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Matrimonio Arnolfini. Comentario.

1/20/2015 12:29:00 p. m. 0


CLASIFICACIÓN: La imagen corresponde con el óleo pintado por Jan Van Eyck, en el siglo XV, titulado el Matrimonio Arnolfini. Se trata de una escena costumbrista que representa una alegoría del sacramento del Matrimonio.


ANÁLISIS: El motivo central del cuadro es la boda de Giovanni Arnolfini, un rico comerciante italiano afincado en Brujas. Esta obra es una de las más representativas de la pintura flamenca del siglo XV. En la imagen aparecen ambos conyujes, el marido toma la mano de la esposa con la izquierda mientras bendice el matrimonio con la derecha, se trata de un rito matrimonial anterior al Concilio de Trento, el resto de la escena está compuesta por un interior, supuestamente la casa del matrimonio, con gran profusión de detalles. Así podemos decir que la composición es más bien sencilla, ocupando el matrimonio el centro de la escena. La luz desempeña un papel fundamental, de carácter natural entra por las ventanas de la estancia e inunda suavemente la estancia y contribuye a dar profundidad a la escena. No se utiliza ni perspectiva caballera ni axionométrica, sin embargo no está exenta de profundidad, sin embargo, no es matemática, sino más bien intuitiva debido a la naturalidad que impone la pintura flamenca, el espejo del fondo, ayuda bastante a crear profundidad. Los colores son vivos y brillantes, sin duda, debido a la utilización del óleo, una técnica nueva, ideada por los pintores flamencos que consiste en utilizar como aglutinante algún tipo de aceite y grasa, así el coloronte adquiere mayor intensidad como se observa en el verde del vestido. No obstante, no desaparece la línea, que también tiene un valor compositivo, creando un equilibrio perfecto entre línea y color.


FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La función no sería otra que conmemorar el matrimonio de la pareja Arnolfini, y su significado sería exaltar los valores del matrimonio, para ello Van Eyck utiliza diversos símbolos, por ejemplo, el perro que representa la fidelidad o el ir descalzos que representa la pureza.

COMENTARIO: El Matrimonio Arnolfini, es una obra cumbre de la pintura flamenca del siglo XIV y que recoge todos los elementos característicos de este estilo. Uno de ellos será su naturalismo, que lo desmarca de la pintura medieval, acercándolo más al Renacimiento, el otro será el empleo del óleo, que permitirá veladuras creando atmósferas muy realistas y que ayudarán a crear volumen y profundidad por medio del color, otro de los aspectos fundamentales será la profusión de detalles, que los convierte en casi miniaturistas, como se puede ver en los medallones de los espejos con imágenes de la Pasión de Cristo, también el empleo de la perspectiva, aunque sea fingida, el equilibrio entre la línea y el color y un gran simbolismo en todos los detalles. La pintura primitiva flamenca, influirá mucho en los artistas posteriores cuando se generalice la utilización del óleo, desde pintores del mismo entorno geográfico como Rembrandt o Rubens a españoles como Velázquez.

San Pietro in Montorio. Comentario

1/12/2015 04:05:00 p. m. 0

Comentario San Pietro in Montorio

DESCRIPCIÓN: El templete de San Pietro in Montorio es una de las obras más representativas de Bramante, fue construida en 1503 por encargo de los Reyes Católicos para conmemorar el lugar, donde la tradición sitúa el martirio de San Pedro en Roma.

ANÁLISIS: Bramante optó por un templo de pequeñas dimensiones y austero en la decoración, inspirado en un tholos griego, con pureza en sus líneas y de gran armonía compositiva. San Pietro in Montorio, se eleva sobre una cripta subterránea, que cubre la roca del martirio del primera papa de la Iglesia. Sobre ella, se articula un espacio, a modo de cella, de planta circular, elevado sobre un basamento circular con tres escalones, alrededor de la cella se dispone una columnata, de orden toscano, sobra las que descansa un entablamento compuesto arquitrabe, friso con triglifos y metopas, éstas, decoradas con relieves que narran la vida de San Pedro, también dispone de una balaustrada que deja ver el segundo piso del edificio, que consta de una cúpula semiesférica sobre una tambor, en el que se abren vanos para iluminar la estancia. En su construcción Bramante empleo travertino y mármol.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Con este templo se plasma en pleno Renacimiento, la tradición arquitectónica del "martyrium" oriental como la Cúpula de la Roca de tradición islámica o Santa Constanza de tradición bizantina. Con él se trata de conmemorar el lugar del martirio del primer papa de la Iglesia Cristiana.

CONTEXTO: Durante el Renacimiento, los artistas y en especial los arquitectos recuperaron gran parte del lenguaje arquitectónico de la Antigüedad, bien sea griega, pero sobre todo romana, y adaptarlo a los nuevos ideales basados en el humanismo, el neoplatonismo y el antropocentrismo. En la obra propuesta se advierten todos estos intentos de recuperación a través de la utilización del orden toscano, desaparecido durante la edad media, o el uso de la cúpula, no obstante Bramante da un paso más allá al utilizar la planta centralizada, como medio para expresar la perfección del universo, la idea de orden y medida clásica, y la idea del círculo, como forma perfecta que venía desarrollándose en toda la filosofía neoplatónica de Marsilio Ficino y Pico della Mirandola. A pesar, de las pequeñas dimensiones del edificio su influencia fue enorme, porque constituye el germen de lo que será el mayor proyecto de Bramante, la basílica de San Pedro, que inicialmente será también de planta centralizada y con una enorme cúpula. 

Comentario Arte · Moisés · Miguel Ángel Buonarotti

9/24/2014 05:54:00 p. m. 0

El Moisés de Miguel Ángel, es quizá la obra donde mejor se representa el concepto de "terribilitá" empleado por el genio modernista. La fue realizada para un gran conjunto monumental proyectado como tumba de Julio II. La prematura muerte del Papa, dejaría incompleto el proyecto, aún así se conservarán algunas partes, como este Moisés y la serie de los esclavos.

Moisés de Miguel Ángel

IDENTIFICACIÓN Y CLASIFICACIÓN DE LA OBRA: Nos encontramos ante una escultura renacentista de principios del siglo XVI. Pertenece a la etapa del Cinquecento en Italia. Se trata de Moisés, figura central de la tumba del Papa Julio II, en la Iglesia de San Pietro in Víncoli en Roma. Realizada por Miguel Ángel Buonarotti. Se trata de una escultura realizada en mármol blanco de Carrara, exenta, de bulto redondo, de cuerpo entero y sedente.


ANÁLISIS FORMAL: El tema de la obra procede del Antiguo Testamento, representa el momento en el que el profeta Moisés, regresa de su retiro de cuarenta días en el monte Sinaí, portando las Tablas de la Ley o los Diez Mandamientos para enseñárselas al pueblo de Israel, y encuentra a su pueblo entregado a la adoración del Becerro de Oro, abandonando el culto a Jahvé (Jehova) o el Dios del Antiguo Testamento.

La talla de la piedra es perfecta, sin duda, Miguel Ángel trata el mármol como un material maleable dando la sensación de un modelado más que de una talla. El pulido de la piedra deja resbalar la luz, los pliegues de sus ropas tienen un gran naturalismo y provocan grandes contrastes de luces y sombras otorgando un rotundo volumen a la obra.

El estudio anatómico es perfecto, Miguel Ángel, debido a la avanzada edad de Moisés elige un modelo hercúleo, de asombroso naturalismo, con músculos grandes y poderosos que exhiben una gran fortaleza y tensión en la figura.

La composición, es cerrada, clásica, en torno a un eje vertical desde la cabeza al pliegue formado por las piernas del profeta, la figura queda enmarcada entre dos líneas verticales. Existe un ligero contrapposto a pesar de estar sentado, y que queda patente en el giro de la cabeza y los movimientos contrarios de piernas y brazos. Con esta complicada composición, Miguel Ángel quiere sugerirnos la clásica idea aristotélica del momento preciso entre ser en potencia y ser en acto. Así es cómo Miguel Ángel nos sugiere el momento en que Moisés, cargado de furia, decide levantarse y dirigirse a su pueblo que ha caído en la adoración del Becerro de Oro. Aquí el autor abandona los gestos dulces y serenos de su juventud, sustituidos ahora por una gran expresividad dramática y feroz, que los críticos han señalado como "terribilitá".

Muchas de las características del estilo renacentista están presentes en esta obra como la búsqueda de la belleza ideal, el acentuado naturalismo, el interés por la figura humana y su anatomía como expresión ideal de la virtud y no como fuente del pecado, como lo fue en la tradición medieval.

INTERPRETACIÓN Y SIGNIFICADO DE LA OBRA: Este Moisés pertenece al sepulcro del Papa Julio II, quien fue además el mecenas, por encargo en 1505. El proyecto original difiere mucho del resultado final, ya que se trataba de una tumba exenta, con cuatro fachadas y más de cuarenta estatuas y que iría ubicada bajo la gran cúpula de San Pedro del Vaticano. Sin embargo este gran proyecto fue reduciéndose por motivos económicos y sobre todo por la muerte del propio promotor Julio II. Quedan sin embargo, algunas estatuas de esclavos, muchas sin terminar que formarían parte del gran conjunto escultórico.

Simbolismo: algunos críticos interpretan al Moíses como un retrato idealizado del propio escultor o bien del Papa Julio II, como un guerrero de Dios o líder espiritual, tal y cómo lo fue el profeta en las santas escrituras que liberó a su pueblo de la tiranía de Egipto. Es posible que el sentido que buscaba Miguel Ángel era simbolizar la fusión de la vida activa y la contemplativa, según el ideal platónico y que representaba muy bien el personaje bíblico.


EL AUTOR: El escultor es Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564), es el escultor más importante del Cinquento Italiano y uno de los más importantes de la Historia Universal del Arte. Transmite la imagen de genio polifacético y humanista renacentista, ejerce con gran destreza la arquitectura, la pintura, la poesía y por supuesto la escultura, que será su auténtica vocación. En sus obras busca la belleza ideal, que en el sentido neoplatónico será la expresión de un orden intelectual.


Su trayectoria artística atravesará varias etapas, una etapa de juventud, donde se ajusta más a las formas clásicas y existe una voluntad más patente de búsqueda de la belleza ideal como es el caso del David o la Piedad del Vaticano. Una etapa de madurez, donde aparecen tendencias más manieristas, diluyéndose el ideal estético clasicista, donde el mejor ejemplo es este Moisés. Y una etapa de vejez, donde abandona por completo la estética clásica y busca nuevas formas de expresión tanto en la talla como en la composición que lo acercan más al Barroco.