveres del ejército rival. En el registro inferior, aparecen también una serie de soldados dispuestos en diagonal y pertrechados con lanzas siguiendo al rey. Se trata de una campaña contra la ciudad de Umma a la que consiguieron conquistar.

ANÁLISIS FORMAL: Una de la principales innovaciones de la escultura mesopotámica será la aparición del relieve narrativo. Con esta Estela de los Buitres nos encontramos seguramente ante una  de las primeras escenas históricas y bélicas de la historia. Como la mayoría de la escultura mesopotámica, responde a una concepción del arte como idea, no se trata de representar la realidad, por lo que los personajes, y los objetos sufren un proceso de reducción que los reducen a formas esenciales que permiten una mejor comprensión de la historia por los espectadores. Para conseguir esa claridad conceptual se hace uso de ciertos convencionalismos como el uso de la ley de la frontalidad, que podemos observar por disponer a las figuras con el torso de frente y los miembros y cabeza de perfil. En el caso del primer registro, vemos que la representación de los soldados tras sus escudos se resuelve con poca fortuna, entre otras cosas, porque no existe un empleo de la perspectiva geométrica o puntos de fuga, ni tampoco ningún sistema de que profundidad a la escena, por lo que vemos un conjuntos de manos que sujetan lanzas sin que sepamos muy bien a quienes pertenecen, tampoco coinciden el número de cabezas con el de pies, lo que nos lleva a concluir la importancia de los convencionalismos en la representación de esta época. También se recurre a la isocefalia, donde los soldados tienen todos la misma cara, sin que sea observable diferencias particulares o alusión a los rasgos particulares de los personajes. El empleo de una perspectiva jerárquica, donde el rey es representado con un tamaño, muy superior al resto.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La Estela de los Buitres, tiene una función narrativa y conmemorativa de la batalla librada por el rey Eannatum de Lagash contra la ciudad de Umma. Sin embargo, se desprende una función simbólica y propagandística que trata de enaltecer el poder y fuerza militar del propio rey.


COMENTARIO: La cultura mesopotámica fue una cultura fundamentalmente guerrera, todos los pueblos que rodearon la cuenca de los ríos Tigris y Eúfrates ambicionaron ocupar el Creciente Fértil. desde sumerios en el sur, acadios y otros pueblos como los babilónicos. Además un sistema político basado en la ciudad-estado hizo que muchas veces se dieran enfrentamientos entre ciudades del mismo pueblo o cultura, por motivos diversos como pudieran ser problemas fronterizos, influencia sobre rutas de comercio, o pugnas por los recursos hídricos. Desde luego, esta Estela de los Buitres, es el reflejo de este tipo de sociedad bélica, y muchos de los convencionalismos adoptados tenían la finalidad de exaltar, en un ejercicio de propaganda política, al propio rey, el uso de una serie de convencionalismos, como hemos descrito anteriormente, permite o facilita la asimilación de los conceptos a una sociedad analfabeta. Lejos de tratar de establecer una influencia directa, sabemos que muchos de estos convencionalismos se volvieron a utilizar durante el Románico, con el mismo sentido propagandístico y divulgativo, aunque con un contenido diferente como era la Gloria de Dios.

Estela de Naram Sin - Comentario

2/01/2016 09:01:00 p. m. 0
Estela de Naram Sin
Estela de Naram Sin (Museo del Louvre)
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la conocida como Estela de Naram Sin, datada hacia el 2250 a. C. perteneciente por tanto a la escultura del Periodo Acadio dentro del Arte Mesopotámico. Hoy se encuentra en el Museo de Louvre y goza de un buen estado de conservación.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un bajorrelieve, tallado sobre una roca de arenisca de unos dos metros de altura. Se trata de una talla figurativa bastante naturalista, adoptando incluso, detalles bastante realistas. Se representa la escena de una batalla, donde Naram Sin asciende a una montaña, seguido de su ejército bien pertrechado con armas, elevando la mirada a su rey, también se observan los enemigos abatidos, heridos, o desprendidos por barrancos.

ANÁLISIS FORMAL: En primer lugar cabe hablar de una Ley de Adaptación al Marco, ya que la escena parece representarse adaptándose a la forma afilada de la roca de arenisca, este es uno de los muchos aspectos que diferencia ala escultura del periodo Acadio con la escultura del periodo Sumerio. Otra de las diferencias está en la misma composición de la escena, se abandona la narración de escenas a través de registros o bandas horizontales, para narrar toda la escena en un mismo espacio. Por primera vez, aparecen referencia al espacio, en este caso, al paisaje natural como el árbol o la montaña, por lo que se da aún de forma tosca la construcción de cierto sentido de la profundidad. También vemos una mayor expresión, abandonando el hieratismo, al menos en la disposición de los cuerpos, como el soldado abatido por la lanza de Naram Sin, que parece agonizar de dolor, lo mismo podemos decir del soldado pisoteado por el mismo Naram Sin y otra figura que parece estar pidiendo clemencia. No obstante, todas estas evoluciones con respecto a la etapa anterior, es cierto que se conservan muchos convencionalismos típicos del arte mesopotámico, como la isocefalia, donde no existen rasgos que individualicen a los personajes, también el uso de la Ley de la Frontalidad que podemos ver en la disposición frontal del torso, mientras miembros y cabeza se disponen de perfil. Otro convención tradicional es el uso de la perspectiva jerárquica, que muestra a Naram Sin en un tamaño muy superior al resto de personajes.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Como todos los relieves narrativos, se trata de contar un historia a las generaciones venideras, en este caso, se trata de la victoria de Naram Sin contra un pueblo de los Montes Zagros llamados Lullabi. Sin embargo, su significado va mucho más allá, por un lado, además de ir pertrechado para la guerra, porta un casco con cuernos, atributos reservados a las divinidades, además su ascensión por la montaña, hacia los astros celestes que aparecen en la parte superior de la escena, parece que el artista con todo esto quiso emparentar o elevar a Naram Sin a la dignidad de Dios tras la victoria sobre los Lullabi

COMENTARIO: La escultura mesopotámica, comparte muchas características con la escultura egipcia, como hemos visto a través del estudio de la Estela de Naram Sin, existieron unas características comunes a la hora de representar, en particular, el uso de ciertos convencionalismos como el uso de Ley de la Frontalidad, el hieratismo o falta de expresión, la isocefalia, la disposición en registros horizontales, entre otros. Pero mientras la escultura egipcia, no evolucionó en los 3000 años en los que se prolongó la civilización del Nilo, manteniéndose siempre conforme a las normas adoptadas. En Mesopotamia, debido a la convivencia de muy diversos pueblos como sumerios, acadios, babilonios, asirios o hititas, se dio un proceso de intercambio y asimilación cultural que permitió la evolución del arte a formas más complejas, a la superación de ciertos convencionalismos, que permiten una mayor libertad creativa del artista y que nos dejarían obras tan brillantes como esta Estela de Naram Sim.



Patesi Gudea de Lagash - Comentario

2/01/2016 08:42:00 p. m. 0
Patesi Gudea
Patesi Gudea de Lagash (Museo del Louvre)

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen del Patesi (Ensi) Gudea, pertenece a la III Dinastía de Ur y II de Lagash, pertenece al estilo que se ha dado en llamar Renacimiento Neosumerio y que tiene lugar entre 2200-1950 a. C.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura de bulto redondo, realizada en diorita, de carácter figurativa y bastante naturalista que representa al Patesi Gudea en actitud sedente. Además, la talla está llena de inscripciones en escritura cuneiforme.

ANÁLISIS FORMAL: El Periodo Neosumerio, supone de alguna forma, renunciar a todos los avances que habían permitido una mayor creatividad del artista, durante el Periodo Acadio para volver a la aceptación de muchas de las convenciones anteriores que se dieron en el Periodo Sumerio. En primer lugar, podemos apreciar su concepción de escultura-bloque,
es completamentamente visible el bloque de diorita de donde fue extraída a partir de la talla la escultura, dominan una gran simetría en la composición, el hieratismo o falta de expresión, la composición además está realizada para ser contemplada desde un único punto de vista frontal.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La escultura del Patesi Gudea parece tener una doble función, una conmemorativa, ya que pretende recordar a Gudea en su papel de arquitecto y gobernador de la ciudad. Pero también se cree que sea representado como esposo de la divinidad, en concreto Innana, lo que lo vincularía y enaltecería como divinidad. Puede también que estas figuras representaran exvotos, aunque también se ha pensado, que su largo número, un total de 26, responda también a una actitud ególatra del propio Patesi Gudea.


COMENTARIO: Con la caída del pueblo acadio se inicia un nuevo periodo, el conocido como Neosumerio que se caracterizará por la instauración de monarquías religiosas organizadas por un Ensi o por un Patesi, las Ciudades-Estado desarrollarán una gran actividad burocrática y constructiva, la religión será uno de los pilares fundamentales. En este nuevo contexto político, en Mesopotamia, se abandona la representación de los reyes como grandes guerreros, como hemos visto en la Estela de los Buitres o la Estela de Naram Sin, y se recupera la tradición iconográfica de los conocidos como “orantes mesopotámicos” que se adapta a la representación del Patesi, que a partir de ahora pasará a representarse como persona piadosa, sabia y profundamente religiosa, emparentada con la divinidad y proveedor de bienes para la comunidad.

Intendente Ebih il - Comentario

2/01/2016 08:34:00 p. m. 0
Intendente Ebih il
Intendente Ebih Il (Museo del Louvre)

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una escultura conocida como el Intendente Ebih il, de autor desconocido y datada hacia el 2400 a. C. que podemosclasificar como escultura mesopotámica dentro del Periodo Sumerio. Su estado de conservación es bastante bueno, aunque se hayan perdido los pies. Hoy se encuentra en el Museo del Louvre.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un talla de bulto redondo, en alabastro y con incrustaciones de lapislázuli, se trata de una figura masculina barbada, sedente y con actitud orante, conlos brazos cruzados sobre el pecho, torso desnudo y vestido con la prenda típica, el kaunaké de lana.

ANÁLISIS FORMAL: La concepción de esta obra responde a la estatua-bloque, se adivina claramente el bloque original a partir del cual fue tallada la piedra, que le da un aspecto cerrado en sí mismo, al tiempo que le resta ligereza. Su fábrica es de gran suavidad, debido a un pulido muy fino, y se diferencian distintas texturas, como el mimbre del asiento, la lana del kaunaké y la barba, trabajada con tirabuzones.La escultura utiliza algunos de los convencionalismos típicos de esta época, como es el uso de la Ley de la Frontalidad, ya que la escultura está concebida para ser vista de frente, el centro de atracción son los grandes ojos del intendente enmarcados bajo grandescejas. No se aprecian otras perspectivas o escorzos que alienten a buscar otros puntos de vista. Otro convencionalismo es el hieratismo o falta de expresión, para romper la con esto se utiliza la conocida como sonrisa arcaica, que no es más que una sonrisa forzada, y permite que veamos al intendente en una postura menos seria. También se aplica la Ley de la Simetría, así como cierta reducción de las formas a cuerpos geométricos simples. A pesar de su naturalismo, es un ejercicio de abstracción, que trata de reducir las formas a realidad a formas simples, ideales que sean capaces de transmitir un concepto.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La función de este tipo de figuras era de carácter votivo, se representaban a las personas en estatuillas se colocarían en la cella del templo, en posición orante y reverente ante la deidad del templo.. Además, la misma figura representa el estatus social del representado, en este caso se trata del intendente del Templo de Ishtar, no todo el mundo podría tener una escultura votiva de este tipo en el templo, privilegio reservado a sacerdotes, familia real y funcionarios.


COMENTARIO: En la Antigua Mesopotamia, se desarrolló una religión muy importante, que dominaba todos los aspectos de la vida de los ciudadanos. Se trataba de auténticos estado teocráticos, donde reyes y sumos sacerdotes a menudo se emparentaban o servían de mediadores entre los dioses y los hombres. En una sociedad piadosa y temerosa de Dios es lógico que se desarrollara un tipo de arte votivo, como es el caso de esta escultura del Intendente Ebih-il. Esta escultura participa de algunos convencionalismos, como la Ley de la Frontalidad, la Simetría, el Hieratismo, que podemos encontrar en culturas coetáneas como la del Antiguo Egipto. No obstante, la escultura Mesopotámica, que se desarrolla en un entorno habitado por diferentes pueblos como sumerios, acadios, babilonios, sufrió un proceso de intercambio y asimilación cultural que le llevó a evolucionar a formas más naturalistas y realistas. Con todo, durante, el Periodo Neosumerio, podemos apreciar una vuelta a las formas aquí representadas, como se observa en las figuras del Patesi Gudea.

Relieves de Asurbanipal Comentario

1/31/2016 01:23:00 p. m. 0
leona herida asurbanipal
Relieve Leona Herida ubicación original Palacio de Asurbanipal (Museo Británico)

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante imágenes de los relieves del palacio de Asurbanipal en Nínive, construido hacia el 646 a. C. Pertenece por tanto al Periodo Asirio. Estos relieves se encuentran en un buen estado de conservación y pueden contemplarse en el Museo Británico.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante unos bajorrelieves realizados sobre alabrastro y piedra caliza, en ellos encontramos escenas de caza, siempre con Asurbanipal como protagonista y siempre cazando leones. Nos encontramos ante un arte mucho más realista y mucho más expresivo que las etapas anteriores del Arte Mesopotámico. Además de la cuidada fábrica, se encuentra restos de policromía que sin duda realzaría mucho la expresión de estos relieves. Se trata de un relieve narrativo donde las escenas de la cacería se desarrollan como los fotogramas de una película.

relieves asurbanipal
Escena de Caza, Palacio de Asurbanipal (Museo Británico)
 ANÁLISIS FORMAL: Nos encontramos ante unos bajorrelieves muy planos,las figuras apenas presentan bulto, es por esto que se acentúan las líneas de la anatomía tanto de personas como de animales, la profusa representación de músculos y tendones, sin duda contribuye a crear una atmósfera de tensión y dramatización de la escena. Se observa una cuidada fábrica con multitud de texturas como se observa en los ropajes, las barbas rizadas, los gorros, las pieles de los animales. En cuanto al espacio representado, no se hace referencia a la profundidad o perspectiva, no hay  espacio ni natural ni arquitectónico, sin embargo, el artista resuelve con cierta valentía el problema del espacio, yuxtaponiendo varias figuras lo que crea la ilusión de la existencia de varios planos de profundidad. El Arte Asirio sigue siendo tributario de ciertos convencionalismos como la Ley  de la Frontalidad, que se advierte al representar los miembros y la cabeza siempre de perfil; la perspectiva jerárquica, presentando a Asurbanipal siempre un poco más grande que el resto de personajes, el tratamiento de los paños sigue siendo esquemático y geométrico y también la isocefalia, que apenas nos permite distinguir e individualizar a los personajes. No obstante, los Asirios evolucionaron al transmitir un mayor realismo, el canon de las figuras, tanto humanas como los leones, se asemeja más a sus formas reales, se aleja del hieratismo egipcio o sumerio, sobre todo en la figura de los animales, que a veces parecen retorcerse de dolor o agonizar, podemos ver incluso la rabia contenida ante el enemigo, destaca en el conjunto la “leona herida” por su enorme realismo en el estudio anatómico y la gran carga expresiva, donde trata de levantarse a pesar de tener las patas traseras inmóviles.

relieves asurbanipal
Escena de Caza, Palacio de Asurbanipal (Museo Británico)

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Estos relieves tendrían una función decorativa dentro del Palacio Real de Nínive, podemos imaginar como serían las salas del palacio con estos relieves que además eran policromados. No obstante, detrás de la función decorativa, hay un significado simbólico, se trata de glorificar a Asurbanipal, quizá comparándolo con el héroe Gilgamesh, donde en la conocida leyenda luchaba con leones.  Se presenta al monarca como defensor del pueblo, supone un cambio importante respecto a las tradiciones sumerias y acadias precedentes, al tomar mayor protagonismo los temas profanos.


COMENTARIO: El arte de la Antigua Mesopotamia tuvo una gran evolución, desde las primerias figurillas orantes de Sumer, hacia el 3000 a. C. hasta estos relieves asirios del siglo VII a. C. A diferencia de Egipto, en la región del Creciente Fértil, habitaron numerosos pueblos, sumerios, acadios, babilonios, asirios, persas, hititas, lo que dio lugar a un proceso de intercambio y asimilación cultural que dio lugar a una evolución del arte, a diferencia del Arte Egipcio, que se mantuvo prácticamente inalterable a lo largo de los 3000 años durante los cuales se prolongo su civilización.

Lamassu Dur Sharrukin · Comentario

1/30/2016 06:00:00 p. m. 0
lamassu dur sharrukin
Toros alados o Lamassu del Palacio de Dur Sharrukin (Museo del Louvre)

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de los toros alados androcéfalos o lamassu, se datan hacia el 715 a. C., durante el reinado de Sargón II en el periodo Neo-Asirio. Tienen una altura de 4.36 metros y su ubicación original era el palacio de Dur-Sharrukin en Khorsabad o Jorsabad. Hoy en día se exponen en el Museo de Louvre en París.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un alto relieve en alabastro, para su talla se ha utilizado un único bloque. Se trata de toros alados conocidos como "lamassu" o "shedus", tienen carácter monumental, con cabeza humana, cuerpo de león y alas de águila. Están coronados por una diadema estrellada de la que salen astas de toro y plumas. 

ANÁLISIS: Los lamassu se pueden considerar esculturas de bulto redondo a la vez que decoración arquitectónica. Son alto relieves de una factura cuidada, las superficies están bien tratadas y el uso de distintos abrasivos da lugar a diferentes texturas como se observa si comparamos las alas, la barba y las patas. Una de sus particularidades reside en que tienen cinco patas, ya que pueden ser contemplado de frente (con dos patas visibles) y de perfil (con cuatro patas visibles), lo que obedece a la aplicación de la Ley de la Frontalidad y están concebidos para ser contemplados desde estos puntos de vista, ya que desde un punto oblicuo son visibles las cinco patas. La talla sigue con algunos de los convencionalismos del Arte Mesopotámico, por ejemplo el uso de un geometrismo que se observa en la disposición de las plumas de las alas y en la fábrica de la barba. A pesar de tratarse de un ser mitológico fantástico, se observa un gran realismo en la talla de las patas, con tensión acumulada en músculos, tendones y arterias. Su vista de perfil, lo representa andando y dota de movimiento y dinamismo a la figura, no obstante, su rostro sigue siendo hierático sin apenas expresión. El relieve se presenta sin perspectiva o ilusión de profundidad ya que su fondo es plano sin alusiones a un paisaje natural o arquitectónico.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Los lamassu o toros alados son representaciones antropomorfas e híbridas entre distintos animales. Son figuras mitológicas que representan genios protectores, alejan el aml y se solían colocar en las puertas de los templos o los palacios con el fin de proteger los edificios y sus habitantes así como purificar a sus visitantes. Debemos suponer que la gran altura, más de cuatro metros, de los lamassu de Dur Sharrukin servían para hacer una ostentación de riqueza y poder del rey Sargón II. 

COMENTARIO: El Arte de Mesopotamia nace con los mismos principios formales que el Arte Egipcio, monumentalidad, hieratismo, frontalidad, geometrismo, sin embargo, a diferencia de Egipto donde estos principios no sufrieron alteración alguna a lo largo de 3000 años de Historia; la confluencia de distintos pueblos como sumerios, acadios, babilonios o asirios dio lugar a un proceso de intercambio y asimilación cultural que hizo evolucionar el arte, desde las formas más simples y esquemáticas de los patesi sumerios a formas más realistas, al menos en la representación de la anatomía animal como se aprecia en estos lamassu. Esta forma escultórica trascendió más allá del reinado de Sargón II y podemos verlos en las puertas de la ciudad de Persépolis, en el periodo del Imperio Persa. En 2015, el ISIS (Estado Islámico) destruyó algunos lamassu que se exponían en el Museo de Bagdad, lo que supone una enorme pérdida para el Patrimonio Artístico de la Humanidad.

Código de Hammurabi - Comentario

1/30/2016 04:37:00 p. m. 0
Código de Hammurabi
Código de Hammurabi (Museo del Louvre)

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen del Código de Hammurabi, datada hacia 1750 a. C. forma parte del Periodo Babilónico, dentro de la escultura de la Antigua Mesopotamia. Su estado de conservación es muy bueno y hoy se exhibe en el Museo del Louvre.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una estela cilíndrica, tallada en diorita negra, de más de dos metros de alto. En lo alto, aparece un relieve, donde el Dios Utu-Shamash parece dar una vara de medir al propio Hammurabi, como símbolo de poder judicial y  justicia. El resto de la estela, está llena de inscripciones en escritura cuneiforme con los artículos de la Ley de Hammurabi.

ANÁLISIS FORMAL: El relieve muestra con una buena factura técnica, se trabaja mucho el pulido del material y se resaltan distintas texturas, como en los vestidos y el trono. Se siguen muchos de los convencionalismos típicos del Arte Mesopotámico, en primer lado se emplea una perspectiva jerárquica, el Dios Utu-Shamash se muestra a la misma altura que Hammurabi, a pesar de estar sentido, a excepción de la talla del trono, que parece transmitir cierto sentido de profundidad y empleo de líneas de fuga, no hay nada más en la talla que transmita esa idea, ya que el fondo es plano sin contar con representaciones de paisaje o arquitecturas. Otra de las convenciones utilizadas es la Ley de la Frontalidad que presenta los rostros y extremidades de perfil, mientras el torso se representa de frente. También un uso de un geometrismo que se aprecia en los pliegues de los ropajes, en la texturas del trono y de la barba de Utu-Shamash. La escena se representa con solemnidad y transmite una idea de atemporalidad y eternidad. El resto de la estela contiene más de 250 artículos, tallados en inscripciones cuneiformes con el cuerpo jurídico de Hammurabi.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Es posible que la ubicación original fuese el mismo palacio de Hammurabi, se cree que existirían réplicas en distintas plazas de la ciudad. En cuanto a su significado se trata de expresar la procedencia divina de la Ley, su talla en piedra resalta la inmutabilidad de la Ley. La Ley la podemos resumir con la frase "ojo por ojo, diente por diente", destaca su referencia en la Biblia que la nombre como Ley del Talión. 

COMENTARIO: En su sentido artístico, como hemos visto, el Código de Hammurabi, recoge todas las convenciones típicas del Arte Mesopotámico, además de la calidad artística de la talla, cabe mencionar su importancia histórica. Se trata de la primera recopilación jurídica conocida en la Historia, sabemos a través de la Biblia que fue una Ley que estuvo vigente durante mucho tiempo en el Creciente Fértil y es uno de los documentos más importantes para conocer el Periodo Neobabilónico.

Estela de Ur Nanshe Comentario

1/17/2016 03:51:00 p. m. 1
Estela de Ur Nanshe
Estela de Ur Nanshe (Museo del Louvre)
IDENTIFICACIÓN: La imagen nos muestra la Estela o Placa de Ur Nanshe, de autor desconocido y datada hacia 2500 a. C. perteneciente por tanto al Periodo Sumerio (2990-2330 a. C.) Concretamente a la Dinastía de Lagash. La podemos ubicar dentro del estilo de Escultura Mesopotámico. Su estado de conservación es bastante bueno y hoy se expone en el Museo del Louvre.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una placa votiva, destaca un agujero en el centro que debería ser utilizado para colocarlo en las paredes del templo. Se trata de un bajo relieve, figurativo, que se divide en dos registros, uno superior, que muestra al rey Ur Nanshe, fundador de la primera dinastía de Lagash, portando en su cabeza un cesto de ladrillos para la construcción del templo, en frente de él, aparecen los miembros de la familia real, con los brazos cruzados en posición orante. En el registro inferior se muestra una escena de simposio o banquete, donde aparece el rey en primer término con una copa y alrededor la familia celebrando seguramente la fundación del templo.

ANÁLISIS FORMAL: Como observamos en la imagen, la talla es bastante tosca y no ha sido pulida, no obstante se pueden distinguir distintas texturas, como la de los "kaunakes" o faldas que se realizan con lana de carnero y la piel de las personas que se muestra lisa. Es posible que estuviese policromada, aún así no se observan restos de pinturas en la placa. Tiene un carácter narrativo y presenta las escenas en distintos registros que se leen de arriba hacia abajo. La escultura mesopotámica se caracteriza por la utilización de algunos convencionalismos que son visibles en la placa de Ur Nanshe, uno de ellos es la perspectiva jerárquica que nos muestra al rey en un tamaño muy superior respecto al resto de personas. También se utiliza la Ley de la Frontalidad, en este caso con la aplicación de la conocida como perspectiva torcida que presenta el cuerpo de frente, mientra los miembros y la cabeza se muestra de perfil. Otra de las convenciones utilizadas es una representación hierática, prácticamente sin expresión y la isocefalia, donde todos los personajes se representan de forma idealizada sin que se aprecien rasgos personales o particulares que los distingan a unos de otros. Por otro lado observamos que los personajes se representan sobre un fondo plano con inscripciones en escritura cuneiforme, sin que exista una idea de profundidad o de espacio representado.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La estela de Ur Nanshe, tiene en primer lugar una carácter narrativo, uno de sus funciones era transmitir tanto a los coetáneos como a las generaciones venideras el relato de unos hechos, en este caso, la construcción del templo por parte de Ur Nanshe. De este modo, el rey se convertía en una especie de mediador entre los dioses y los hombres. Por tanto, tiene un significado religioso y votivo.

COMENTARIO: Dentro de la escultura Mesopotámica, encontramos escultura de bulto redondo y relieves. Dentro de los relieves podemos distinguir unos con un carácter religioso y votivo, como es el caso de la Estela de Ur Nanshe y otros con un carácter más político como pudiera ser la Estala de Naram Sim, que narran escenas de guerras o de caza para glorificar al rey. En cualquier caso, la mayoría de los relieves mesopotámicos adoptan una serie de convencionalismos en su ejecución como la isocefalia, la ley de frontalidad, la perspectiva jerárquica e hieratismo. Todos estos elementos no suponen sino un ejercicio de abstracción, reduciendo los elementos a ideas fundamentales que facilitan la comprensión a un público o población en su mayoría analfabeta. No es extraño, que muchos de estos convencionalismos se repitan siglos después en el Arte Románico que pretendía dotar a los relieves religiosos de un carácter divulgativo y didáctico. Sin duda, la Estela de Ur Nanshe es uno de los ejemplos paradigmáticos del relieve mesopotámico, que influirá en épocas posteriores como la ya citada Estela de Naram Sim o el Código de Hammurabi.


Ciudad de Persépolis Comentario

1/14/2016 08:19:00 p. m. 0
Persépolis comentario
Persépolis (ss. VI-V a. C.)
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante las ruinas de la ciudad de Persépolis, construida por Darío I y sus sucesores a lo largo de los siglos VI-V a. C. Esta considerada la mejor expresión de la arquitectura persa, su estado de conservación hoy en día no es muy bueno, ya que quedan muy pocas columnas en pie y prácticamente sólo se conservan los cimientos.

ASPECTOS MATERIALES Y TÉCNICOS: La mayor parte de la construcción se realizó en piedra, pero se sabe a través de las fuentes que Darío no reparó en traer a los mejores fabricantes de ladrillo babilonios, los mejores trabajadores de la madera egipcios y los mejores canteros jonios.

Persépolis Planta


ANÁLISIS FORMAL:  Como observamos en la planta, Persépolis es un gran complejo aúlico compuesto de varios edificios entre los que destaca la "Sala de las Cien Columnas" y en particular la Gran Apadana o Audiencia de Dario I. Además había una serie de edificios adyacentes dedicados a la residencia de los reyes, de su harén y su servicio menos relevantes.

La planta de los edificios responde a formas geométricas regulares, en particular, tanto la "Sala de las Cien Columnas" como la "Apadana de Darío" tiene forma de cuadrado. Como elementos sustentantes encontramos gruesos muros en la "Sala de las Cien Columnas", más original, sin embargo, resulta el sistema empleado en la "Apadana de Darío" donde sobre el cuadrado de su planta se sitúan cuatro torres o grandes pilares en cada una de sus esquinas, unidas por un grueso muro, esto permite el empleo de menos columnas, en particular, 36 columnas para cubrir un espacio de más de 5000 m. cuadrados.

Capiteles de las Columnas de la Apadana de Darío I

Para cubrirlo se emplearía un sistema adintelado o arquitrabado sobre el que se construiría un tejado plano. Para ello los persas idearon un tipo de capitel que sorprende por su originalidad, rematado con dos toros, conocido como tauromorfo, y que permitiría acomodar grandes vigas que sostuviesen la estructura.

Todo esto daría lugar a un espacio muy diáfano con más de 18 metros de altura, que según las fuentes tenía cabida para más de 10.000 personas, como atestiguan las fuentes sobre la Apadana de Darío. Estaría bien iluminado, porque tendría 3 pórticos de una gran anchura que dejarían penetrar una luz tamizada que sin duda crearían una atmósfera que debiera impresionar a cualquier visitante.

Persépolis Reconstrucción
Persépolis (Reconstrucción)

Las fachadas de los edificios, serían sencillas, con pórticos de elegantes líneas rectas, columnados y flanqueados por grandes volúmenes macizos o gruesos muros.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La significado simbólico de Persépolis fue representar el gran poder de una civilización en su máximo esplendor como fue la persa en los reinados de Ciro, Darío I o Jerjes. Entre las diferentes funciones, se encuentran las típicamente aúlicas, sala de audiencias, residencia real, y otro gran número de salas dispuestas para el servicio y administración del Imperio Persa. Destaca el espacio de la Apadana, donde se cree que se celebraría el Nauroz, o fiesta de año nuevo que presidía el propio rey.

COMENTARIO: A finales del siglo X a. C. nuevos pueblos de raíz indoeuropea se asentaron en las tierras próximas de Mesopotamia, uno de ellos, los persas, llegó a adquirir cada vez mayor poder e influencia en la zona. En época de Darío I, el Imperio Persa había conseguido llegar hasta la India, conquistado Asia Menor, inició las Guerras Médicas contra Atenas y Esparta y consiguió dominar Babilonia y por un periodo de tiempo incluso Egipto. Los persas profesaban el mazdeísmo, religión reformada por Zoroastro, basada en el culto a dos divinidades de signo contrario, el bien y el mal, para su culto y ritos se levantaban pequeñas torres de piedra, por lo que no existió una arquitectura religiosa persa. Pero sin duda, el gran esplendor alcanzado por esta cultura, dio lugar a grandes construcciones dentro de la arquitectura palaciega, como son ejemplos la Apadana de Susa. El Arte Persa fue sin duda un arte sincrético que tuvo muchas y distantes influencias. Podemos observar las puertas de entrada con los toros alados androcéfalos o lamasu de tradición asiria, las columnas estriadas sin duda de tradición griega, los capitales zoomorfos de influencia egipcia. El Arte Persa tuvo una escasa duración en el tiempo y poca repercusión en el arte posterior ya que Alejandro Magno acabaría con el Imperio Persa, tan solo dos siglos después de la construcción de este espléndido palacio.

Puerta de Ishtar Comentario

1/13/2016 11:24:00 p. m. 0
Puerta de Ishtar Comentario
Puerta de Ishtar (Museo de Pérgamo - Berlín)
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la Puerta de Ishtar, se trata de una de las ocho puertas monumentales que daban entrada a la ciudad de Babilonia. Construida en el 575 a. C. bajo el reinado de Nabuconodosor II, se encuentra dentro del periodo Neobabilónico. Fue descubierta por las campañas arqueológicas alemanas entre 1902 y 1914 y hoy se exhibe en el Museo de Pérgamo de Berlín en un buen estado de conservación.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una puerta monumental, que consta de tres cuerpos, dos laterales en forma de tetraedros, y un cuerpo central con un vano cubierto por una bóveda de cañón. Todos los cuerpos están coronados por unas almenas. Los materiales utilizados para su construcción son el abode y en el exterior se utiliza un revestimiento de cerámica vidriada, en la que destaca el color azul elaborados a partir de lapislázuli, con cenefas decorativas y otros motivos animales.

ANÁLISIS FORMAL: La Puerta de Ishtar, presenta una estructura sencilla en planta, con dos cuerpos cuadrados que se adelantan a la puerta de entrada, que se ubica en un grueso muro posterior, bajo una bóveda de cañón. La entrada estaría ubicada originalmente en los muros de la ciudad de Babilonia y daría entrada a la misma ciudad. En su alzado, se observa una volumetría claramente geométrica y de medidas proporciones, los cuerpos laterales que se adelantan al vano central dotan a la construcción de una gran potencia.

Puerta de Ishtar León
Puerta de Ishtar (Detalle de León)
La puerta está revestida de cerámica vidriada en la que resalta el color azul elaborado a partir de lapislázuli, y otros colores como el dorado, el blanco y el negro. Los tres cuerpos y la bóveda se enmarcan en cenefas decoradas en un estilo geométrico, el resto del muro, en color azul con ladrillos dispuesto al hilo, se encuentran decorados por distintos tipos de animales, como leones, cabras y seres fantásticos. Los animales se disponen utilizando algunos convencionalismos típicos de la época, como su presentación de perfil y con dos de su patas adelantadas, que dotan a la figura de dinamismo, no obstante en su representación se advierte un gran naturalismo, al que contribuye un buen estudio anatómico.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La función de la Puerta de Ishtar era la dar entrada a la ciudad de Babilonia a través de su muralla, además de cumplir una función de decorativa, cumple con una significado simbólico, al representar el poder y el esplendor de una de las ciudades más importantes de su tiempo.

COMENTARIO: La región de Mesopotamia, debido a la fertilidad y riqueza de la llanura aluvial de los ríos Tigris y Eúfrates, fue un territorio fruto de la ambición de diversos pueblos de la zona como sumerios, acadios, babilonios, asirios, hititas y persas. Además de los numerosos conflictos que generaron, dio lugar a un proceso de intercambio y asimilación cultural que dio lugar a una evolución de las manifestaciones artísticas que contrastan con la uniformidad egipcia. La Puerta de Ishtar además de representar esta evolución e intercambio cultural que tuvo lugar en Mesopotamia, es también la representación de una de las ciudades más esplendorosas de la Antigüedad, no sólo con referencia bíblicas como la Torre de Babel que se asume como el gran zigurat de Babilonia, sino también en el mundo griego con la referencia de Herodoto a los jardines colgantes de Babilonia a los que consideraba una de las siete maravillas del mundo. Por tanto, nos encontramos ante un legado de una de las grandes ciudades de la historia. Sus repercusiones e influencia en el mundo del arte son bastante lejanas, pero podemos encontrar referencias aunque con una simbología muy distinta en los arcos del triunfo romanos.

Templo Blanco de Uruk Comentario

1/13/2016 09:48:00 p. m. 0
templo blanco de uruk comentario
Templo Blanco de Uruk -3000 a. C.- (Reconstrucción Ideal)
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos con una imagen que presenta una reconstrucción ideal, a partir de los hallazgos arqueológicos de la planta, del conocido como Templo Blanco de Uruk, de autor desconocido y datado hacia el 3000 a. C. enmarcándose dentro del Periodo Sumerio. Su estado de conservación no es muy bueno, ya que se conservan únicamente los cimientos y de forma parcial, de ahí el empleo de esta reconstrucción ideal.

DESCRIPCIÓN: Esta reconstrucción ideal, nos muestra un templo construido en caliza blanca, de forma rectangular que se asienta sobre una base o túmulo, seguramente artificial, al que se accede a través de una escalinata. Se trata una tipología de templo conocida como eanna o "templo del cielo".

ASPECTOS MATERIALES Y TÉCNICOS: El templo está construida en piedra caliza y ladrillo, algo que resulta realmente singular, ya que la mayoría de construcciones de la Antigua Mesopotamia se realizaron en abode o en ladrillo cocido, también sorprende el hecho que no existan canteras cercanas al lugar, por lo que tuvieron que trasladarse desde alguna cantera lejana. La construcción utiliza un sistema totalmente adintelado y se utilizarían gruesos muros que permitieran soportar los empujes verticales de la estructura.

templo blanco de uruk planta
Templo Blanco de Uruk (Planta)


ANÁLISIS FORMAL: Como se observa en su disposición en planta, se trata de un edificio de planta rectangular, en el que se articula una amplia nave central, con dos naves laterales en la que se disponen distintas cámaras. La nave central se ensancha al llegar al fondo del edificio dando lugar a una cabecera en forma de T en la que también se abren tres cámaras, que seguramente albergarían las ofrendas de los dioses. Como vemos en el alzado, la estructura de la planta deja adivinarse en el exterior, donde según la reconstrucción ideal, la nave central sería un poco más alta que las laterales, esto permitiría abrir vanos que permitieran la entrada de luz. En el exterior no se observa una fachada principal, pero se adivinan dos puertas en su lado corto y una en cada uno de sus lados largos. No se observa ningún tipo de vano en el muro, a excepción de las puertas comentadas, lo que nos sugiere que el interior estaría iluminado con luz artificial y crearía una atmósfera sobrecogedora que serviría para infundir aún más el temor de Dios. En los muros exteriores, no se observa ningún tipo de decoración, pero se articulan una serie de contrafuertes o estribos, que dotan de ritmo a la fachada exterior y contribuyen a crear efectos de claroscuro que potencien la fachada y al tiempo la hacen más dinámica y esbelta. El edificio, dentro de su sobriedad, transmite cierta elegancia y armonía en sus proporciones.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La función principal de este templo es la religiosa, tendría además un significado simbólico como "casa del cielo" o "morada del Dios", el Templo Blanco de Uruk estaría consagrado a la Diosa Inanna, relacionada con los ciclos lunares y agrícolas. El templo sería un lugar donde se consagrarían procesiones rituales y ofrendas. Además, en una sociedad profundamente teocrática representaría el poder de los sacerdotes o patesi sumerios como mediadores entre los dioses y los hombres.

COMENTARIO: La Antigua Mesopotamia no era una civilización unitaria, sino un territorio donde confluyeron muchos pueblos desde sumerios, acadios, babilonios, asirios, hititas y finalmente persas. La gran fertilidad de la llanura aluvial de los ríos Tigris y Eúfrates hizo de este territorio una zona codiciada por todos en la que se sucedieron numerosos conflictos, pero con ellos también se dio un intercambio y asimilación cultural entre los distintos pueblos que la habitaron. En arquitectura la ausencia de canteras cercanas dio lugar a una arquitectura realizada principalmente con adobe y con ladrillo, en este contexto el Templo Blanco de Uruk constituye una de las grandes excepciones al emplear piedra blanca caliza en su construcción junto con el ladrillo. Siendo uno de los primeros templos construidos, sin duda influyó en la arquitectura posterior, a pesar de que el templo evolución a su forma de zigurat, se conservaron algunos elementos, como las fachadas lisas sin decoración articuladas por pequeños contrafuertes o estribos, no obstante, la tipología de templo eanna no tuvo mayor evolución tras terminar el primer periodo sumerio.

Zigurat de Ur Comentario

1/12/2016 07:50:00 p. m. 0
zigurat de ur comentario
Zigurat de Ur (2150-2015 a. C.)
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen del Zigurat de Ur, de autor desconocido y datado entre 2150-2015 a. C. Corresponde al estilo de Arquitectura Mesopotámica en su Periodo Neosumerio. Su estado de conservación debido a las continuas invasiones del territorio, el tipo de material utilizado y unos factores climáticos poco favorables, determinan su pésimo estado de conservación actual. 

DESCRIPCIÓN: Como podemos observar se trata de un edificio construido en ladrillo, de muros altos en talud y con varias escalinatas de acceso, el edificio se encuentra parcialmente arruinado ya que los cuerpos superiores se han derrumbado.

ASPECTOS MATERIALES Y TÉCNICOS: El edificio está construido en su mayor parte con abode, es decir, ladrillos de barro secados al sol. Para su revestimiento es posible que se utilizara ladrillo cocido que es mucho más resistente ante las inclemencias metodológicas, el uso de estos materiales se debe a la escasez de piedra en el territorio, que era una llanura aluvial de los ríos Tigris y Eúfrates. Para su construcción se utilizarían un sistema de grúas y poleas y rampas para elevar los materiales a tan gran altura.

zigurat de ur comentario
Zigurat de Ur (Reconstrucción Ideal)
ANÁLISIS FORMAL: En Mesopotamia se desarrollaron principalmente dos tipologías de templo, el eanna o "casa del cielo" construido a ras del suelo, y la torre escalonada o zigurat. El zigurat en su forma original tenía una planta rectangular a partir de la cual se elevarían en la mayoría de los casos tres cuerpos o terrazas, aunque algunos llegarían a tener incluso siete.

El zigurat de Ur es uno de los mejores conservados, como observamos en la reconstrucción ideal, encontramos tres cuerpos, dispuestos con muros en talud, y en el último cuerpo se construiría un templete que estaría consagrado a un Dios y en el que se realizaría una deposición de ofrendas e incluso sacrificios y otros ritos religiosos. Los tres cuerpos estarían construidos con ladrillos de adobe con gruesos muros y rellenados con tierra, sobre el que se construiría el cuerpo superior. Para acceder al templo de la parte superior se construirían una serie de escalinatas, en la fachada principal se encontraría la escalinata más importante sobre la que seguramente circularían procesiones para los dioses. Tanto en el templete, como en la conjunción de las escalinatas, observamos la utilización del arco de medio punto y la bóveda de cañón. Todo el edificio deja adivinar su estructura interna desde su vista exterior. No se emplea ningún tipo de elemento decorativo en el exterior, sin embargo, la disposición de una especie de hornacinas en los muros exteriores, dotan de ritmo y cierto dinamismo al conjunto arquitectónico.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La función principal del zigurat era servir como casa de Dios, era una construcción concebida como una montaña simbólica, que trataba de emular a las montañas naturales que servían de morada a los dioses. El zigurat de Ur estuvo dedicado a la diosa lunar Nannar. Es posible que también sirvieran de observadores astronómicos, ya que la religión estuvo muy ligada a la astronomía y astrología, que permitían conocer los ciclos agrícolas, base económica del Creciente Fértil.

COMENTARIO: En torno a los ríos Tigris y Eúfrates en lo que se conoció como el Creciente Fértil se gestó una civilización, que hoy conocemos como Mesopotamia. Sus grandes recursos tanto agrícolas como ganaderos dieron lugar a la acumulación de una riqueza, que dio lugar a un gran desarrollo comercial, que dio lugar sin duda a la disputa del territorio entre distintos pueblos vecinos como sumerios, acadios, babilonios, asirios o hititas. Esta continua superposición de pueblos y culturas distintas sobre el territorio dio lugar a un proceso de asimiliación cultural e intercambio que permitieron desarrollar una manifestación artística basada en la diversidad que contrasta con la uniformidad del Arte Egipcio. El zigurat de Ur, es una de las mejores muestras de la arquitectura de una de las culturas más antiguas y uno de los ejemplos mejor conservados de esta tipología arquitectónica.

Tumba de Nebamun Comentario

1/12/2016 06:14:00 p. m. 0
tumba de nebamun comentario
Caza entre los Papiros (Tumba de Nebamun) Museo Británico
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante unas imágenes de los muros de la Tumba de Nebamun. Están datadas hacia el 1350 a. C. durante el Imperio Nuevo y fueron encontradas en la tumba de Nebamun, que seguramente fuese un escriba y contable que trabajara para el Templo de Karnak. Pertenecen al estilo de pintura del Antiguo Egipto.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una pintura mural, con la técnica mixta, preparación del muro como un fresco y un acabado con pigmentos realizados al temple, lo que da lugar a una pintura de colores luminosos y brillante. Se trata de una representación figurativa y en un estilo naturalista idealizado. En la primera imagen observamos a un cazador, sobre una barca, supuestamente bogando por el nilo y cazando la abundante fauna que se encuentra entre los papiros que bordean, aparecen dos figuras femeninas que acompañan al cazador, seguramente se trate de familiares o puede que formaran parte de su servicio personal.

Tumba de Nebamun Comentario
Banquete con músicos y bailarinas (Tumba de Nebamun) Museo Británico

En la siguiente imagen se muestra la escena de un banquete en la que aparecen cuatro músicos, atraviados con ropajes y sus instrumentos musicales y dos bailarinas que parecen danzar al ritmo de la música.

ANÁLISIS FORMAL: Vemos en las dos imágenes una serie de características comunes. En cuanto a las formas vemos que hay un predominio del dibujo sobre el color, en este sentido las imágenes se construyen básicamente a través de líneas que enmarcan los diferentes cuerpos de personas, animales y objetos. En cualquier caso, vemos una abundancia de color, sobre todo en la escena de El cazador entre Papiros, con gran contraste entre tonos fríos y cálidos, sin embargo, no existe gradación del color, no aparecen sombras, son colores planos, muy luminosos y con mucha armonía pero no logran crear la ilusión de volumen en los cuerpos representados.

Tampoco se da una representación del espacio, si exceptuamos la referencia al Nilo en la escena de El cazador entre Papiros, los fondos son planos sin hacer ninguna referencia al paisaje natural o arquitectónico, también se observa la carencia en el uso de la perpectiva, así como distintos puntos de fuga. No obstante si se observa una perspectiva jerárquica, que presenta al cazador, supuestamente el mismo Nebamun, en un tamaño mucho más grande que las dos figuras femeninas, que trata sin duda de resaltar o hacer protagonista de la escena al mismo Nebamun. En la segunda escena, las bailarinas se muestran más pequeñas que los músicos dando la impresión de que se encuentren en un plano mucho más alejado. Tampoco se utiliza ningún tipo de perspectiva aérea, con colores difuminados o más blanquecinos que creen la ilusión de profundidad. Los planos del fondo están como vemos llenos de inscripciones jeroglíficas que hacen referencia a la vida del mismo Nebamun.

En cuanto a su estructura interna predomina una composición marcada por cierto uso de la simetría y centralidad. Las figuras se representan con cierto movimiento, que resulta de la utilización de ciertos convencionalismos, como las una pierna adelantada, o la posición de los brazos extendidos a cada lado del cuerpo, se aplica la Ley de la Frontalidad, que se observa por la disposición del torso de frente, mientras que la cabeza y las extremidades se muestran de perfil, aunque en la escena del Banquete, se ve un avance más ya que las bailarinas, se muestran totalmente de perfil, con formas sinuosas, en disposición diagonal y en posturas de equilibrio con pies alzados, que acentúan más la sensación del dinamismo y del ritmo de la danza que sin duda es lo que más atrae la atención de este paño del muro. Otro convencionalismo que se repitió en toda la pintura egipcia fue la falta de expresión o hieratismo, que convertían a estas imágenes en algo atemporal e inmutable.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Estas pinturas se encontraron en la Tumba de Nebamun por lo que debemos suponer que su función está ligada al rito funerario y por tanto religioso. En la mayoría de las tumbas con pinturas al fresco, estos representan aspectos cotidianos de la vida del difunto con la intención de que se perpetuaran en la vida del más allá.

COMENTARIO: En una sociedad profundamente teocrática como la Egipcia, los ritos funerarios y el culto a la vida en el más allá eran una de las cuestiones más importantes de la vida cotidiana. No es extraño por tanto que el Arte Egipcio refleje bien a través de edificios arquitectónicos como las grandes pirámides o los hipogeos, a través de la escultura que forma parte del rito al representar el Ka' o doble del difunto o a través de pinturas, como estos frescos que tratan de reproducir la vida del difunto en el más allá, este interés o inquietud constante de esta sociedad con la muerte y la creencia en la vida del más allá. Este tipo de pintura, llena de convencionalismos como el uso de la ley de la frontalidad, la simetría, el gusto por figuras geométricas puras o el hieratismo, no tratan sino de transmitir esa idea de atemporalidad o eternidad, se trata de figuras inmutables que tratan de representar la esencia privada de cualquier rasgo particular. Este tipo de convencionalismos se mantuvieron más o menos inalterables a lo largo de los 3000 años en los que se prolongaría la civilización del Antiguo Egipto. Hoy en día, los frescos de la Tumba de Nebamun, en su mayoría en el Museo Británico, forman parte de uno de los testimonios más bellos y refinados de la pintura egipcia.

Akenatón recibiendo los rayos solares comentario

1/07/2016 06:59:00 p. m. 0


Akenatón recibiendo los rayos solares comentario
Akenatón Recibiendo los Rayos Solares
(Museo Egipcio de El Cairo)
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen conocida como Akenatón recibiendo los rayos solares, sería tallada entre el 1350-1330 a. C. coincidente con el reinado de Akenatón o Amenofis IV perteneciente a la dinastía XVIII del Imperio Nuevo. De autor desconocido hoy la encontramos en el Museo Egipcio de El Cairo.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un hueco-relieve sobre piedra caliza, se encuentran restos de policromía. Se representa al Dios Atón o Disco Solar en la esquina superior izquierda de donde parten unos rayos solares de forma radial que articulan toda la composición, que dividen la escena en dos planos triangulares, uno inferior que se encabeza por el faraón Akenatón, seguido de la reina Nefertiti y sus hijas ofreciendo ofrendas votivas al dios Atón. Y un plano triangular superior, lleno de inscripciones jeroglíficas con alusiones a Atón y la familia del faraón.

ANÁLISIS FORMAL: El hueco-relieve continua con algunos de los convencionalismos de la escultura del Antiguo Egipto, no obstante rompe con algunos, por ejemplo las figuras utilizan un canon más alto y estilizado, de figuras sinuosas que renuncian a la reducción a las formas geométricas puras. Mientras se sigue disponiendo una pierna adelantada a la otra, parece que hay un intento, de romper con la ley de la frontalidad, al tratar de disponer, aunque con escaso éxito los torsos de perfil, no obstante los rostros siguen con el convencionalismo de representarse de perfil con los ojos almendrados. Continúa con una ley de la frontalidad que excluye cualquier tipo de perspectiva espacial o profundidad en la representación, al existir pocas referencias al espacio representado. En cuanto a la técnica hay un intento de representar diferentes texturas, que quedan más o menos conseguidas como se aprecia en las transparencias del vestido de Nefertiti, aunque sigue con un convencionalismo más geométrico en el faldellín del faraón.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Parece que estas placas fueron abundantes en la nueva ciudad fundada por Akenatón, la conocida como Amarna. Conformarían sin duda pequeños altares para el culto y la devoción, bien público como privado. Su abundancia nos habla del interés del faraón de sustituir el culto al antiguo panteón de dioses egipcios por el nuevo culto monoteísta a Atón o Disco Solar, como fuente de la vida. La aparición del faraón en las representaciones era una forma de vincular al faraón y su familia con la divinidad, estableciendo un papel mediador entre Dios y los faraones. Pero a pesar de sus esfuerzo, el culto a Atón, desapareció tras la muerte del faraón, lo que nos da a entender que fue un religión oficial que no tuvo influencia sobre el pueblo, que tras la muerte del faraón siguió con su culto al tradición panteón egipcio.

COMENTARIO: Para poder entender las características de este hueco-relieve, debemos entender la revolución política, religiosa y artística llevada a cabo por Akenatón. Desde los comienzos de la civilización del Antiguo Egipto, existía un panteón de Dioses, el más importante sin duda fue el culto de Amón-Ra, además de otros como Horus u Osiris. Al poco de tiempo de acceder al trono Amenofis IV, cambia su nombre por Akenatón o Ajenatón, traslada la capital de Tebas a Amarna y en lo religioso comienza un proceso herético, prohibiendo la adoración del resto de Dioses, estableciendo un religión monoteísta consagrada al culto al Disco Solar o Atón. Parece que detrás de esta revolución política y religiosa, está la intención de restar poder a los sacerdotes de los templos de Luxor y Karnak, cada día más poderosos y auténticos dueños de las ciudades de Menfis y Tebas. Esta revolución política y religiosa vino también acompañada con una revolución artística. Así, la mayoría de las representaciones de este periodo aparecen con el Disco Solar o Atón como centro de atención, pero quizá lo más revolucionario es que se abandonan ciertos convencionalismos que acompañaron la representación real a lo largo de los 3000 años de historia de civilización del Antiguo Egipto a excepción de este periodo herético.