Mostrando entradas con la etiqueta ART·11·Selectividad. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta ART·11·Selectividad. Mostrar todas las entradas

Gálata Moribundo. Comentario

12/07/2016 05:29:00 p. m. 0
Gálata Moribundo - Copia Romana (h. 220 a. C.) Museo Capitolino de Roma

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del conocido como Gálata Moribundo. Su original griego, seguramente fundido en bronce ha sido atribuido a Epígonas, por algunos autores, aún así desconocemos con seguridad su autor. Esta datado hacia el 220 a. C. Su estilo se enmarca dentro de la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en un buen estado de conservación en el Museo Capitolino de Roma.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista. De bulto redondo, que formaba parte de un grupo escultórico, entre las otras esculturas se halla la conocida Gálata Ludovisi. Muestra a un guerrero desnudo y moribundo, que ha caído en la batalla, con heridas y un evidente estado de resignación con el futuro que se le avecina.

ANÁLISIS FORMAL: El Gálata Moribundo, aparece tendido en el suelo, con una pierna estirada, y su cuerpo apoyado sobre un brazo. La composición, es abierta y está llena de diagonales que recorren desde la pierna estirada hasta el cuello, dotando de un movimiento a la figura, así como múltiples puntos de vista. La talla es elegante y refinada, y muestra un perfecto estudio anatómico. Hay un intento de individualización, con el uso de la espada, el cabello largo y abigarrado, el bigote y el torque que luce en el cuello que lo identifican como un guerrero gálata. Por último, hay un búsqueda de elementos dramáticos, la misma posición del cuerpo, la cabeza agachada y el rostro sereno transmiten un sentimiento de resignación y derrota ante la muerte, así como otros elementos, como la herida en el costado de la que mana sangre. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Como hemos dicho antes, el Gálata Moribundo, pertenece a un grupo escultórico formado por otras 5 esculturas, de la que conocemos el Gálata Ludovisi. Estas esculturas tendrían un carácter conmemorativo al celebrar la victoria del rey Atalo I frente a los galos en el 225 a. C. Su significado es propagandístico, ya que la demostración de honor y valor de los enemigos, añaden más mérito a la victoria y dan más gloria al rey.

COMENTARIO: Durante el helenismo, comienzan a llegar influencias a la Hélade de numerosos rincones del Imperio Alejandrino. Esto dio lugar a nuevas formas de expresión, si bien la mayoría de autores mostraron un interés por hacer representaciones más realistas y llenas de movimiento, otros aspectos se desarrollaron más en unos sitios que en otros dando lugar a diferentes escuelas. En la escuela de Atenas o Neoática en general se continuó con la herencia de los grandes maestros del postclasicismo como Praxíteles, Scopas o Lisipo, en la escuela de Rodas se exploraron la teatralidad y nuevas composiciones, en Alejandría se prefirió cultivar el retrato o los temas amables y cotidianos, en la escuela de Pérgamo a la que pertenece este Gálata Moribundo se prefiere ahondar en la expresión del pathos, a través de sentimientos como el dolor o el sufrimiento. Esta búsqueda de la tensión emocional la podemos ver en otras obras de la escuela de Pérgamos como el Altar de Zeus o la Victoria de Samotracia.



Gálata Ludovisi. Comentario

11/28/2016 09:36:00 a. m. 0
galata ludovisi comentario
Galata Ludovisi - Copia romana (atribuido a Epígonas, h. 220 a. C.) Museo Nacional Romano

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una escultura conocida con el nombre de Gálata Ludovisi. Se trata de una copia romana de un original en bronce atribuido por algunos autores a Epigonas, su datación estaría entre el 230-220 a. C., la copia, seguramente se talló en el siglo I a. C. Pertenece a la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo Nacional Romano.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un grupo escultórico, figurativo y de carácter realista. La copia está tallada en mármol, seguramente mediante la técnica del sacado de puntos y es de bulto redondo. El tema es histórico y representa una parte de la batalla entre las huestes del rey Atalo I y el pueblo gálata de raigambre celta. La escena representa a un gálata que tras dar muerte a su mujer decide suicidarse, antes de ser capturado por sus enemigos.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la Escuela de Pérgamo se caracteriza por escoger temas patéticos y exaltar el dramatismo y los sentimientos violentos, como bien apreciamos en esta obra. En cuanto a la composición, el autor decide una estructura piramidal, formada por la mujer que yace muerta y el gálata que se inclina hacia ella para sujetarla. Al mismo tiempo, la composición gira sobre sí misma en un movimiento helicoidal, que añaden movimiento a la composición, comienza con el cuerpo de la mujer, que ya fallecida se inclina hacia el gálata, que al tiempo se gira sobre sí mismo, culminando en la cabeza que mira hacia atrás intentando ver a sus enemigo. Este tipo de composición, así como el número de diagonales, como la línea de los hombros de la mujer o el brazo del gálata, abre múltiples puntos de vista, rompiendo con la frontalidad e invitando al espectador a rodear la imagen, además de añadir movimiento y dinamismo a la escultura. Por otro lado, encontramos una obra llena de contrastes, en primer lugar el cuerpo del gálata, erguido, esbelto y con todos los músculos en tensión, se contrapone al cuerpo yacente de su esposa que se desploma con gran pesadez. Otros contrastes los encontramos en las texturas, donde la piel lisa y tersa con una superficie pulida, se contrapone a los abigarrados pliegues del manto de la mujer, que junto con la capa que porta el gálata crean violentos juegos de claroscuros que contribuyen a añadir más dramatismo a la imagen. El dramatismo, típico de la escuela de Pérgamo, queda patente por la mirada de terror y agonía del gálata, así como el rostro inexpresivo y sin vida de la mujer. Además, el gálata se clava su espada que muestra una herida sangrante que resalta aún más ese dramatismo. Todos los volúmenes y la anatomía están perfectamente modelados mostrando un gran estudio anatómico. El estudio etnográfico, se reduce al empleo del bigote en el rostro del gálata y el uso de la capa, que lo diferencian de los ropajes griegos.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El Gálata Ludovisi fue un encargo del rey Atalo I, para conmemorar la victoria sobre los gálatas. Esta obra formaría parte de un conjunto, y estaría rodeada de 5 esculturas más, una de ellas, el Gálata Moribundo, es muy conocida también. La función es por tanto conmemorativa, y su significado sería el de exaltar la figura del rey Atalo I, que fue capaz a un pueblo tan feroz, belicoso y guerrero como los celtas gálatas.

COMENTARIO: Durante el periodo helenístico, debido a las conquistas de Alejandro, el arte griego comienza a recibir influencias de distintos puntos del Mediterráneo. Comienzan a buscarse nuevas formas de expresión acordes con los nuevos tiempos y se van configurando una serie de escuelas que resaltan o profundizan en cada una de estas escuelas. Si la escuela Neoática sigue más que ninguna otra la tradición clásica, la escuela de Alejandría profundizará en temas amables y elegantes, por contraste, la escuela de Pérgamo, enfatizará a través de la teatralidad y el dramatismo, el patetismo, ahondando en la representación de sentimientos violentos, como la ira o el miedo. En este Gálata Ludovisi, vemos una perfecta definición de la teatralidad y el dramatismo, a partir de múltiples elementos, como hemos comentado anteriormente. Otras obras representativas de esta escuela son los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo o el Laocoonte, que siguen las mismas premisas. Esta búsqueda de movimiento, dramatismo y teatralidad tendrá influencia en artistas de etapas posteriores como Bernini en pleno Barroco italiano.

Venus de Milo. Comentario

11/24/2016 06:09:00 p. m. 0
venus de milo
Venus de Milo. Autor desconocido (s. II a. C.) Museo del Louvre

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la conocida Venus de Milo, se trata de un original griego datado hacia el siglo II a. C., encontrado en isla de Milo o Melos. Se desconoce su autor y pertenece al periodo helenístico, pudiéndose inscribir dentro de la Escuela Neoática. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre, y su estado de conservación es bueno a pesar de la ausencia de sus brazos.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista, de bulto redondo, en pie y tallada en mármol de Paros, en su origen estuvo policromada. El tema tratado es mitológico representando a través de un semidesnudo femenido a la diosa Afrodita o Venus para los romanos.

ANÁLISIS FORMAL: La Escuela Neoática, dentro de las diferentes escuelas helenísticas, parece seguir con mayor fidelidad a los grandes artistas postclásicos como Praxíteles, Scopas y Lisipo, de ahí la semejanza de esta escultura con la Venus de Capua atribuida a Lisipo. Con todo participa de todas las características del arte helenístico. En primer lugar, se observa una búsqueda de movimiento y dinamismo que se contrapone con el equilibrio de la etapa clásica. Así, la Venus de Milo se muestra con un marcado contrapposto que le confiere una forma sinuosa a la escultura. La composición es claramente abierta, a pesar de la ausencia de los brazos, el autor utiliza una composición helicoidal o con forma serpentinata, realizada con un suave y equilibrado giro del cuerpo hacia su izquierda, que invitan al espectador a buscar múltiples puntos de vista. El estudio anatómico femenino es detallado y elegante y de proporciones armoniosas, con volúmenes naturales que se alejan del geometrismo del primer clasicismo como en el Doríforo de Policleto. La técnica es refinada dando lugar a numerosas texturas, en particular destacan la suavidad y blandura de la piel de Venus, que se contrapone con los abigarrados pliegues de la túnica que cubren sus piernas, creando violentos contraste de luces y sombras que ayudan a reforzar el dinamismo de la imagen. El rostro se muestra sereno, siguiendo la tradición clásica, huyendo de la expresión de las emociones.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos muy bien la función de la imagen ni el lugar al que estuvo destinada originalmente. No obstante, Afrodita o Venus, fue siempre una de las diosas que recibieron mayor veneración en la Antigüedad Clásica, ya que representaba el amor. Seguramente tuvo alguna función votiva o de ofrenda.

COMENTARIO: El periodo helenístico introduce numerosas novedades en la representación escultórica de la Antigüedad, las conquistas de Alejandro llevaron nuevas influencias a la Hélade y se formaron diferentes escuelas que exploraron en mayor o menor medida todas estas innovaciones. Entre las principales características del helenismo podemos citar un mayor interés en la expresión del movimiento, así como una búsqueda de la representación de las emociones, como el dolor, el sufrimiento o el patetismo. Los temas son más variados, ya que a los mitológicos se añaden otros, a veces anecdóticos o cotidianos, otras veces se busca la fealdad como en la vieja ebria, también comienza a cultivarse el retrato, y cuando se representan dioses tienden a ser reflejados de forma más humana. La Escuela Neoática, es la que sigue más fiel a los principios del arte clásico, y normalmente quedan reflejadas aquellas características de los artistas postclásicos como Praxíteles, Lisipo y Scopas, así la Venus de Milo, con un mayor movimiento que en momentos anteriores, sigue representando el dominio de las emociones a través de un rostro sereno, y representa una mirada hacia el ideal clásico de belleza. Se humaniza a la diosa mostrándola en un momento cotidiano, seguramente saliendo o entrando al baño, lo que justifica su desnudez. La Venus de Milo, descubierta a mediados del siglo XIX tuvo una gran influencia en el Neoclasicismo donde fue considerada un paradigma de la belleza femenina clásica.

El niño de la oca. Comentario

11/23/2016 04:52:00 p. m. 0
el niño de la oca
El niño de la Oca de Boeto de Caledonia - Copia Romana (s. II a. C.) Museo del Louvre. París

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana de la obra El Niño de la Oca. Realizado en el siglo II a. C., su modelado y fundido en bronce se atribuye a Boeto de Calcedonia. Pertenece al estilo helenístico y podemos enmarcarlo en la Escuela de Atenas. Hoy existen numerosas copias que podemos observar en los Museos Vaticanos, Museo del Louvre o la Gliptoteca de Munich.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa y de carácter naturalista, tallada en mármol a partir de un original de bronce, es de bulto redondo y mide 85 cm. aproximadamente. Representa un tema cotidiano o anecdótico, propio de la época helenística, donde un niño de escasa edad juega a coger una oca.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la escuela de Atenas se caracteriza por temas cotidianos o anecdóticos dando lugar a una escultura elegante y amable. Este Niño de la Oca, reune muchas de las características de este periodo. En primer lugar se aleja del equilibrio de la etapa clásica y busca nuevas composiciones que ayuden a dar mayor movimiento y dinamismo a la representación, en este caso, Boeto de Calcedonia utiliza una composición piramidal, compuesta por el niño y la oca, que se disponen de una forma helicoidal, recordando a la forma serpentinata tan utilizada en el Renacimiento, lo que contribuye a dotar de gran movimiento a la escultura, además invitan al espectador a rodear la escultura en la búsqueda de múltiples puntos de vista. Por otro lado, la escultura helenística, se aleja de la búsqueda de la belleza a través de la geometría y el número, buscando una mayor naturalidad y realismo, llegando a mostrar las expresiones como podemos observar en el rostro del niño, con un gesto de picardía, así cómo en la oca, que parece mostrar cierto dolor ante la acción del niño. La escultura helenística también se caracteriza por una gran calidad técnica, como observamos en las carnes tiernas y blandas típicas del niño de su edad, que responden a una gran estudio anatómico, que se contrapone con la suavidad del plumaje de la oca.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos la función y significado original de la obra. Pero sabemos que fue muy famosa en su época, a través del gran número de copias encontradas en época romana. Es posible que se tratara de una representación con carácter lúdico para la decoración de estancias o jardines, con el único objetivo de entretener o deleitar al espectador.

COMENTARIO: A partir de las conquistas de Alejandro Magno, el arte griego sigue profundizando en las sendas abiertas por los artistas del Postclasicismo como Praxíteles, Scopas y Lisipo, además de recibir numerosas influencias de otros territorios del imperio. Así, el arte llegó a profundizar a veces en un mayor realismo, otras en la búsqueda de la expresión del patetismo o el sufrimiento, otras veces como en este Niño de la Oca, en la búsqueda de aquello más humano o anecdótico. La búsqueda de nuevas formas estéticas y expresivas llevó al arte a una especie de barroquismo con complicadas composiciones, como la composición piramidal o forma serpentinata que vemos en esta escultura o la búsqueda de escorzos y diagonales que abriesen la composición y crearan múltiples de vista. Muchas de estas obras influenciarán a los artistas del Renacimiento y el Neoclasicismo. 

Victoria de Samotracia. Comentario

11/22/2016 04:39:00 p. m. 0
victoria de samotracia
Víctoria de Samotracia (siglo II a. C.) Museo del Louvre. París

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la Victoria de Samotracia. Es una obra original y se atribuye al escultor Pithókitos. Datada en el siglo II a. C., pertenece a la Escuela de Rodas dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre en París, si bien su estado de conservación es bueno, es cierto que ha perdido la cabeza y una de sus alas es fruto de una restauración.

DESCRIPCIÓN: La Victoria de Samotracia es una escultura de carácter figurativo, de bulto redondo y en píe. Está tallada en mármol y tiene un altura de 2,65 m. El tema es mitológico, representando a una Atenea de la Victoria o Atenea Niké, como podemos apreciar por sus alas desplegadas y estaría en un pedestal con forma de proa de barco.

ANÁLISIS FORMAL: La Víctoria de Samotracia es una de las mejores expresiones del arte helenístico. Entre sus características formales se encuentran la búsqueda del movimiento y el dinamismo frente al equilibrio del periodo clásico. En este caso, el autor opta por una composición abierta, con unas líneas diagonales donde se enmarcan las alas, y el propio cuerpo, que parece abalanzarse hacia el frente provocando esa sensación de desequilibrio, podemos añadir una suave torsión que contribuye a esa sensación de desequilibrio que invita al espectador a buscar diversos puntos de vista de la figura. Además, el empleo de la técnica de los paños mojados, da lugar a numerosos pliegues en el jitón, que se arremolinan a lo largo del cuerpo, como si la figura avanzara contra el viento o como si se posara sobre la proa de un barco. El modelado de los diferentes volúmenes anatómicos consiguen una gran expresividad, la anatomía se transparenta a través del peplo, empleando la técnica que popularizara el gran Fidias, el estudio anatómico es perfecto, dando lugar a unos volúmenes naturales y proporcionados, lo que contribuye a crear una escultura de gran belleza y sensualidad. Además encontramos un gran repertorio de texturas, sobre todo en los pliegues, que van desde los finos y transparentes a los gruesos y arremolinados, también observamos texturas originales en la talla de las alas que imitan la suavidad de las plumas, el conjunto transmite violentos contrastes de luces y sombras que contribuyen a una mayor expresividad y dramatismo. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La escultura fue encontrada en el santuario de Cabiros en Samotracia en 1863. Cumpliría una función votiva y conmemorativa, y seguramente celebraría la victoria de Samotracia sobre Antíoco III de Siria.

COMENTARIO: Con las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega comienza a recibir nuevas influencias tanto en lo político, en lo social como en lo artístico. En cuanto a lo artístico, comienzan a participar de nuevas tendencias muchas llegadas de otras zonas mediterráneas como Egipto, Persia y Mesopotamia que contribuyen a crear un arte que abandona la racionalidad y equilibrio clásicos y comienza una búsqueda del movimiento, el desequilibrio, el dramatismo, la tensión, el patetismo y la representación del dolor o el sufrimiento además de otras emociones. Con todo el periodo helenístico lo podemos clasificar como un barroquismo de las formas clásicas como podemos apreciar en esta Victoria de Samotracia. Además se configuraron varias escuelas, que desarrollaron estilos distintos que se distinguían por la representación más acentuada o menos de algunas características descritas anteriormente. La Víctoria de Samotracia, pertenece a la Escuela de Rodas, donde se acentúa el dramatismo, el movimiento y el desequilibrio. Estos efectos también los podemos encontrar en otras obras de esta escuela como la conocida El Laocoonte y sus hijos. 

Púgil en Reposo. Comentario

11/21/2016 10:43:00 a. m. 0
púgil en reposo
Púgil en Reposo, atribuida a Apolonio (s. I a. C.) Museo Nazionale Romano. Palazzo Massimo

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen del conocido como Púgil en Reposo. Se trata de una escultura en bronce, atribuida al escultor Apolonio por razones estilísticas ya que no existe una firma que lo confirme, y está datada hacia el siglo I a. C. Su estilo corresponde al periodo Helenístico, dentro de la escuela de Atenas o escuela Neoática. Fue descubierto en el siglo XIX por el arqueólogo Rodolfo Lanciani, hoy se encuentra expuesto en el Museo Nazionale Romano en el ala del Palazzo Massimo.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa de carácter naturalista con tintes realistas. Sedente y de bulto redondo. Tiene una altura de 1,20 m con proporciones similares al natural. Está modelada y fundida en bronce con la técnica de la cera perdida, además se observan incrustaciones, en los ojos, seguramente realizados con pasta vitrea y hoy perdidos, además hay otras incrustaciones en bronce de color rojo simulando sangre, por lo que hay una búsqueda de policromía. Se representa un tema cotidiano, en este caso un púgil en reposo después de un combate.

ANÁLISIS FORMAL: Durante la etapa helenística, se abandonan muchos de los conceptos estéticos del periodo Clásico, como observamos en este Púgil en Reposo, hay un búsqueda de una mayor movimiento y dinamismo de la escultura, y aunque el protagonismo se encuentra en un momento de descanso, el giro de la cabeza, que parece atender a alguien que le habla por sorpresa introduce cierto dinamismo a la escultura. La composición general es más bien cerrada, pero la mirada del púgil dan lugar a ampliar los puntos de vista, huyendo del frontalismo e invitando al espectador a contemplar la escultura desde distintos ángulos. También se da una huida de la quietud expresiva e idealización clásica, y se profundiza en un mayor realismo, como se observa en las heridas de los pies, las manos y sobre todo en la cara, que muestra la nariz rota, la oreja partida y múltiples cicatrices. El rostro busca la expresión del pathos, que frente a la serenidad que observamos en el clasicismo, deja entrever cierta emoción de sorpresa, de incertidumbre e incluso el dolor de las heridas. Los volúmenes anatómicos son correctos, y muy naturalistas, alejándose de los planos geométricos utilizados por Policleto en el Doríforo, además, se observa cierta elegancia y refinamiento en las formas anatómicas que se representan con texturas finas y pulidas que contrastan con los cabellos abigarrados y las rugosidades de los guantes.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos bien su función, ni tampoco el lugar al que fue destinada originalmente. Podría tratarse de alguna imagen votiva, e incluso también del retrato del púgil. En cualquier caso, el Helenismo se aleja de la representación de la virtud, la victoria y la gloria y prefiere la humanización de los personajes como en este caso donde el protagonismo se encuentra abatido.

COMENTARIO: La etapa Helenística se caracteriza por un alejamiento de los valores clásicos y de la idealización de la belleza, por contra, hay una búsqueda y profundización en el dinamismo y el movimiento frente al equilibrio, una representación del pathos o las emociones frente al ethos o el dominio de las pasiones. A menudo se incide en el dolor, en la fealdad, en la vejez o deformaciones físicas, muchas de estas características las observamos en este Púgil en Reposo, y son un reflejo de una sociedad con una crisis económica, política y social, dónde el pensamiento cívico se aleja del platonismo para acercarse a corrientes como el hedonismo o el estoicismo, mucho más humanas y que se reflejan en el arte de la forma descrita en el Púgil en Reposo.

El niño de la espina o Espinario. Comentario

11/20/2016 04:50:00 p. m. 0
niño de la espina
El niño de la Espina o Espinario (s. I a. C. Periodo Helenístico) Palacio de los Conservadores. Roma.
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana de la famosa obra el Espinario o Niño de la Espina. El original fue realizado en el siglo I a. C., en torno al año 200 a. C. y su autor es desconocido, pertenece al periodo Helenístico dentro de la escultura griega y se asocia a la Escuela de Atenas o Neoática. La copia se encuentra expuesta en el Palacio de los Conservadores en Roma.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de tipo naturalista. Es sedente y de bulto redondo. Representa un tema cotidiano, con un niño sentado intentando sacar una espina clavada en el pie. De ahí su nombre, el Espinario.

ANÁLISIS FORMAL: En la escuela Neoática, dentro del periodo Helenístico se siguen las premisas iniciadas en el periodo anterior por los grandes maestros Praxíteles, Scopas y Lisipo. Así, comienzan a utilizarse composiciones más abiertas, como se observa en este Espinario, donde la pierna cruzada y la cabeza ligeramente inclinada, y la espalda curvada, introducen una multiplicidad de puntos de vista que invitan al espectador a rodear la escultura para una mejor contemplación, esto dota a la imagen de mayor movimiento y dinamismo, a pesar de encontrarse en reposo. Los volúmenes y los estudios anatómicos tienen más hacia el natural, alejándose de las concepciones matemáticas, numéricas y geométricas que habían sido utilizadas en el Doríforo de Policleto. Además existe una búsqueda de cierto refinamiento de las formas anatómicas que estilicen la figura, al tiempo que otorgan una elegancia singular a la obra. Se utilizan a además, diferentes texturas, que contrastan, como observamos entre la fina y pulida superficie de la piel, y los cabellos. En cuanto al rostro, siguiendo la tradición clásica, muestra el "ethos" siendo casi inexpresivo, transmitiendo un dominio de las emociones, al tiempo que parece huir de esquemas estereotipados buscando la singularidad, podría tratarse por tanto de un retrato, en cuanto al pelo, se observa que no cae con naturalidad, por lo que se ha insinuado que la cabeza perteneciera a otra escultura.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Se cree que la función de esta escultura fue la de homenajear a un pastar llamado Martius, que recibió el encargo de enviar un mensaje. Fue tal su diligencia, que no paró hasta entregar el mensaje. Una vez conseguido, comenzó a quitarse una espina clavada en su talón.

COMENTARIO: El periodo que conocemos como Helenismo, se caracteriza por su diversidad, las conquistas de Alejandro Magno dieron lugar a la llegada de nuevas influencias estéticas desde territorios lejanos como Egipto o Mesopotamia, al tiempo que la cultura helena se expandía más allá de la Hélade, conformando un nuevo lenguaje artístico, rico y variado. En general, al margen de las diferentes escuelas, podemos hablar que se profundiza en la búsqueda del movimiento y dinamismo frente al equilibrio clásico. También hay una búsqueda de la tensión emocional o patetismo y ciertos efectos dramáticos que se contraponen con la quietud contenida de la etapa anterior. En cuanto a los temas, cobra protagonismo, lo humano, lo anecdótico y lo individual, frente a la belleza ideal. En este Espinario, observamos esa búsqueda de lo individual, lo anecdótico y el dinamismo que caracteriza esta etapa, aunque también algunos rasgos herederos del periodo anterior, como la representación del "ethos", que será característico de la Escuela Neoática, frente a otras escuelas helenísticas como la de Rodas o Pérgamos que ahondarán en la búsqueda del "pathos".

Hércules Farnesio. Lisipo. Comentario

11/19/2016 08:57:00 p. m. 0
hércules farnesio
Hércules Farnesio (Copia Romana s. III d. C.) Original de Lisipo. Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del Hércules Farnesio, realizado por Glaucón en el 220 d. C. El original se atribuye a Lisipo y estaría datado en torno al 330 a. C. Pertenece al estilo Postclásico o Clasicismo Tardío. Esta copia, encontrada en 1546 en las termas de Caracalla fue restaurada durante el Renacimiento y hoy se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura de 3,17 metros de altura, de carácter naturalista e idealizada, de bulto redondo. Representa un tema mitológico, se trata de Hércules, descansando tras la realización de sus trabajos. En su descanso se apoya sobre su bastón, que aparece cubierta con la piel del León de Nemea, al que dio muerte como parte de uno de sus trabajos, mientras, la otra mano oculta tras la espalda tiene la manzana de oro, robada del jardín de las Hespérides que le otorgará la inmortalidad.

ANÁLISIS FORMAL: Lisipo consigue con esta obra plantear un nuevo concepto estético, el cuerpo joven y atlético, de chicos imberbes, que habíamos visto desde el Doríforo de Policleto hasta el Apolo Sauróctono de Práxiteles, que representarán el tipo apolíneo se contrapone a este cuerpo fuerte, musculado y maduro que representa el tipo hercúleo. Lisipo escoge para la composición el uso del contrapposto, con una marcada curva que recuerda a las composiciones de Praxíteles. La musculatura es marcada y voluminosa, llegando a presentar diartrosis o exageración en las articulaciones como se observa en el pliegue inguinal, aunque huye de planos geométricos como hiciera Policleto, resultando una escultura de gran naturalidad. Podemos decir que la composición es cerrada, no sólo en su forma, sino en su contenido, ya que Hércules aparece absorto en sus pensamientos, no obstante, la forma del contrapposto, así como la mano en la espalda que esconde la manzana del jardín de las Hespérides, invitan al espectador a la búsqueda de diferentes puntos de vista. Como observamos utiliza diferentes texturas, que dan lugar a una superficie fina y pulida en el desnudo, mientras que el pelo y la barba, así como la melena del león presentan un trabajo a trépano que forman contrastes de luces y sombras.El rostro, al igual que hiciera Lisipo con el Apoxiomeno, huye de expresiones exageradas y prefiere un gesto comedido, representando el ethos, o dominio de las pasiones. En cuanto a la actitud, Lisipo no representa al héroe en su victoria, sino que trata de humanizarlo al presentarlo abatido y cansado tras la realización de los 12 trabajos.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos ni la función de esta cultura ni el lugar al que fue destinada. En cuanto a su significado, la representación de Hércules estuvo siempre relacionado con la fuerza, el valor y la virilidad, que quedan patentes también en esta escultura. Se han encontrado varias copias de esta obra, por lo que tuvo que ser muy famosa en su tiempo y durante el dominio de Roma, Lisipo acertó al crear con esta talla el retrato de Hércules, siendo este tipo fuerte y barbado el utilizado en representaciones posteriores, y el tipo hercúleo ha servido de influencia en numerosas obras.

COMENTARIO: Tras las guerras del Peloponeso (431-404 a. C.) la Hélade entra en una crisis económica, política y social. Los viejos valores cívicos vienen a sustituirse por otros, al tiempo que nacen nuevas escuelas de pensamiento filosófico como el estoicismo y el hedonismo que abandonan la idealización del Platonismo. Esta crisis tiene su reflejo en el arte, sobre todo en el periodo Postclásico, como en este Hércules Farnesio de Lisipo, donde se abandona la representación de los grandes valores cívicos de la época de Pericles como el valor, la virtud o la gloria, que son sustituidos por unos más humanos, incluso en la divinidades, mostrando a un Hércules cansado, abatido y pensativo. El Postclasicismo, con autores como Lisipo, Scopas y Práxiteles dará lugar a formas más libres en lo estético y en lo conceptual que serán heredadas en la etapa posterior, el Helenismo.

Apoxiomeno de Lisipo. Comentario Arte

11/16/2016 06:08:00 p. m. 0
apoxiomeno lisipo
Apoxiomeno de Lisipo - copia romana - (siglo IV a. C.) Museos Vaticanos
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen con una copia romana en mármol del Apoxiomenos, que quiere decir "el raspador".  La obra original, seguramente fundida en bronce se realizaría hacia el 330 a. C. y que podemos enmarcar dentro del estilo conocido como Clasicismo Tardío o Postclasicismo, su autor fue Lisipo, uno de los escultores más reconocidos y prolíficos de su momento. Hoy se encuentra expuesta en los Museo Vaticano en un buen estado de conservación.

CLASIFICACIÓN: Se trata de una escultura figurativa, de carácter naturalista con cierta idealización, esculpida en mármol, representa un hombre desnudo en pie y de bulto redondo. El tema representado es uno de los más tradicionales y predilectos de la estatuaria griega, ya que representa un atleta, en este caso, en el momento de limpiarse el cuerpo con un estrígil o estrigilo, que servía para retirar el óleo o aceite con el que se untaban los atletas, y que tras la competición se retiraba ceremoniosamente junto con el polvo y resto de suciedad.

ANÁLISIS FORMAL: Seguramente Lisipo sea el autor del Postclasicismo con más influencias del periodo anterior, como se adivina por el tema elegido. No obstante, el atleta no se muestra en el momento del triunfo como el Diadúmeno de Policleto, sino en un momento más cotidiano y carente de gloria y heroicidad. Lisipo demuestra un interés por volver al uso de la matemática y la proporción como medida de belleza, empleando un canon, aunque en este caso ligeramente superior al de Policleto, con una altura de 8 cabezas, frente a las 7 que empleaba Policleto. Emplea también el contrapposto, y la diartrosis o forma desmesurada de representar las articulaciones como se observa en brazos, hombros y el pliegue inguinal, aunque con un modelado más fino y elegante, tratando de eludir los planos duros y geométricos del Doríforo. El rostro del Apoxiomenos aparece inexpresivo, volviendo al "ethos" clásico o la virtud de ocultar las pasiones o emociones. La gran diferencia con respecto a Policleto quizá sea en la utilización de un gran escorzo, donde los brazos se adelantan, saliendo de los planos del cuerpo, que obliga a abrir un poco más las piernas, creando una multiplicidad de puntos de vista y dando lugar a una composición de carácter abierto.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Se desconoce la función de esta escultura, así como el lugar al que fue destinada. Es posible que se trate de una escultura votiva u ofrenda a algún dios que además cumpla con la función de deleitar a través de la contemplación de la belleza.

COMENTARIO: A finales del siglo IV a. C. la Hélade atraviesa un periodo de inestabilidad política y económica, lejos del esplendor de la Atenas de Pericles, la mayoría de las polis griegas están a punto de sucumbir al poder de los macedonios. Esta situación lleva a la sociedad a abandonar muchos de los ideales cívicos de la época Clásica, y a incorporar ideas de nuevas corrientes filosóficas como el estoicismo o el hedonismo. Esta crisis política, económica y social tiene su reflejo en el arte, que si bien mantiene una gran capacidad técnica, busca la expresión de las pasiones, como es el caso de la Ménade Danzante de Scopas, la humanización de los dioses como la Afrodita Cnido de Praxíteles o la búsqueda de momentos más humanos y cotidianos, lejos de la búsqueda de la gloria y el triunfo como es el caso de este Apoxiomenos de Lisipo.

Ménade danzante de Scopas. Comentario

11/01/2016 03:34:00 p. m. 0
ménade furiosa o danzante
Ménade danzante o furiosa (copia romana) siglo IV a. C. - Scopas - Museo Albertinum de Dresde

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante la obra conocida como Ménade Furiosa o Ménade Danzante, se trata de una copia romana de un original atribuido a Scopas, escultor originario de la isla de Paros. La obra está datada hacia la mitad del siglo IV a. C. y pertenece al estilo Postclásico o Clasicismo Tardío. Hoy en día se encuentra expuesta en el Museo Albertinum de Dresde. Su conservación no es muy buena, encontrándose en estado fragmentario.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una obra escultórica figurativa de carácter naturalista e idealizado. Es una escultura de bulto redondo, de una figura femenina en actitud danzante, esculpida en mármol. El tema es mitológico, representa a una ménade, las ménades eran mujeres que vivían casi en estado salvaje y practicaban el culto orgiástico de Dionisos, donde a través de la intoxicación etílica derivada del consumo del vino llegaban a un frenesí extático.

ANÁLISIS: En el siglo IV a. C. los artistas comienzan a buscar nuevas formas de expresión, se abandona la búsqueda de la belleza ideal y del uso de las matemáticas y la proporción como medios para plasmar la belleza. En este caso Scopas trata de transmitir fuerza expresiva y un estado de ánimo, mediante la representación del éxtasis o frenesí de la danza en el rito dionisíaco. Para ello, esculpe un cuerpo casi en el estado de convulsión, de una gran sensualidad, que además transmite gran movimiento y dinamismo, y que se acentúa por la profundidad de los pliegues creando efectos de luces y sombras. Esta profundidad de los pliegues junto con las ondas del cabello contrastan con la suavidad de la piel de la figura femenina. Scopas utiliza una estructura compositiva abierta, alejándose de la concepción frontal, alcanzando su máxima expresión con la contemplación de la obra desde un lateral o diagonal. A ello debemos sumar un perfecto estudio de la anatomía femenina., que se deja adivinar gracias el empleo de la técnica de paños mojados. El rostro muy deteriorado, es posible que reflejara una expresión de frenesí o desato de las pasiones, una búsqueda del "pathos" que exalta el sentimiento, abandonando el "ethos" o dominio de las pasiones del estilo Clásico.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos exactamente la función de la obra ni dónde estaría destinada. No obstante, el artista trataría de representar los estados del alma, relacionados con la pasión del hombre, un interior atormentado, un éxtasis desmesurado, en resumen, la parte más irracional del hombre.

COMENTARIO: En el siglo IV a. C. y tras las Guerras del Peloponeso, asistimos a un momento, donde los ideales clásicos de orden cívico, de dominio de las pasiones y la serenidad se van abandonando. Los desastres de la guerra, unidos al hambre y la destrucción, suponen el abandono del Platonismo y el surgimiento de nuevas formas de pensamiento como el Estoicismo o el Hedonismo que tiene su reflejo en el arte, con artistas como Práxiteles, Scopas o Lisipo, buscan otros medios de expresión, a veces su busca el lado amable de lo humano, como en el Apolo con Dionisos niño de Praxíteles, otras veces se acude en busca de lo más irracional como en esta Ménade Furiosa de Scopas. El gran efecto emocional de la obra, anuncia claramente la etapa posterior de la escultura griega. el Helenismo.

Apolo Sauróctono. Praxíteles. Comentario

10/31/2016 05:52:00 p. m. 0
Apolo Sauróctono (Copia Romana). Praxíteles. Museos Vaticanos

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del Apolo Sauróctono. El original, seguramente fue fundido en bronce, entre el 360-340 a. C. Su autor fue Praxíteles, uno de los autores más importantes del Clasicismo tardío o Postclasicismo. Existen varias copias que podemos encontrar en el Museo del Louvre o en los Museos Vaticanos, en un buen estado de conservación.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa, de carácter naturalista, en pie y de bulto redondo. Como hemos mencionado anteriormente, seguramente fuera fundida en bronce con la técnica de la cera perdida. El tema es mitológico y representa a un joven Apolo en el momento de lanzar un dardo a lagarto que sube por el árbol. Podría tratarse de una interpretación más humana del mito de Apolo y el dragón ctónico

ANÁLISIS FORMAL: Praxíteles respeta el canon de 8 cabezas en esta obra, como en la mayoría de sus obras emplea la conocida como “curva praxiteliana” en realidad, un contrapposto llevado al extremo, la sinuosidad de la silueta de Apolo impregna de movimiento y dinamismo la composición, también de elegancia y sensualidad, al tiempo que contrasta con la rigidez del tronco. La talla es fina y elegante, como observamos en las finas texturas de la piel del joven Apolo, que contrasta con los claroscuros de las texturas del cabello, el tronco o la piel del lagarto. A pesar de ser de bulto redondo, está concebida para ser vista de frente, aún así el brazo que sostiene el dardo rompe el plano frontal con el espectador, que junto con las diagonales que se trazan entre los brazos y la mirada entre Apolo y el lagarto crean una variedad de puntos de vista. El rostro de Apolo aparece pensativo, sin representar muchas emociones, recordando al “ethos” clásico.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No sabemos muy bien que función tendría esta escultura ni donde estaría destinada, aunque su función podría ser la del "arte por el arte", con la única intención de deleitar al espectador a través de la contemplación de una belleza elegante. En cuanto al significado podemos decir que se trata de una interpretación lúdica del mito de Apolo y el dragón ctónico de Delfos llamado Pitón, Pitón obtuvo el encargo por parte de Hera de perseguir y matar a Leto, madre de Apolo. También se ha interpretado como Apolo en su etapa de pastor tras matar a los Cíclopes, en este caso tendría un sentido bucólico o pastoril.


COMENTARIO: Tras el esplendor de la época de Pericles, toda la Hélade cae en un profunda crisis tanto en lo político, social y cultural que desembocará en las Guerras del Peloponeso entre el 431-404 a. C. A partir de este momento, muchos de los valores cívicos en los que se había basado la vida social en las diferentes polis griegas comienzan a cuestionarse apareciendo nuevas formas de pensamiento como el Estoicismo o el Hedonismo. En el arte, esta crisis de valores tiene su reflejo en el estilo Postclásico o Postclasicismo, donde se tiende a humanizar a los dioses como en este Apolo Sauróctono de Praxíteles o bien en la búsqueda de emociones como podemos observar en otros autores como Scopas.

Hermes con Dionisos. Praxíteles. Comentario

10/26/2016 04:53:00 p. m. 0
Hermes con Dionisos
Hermes con Dionisos niño (h. 340-330 a. C.) Praxíteles. Museo Arqueológico de Olimpia


IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen el grupo escultórico conocido como “Hermes y Dionisos niño” datada hacia el 330 a. C., realizada por Praxíteles y que podemos enmarcar dentro del periodo Postclásico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico de Olimpia, su estado de conservación es muy bueno a excepción de un brazo que se ha perdido, se trata de uno de los pocos originales griegos que ha llegado a nuestros días.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un grupo escultórico, de tipo figurativo y carácter naturalista, de bulto redondo. Está formado por Hermes y Dionisos, el tema es mitológico y representa a Hermes, dios mensajero, ofreciendo un racimo de uvas a Dionisos (dios del vino y de la fiesta), al que lleva hacia el Olimpo para ser cuidado por las ninfas. 

ANÁLISIS FORMAL: Como podemos observar nos encontramos ante una talla muy delicada y suave. Las formas son mucho más naturales que las que podemos encontrar en el periodo clásico, donde los planos geométricos están claramente definidos en la anatomía, como veíamos en el Doríforo. El canon utilizado es más esbelto que el de Policleto lo que contribuye a dotar de mayor gracia y ligereza a la escultura, a lo que añadiremos el uso de la conocida como curva praxiteliana, donde el contrabalanceo típico del contrapposto, se acentúa de forma extrema como observamos en el cuerpo de Hermes, aportando un gran dinamismo a la escultura. Estas formas contribuyen a crear una imagen mucho más cercana y humana de los dioses en el espectador, que también se manifiesta, al crear un diálogo de miradas entre Hermes y Dionisos. La misma acción de ofrecer el racimo de uva al niño, contribuye a dotar de un tono lúdico y amable que ayuda a crear una imagen más humana de las divinidades. La talla es rica en texturas y efectos plásticos, como podemos observar en la suavidad de la piel, que contrasta con el pelo rizado y los pliegues del manto que utiliza como estribo y que ayuda a sostener el peso de la escultura. Tanto los rizos del cabello como los pliegues del manto crean efectos de luces y sombras que resaltan el torso de Hermes. La composición se abre al espectador con el brazo extendido de Hermes sosteniendo el racimo (no conservado), a pesar de ser de bulto redondo, está claramente concebida para observarse desde un plano frontal .

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos bien, la función y significado de este grupo escultórico, pero puede que tuviese una función conmemorativa, tratando de representar la paz entre la polis de Elde (cuyo protector era Dionisos) y la polis de Arcadia (cuyo protector era Hermes).


COMENTARIO: Durante el siglo IV a. C. tiene lugar el Postclasicismo, este estilo, heredero del periodo anterior, continua en la búsqueda de la belleza ideal, sin embargo, ahora la belleza no reside tanto en la geometría, la proporción y la matemática, sino que se recurre a conceptos como la elegancia y el refinamiento, dando lugar a una escultura más esbelta, ligera y con un carácter más humano o amable, se abandona la representación del “ethos” entendido como el dominio de las pasiones, y se prefiere representar el “pathos” dejando mostrar las emociones humanas. Este tipo de arte viene a ser el reflejo de una sociedad que se distancia del esplendor político y cultural de la época de Pericles y entra en una profunda crisis marcada por las continuas guerras entre las diferentes polis, así como también la irrupción de nuevas formas de pensamiento que abandonan el Platonismo y la búsqueda de la virtud, para dar lugar a otras filosofía como el Hedonismo, o disfrute de los placeres, al que se acerca este Hermes con Dionisos niño, o bien el Estoicismo que estará mejor representado por Scopas. El Postclasicismo tendrá una gran influencia en la etapa posterior o Helenismo donde asistiremos a un barroquismo de las formas clásicas, que se inicia precisamente en este periodo.

Afrodita Cnido. Praxíteles. Comentario Arte Resuelto

10/11/2016 02:01:00 p. m. 1
Copia romana "Afrodita Cnido" Praxíteles (s. IV a. C.) Museos Vaticanos
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de Afrodita Cnido, seguramente se trate de una copia romana de un original griego esculpido pro Praxíteles a comienzos del siglo IV a. C. Lo podemos enmarcar dentro de la escultura griega en el estilo denominado Postclásico. Hoy se encuentra expuesto en los Museos Vaticanos. 

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa, de carácter naturalista idealizado, de bulto redondo y realizada en mármol. Representa a la diosa Afrodita en el momento de salir el baño, excusa que el autor aprovecha para representar un desnudo femenino. Podemos decir que se trata del primer desnudo femenino en bulto redondo del Arte Griego.

ANÁLISIS: Cómo observamos en la imagen, Praxíteles utiliza una talla de gran calidad en su modelado y exquisita delicadeza en el tratamiento de las superficies. Utiliza proporciones estilizadas que dan lugar a la representación de la belleza ideal femenina. A pesar de su posición estática, uno de los brazos se abre hacia fuera de la composición para sostener el paño, mientras el otro trata de ocultar su sexo que dotan de dinamismo a la figura, al igual que el uso de la conocida curva praxiteliana, que le da un carácter sinuoso al cuerpo, haciendo perder su rigidez a la vez que adquiere ligereza. La luz cae suavemente por las finas texturas de la piel, mientras crea juegos de luces y sombras en las texturas del cabello y sobre todo en el paño, que lleno de pliegues, contrasta con la fina piel femenina. Praxíteles trata de escapar de la serenidad de la etapa Clásica anterior, sorprendiendo a la diosa Afrodita saliendo del baño, al tiempo que trata de humanizarla cuando en un gesto de pudor trata de ocultar su sexo.

COMENTARIO: Tras el esplendoroso gobierno de Pericles, Atenas junto el resto de la Hélade, caen en un escenario de continuas guerras que traerán consigo épocas de hambre, escasez y crisis económica. Los ciudadanos comienzan a plantearse la grandeza del ser humana, capaz también, de cosas horribles, desde un plano cultural comienza a buscarse aquello que nos hace hombres, lejos de la fría lógica racional. Termina descubriéndose el "pathos" como expresión de las emociones, bien sea tristeza, alegría, o como en este caso, pudor. Esa búsqueda de la esencia humana, definida como "pathos" también se da en el arte, y los artistas de esta época, conocida como Postclasicismo, entre los que encontramos a Praxíteles, pero también a Lisipo y Scopas, buscarán constantemente aquellos gestos que nos hacen humanos, e incluso cuando se trate de dioses, como esta Afrodita Cnido, siempre buscarán aquel gesto que los humanice y aquella escena de carácter anecdótico que acerque el arte al espectador. Entre las obras de Praxíteles también destacan el Apolo Sauróctono o Hermes con Dionisos Niño. Estas nuevas tendencias, desembocarán, junto las influencias de otras regiones en el estilo Helenístico, ya en época de Alejandro Magno.

Friso de la Panateneas. Comentario de Arte Resuelto

10/07/2016 09:24:00 p. m. 0
friso de la panateneas
Friso de la Panateneas (443-438 a. C.) Fidias. Museo Británico
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante el conocido Friso de las Panateneas. Obra realizada entre el 443 y 438 a. C. Atribuida al gran escultor Fidias, aunque puede que fuese realizado por su taller bajo su dirección. Hoy en día se encuentra dividido en varios fragmentos, que podemos encontrar en distintos museos, sobre todo en el Museo de la Acrópolis de Atenas y en el Museo Británico, y el resto se encuentran en otros nueve museo internacionales. Debido a su fragmentación, su estado de conservación no es muy bueno, con un aspecto muy deteriorado. Aún así nos podemos hacer una idea del estilo y calidad de la talla.

friso de las panateneas
Detalle de las caballerías

DESCRIPCIÓN: Se trata de un friso corrido, tallado en bajo relieve, que circundaba todo el muro de la cella o naos del Partenon con una longitud de 160 metros. Está tallado en mármol del pentélico y su tema es religioso, mostrando la procesión de las Grandes Panatenas que tenían lugar cada cuatro años, en honor de la diosa Atenea, patrona de la ciudad de Atenas. A lo largo del friso podemos encontrar grupos de soldados o caballería, grupos de ancianos, otros portando animales para una hecatombe o sacrificio, también un grupo de músicos portando aulos (flauta doble) o kitharas (grandes liras), después las panatenas, chicas jóvenes de la ciudad, que dan nombre al friso que portan útiles para la celebración como jarras, quemadores de incienso, por último se encuentra un grupo, aún sin identificar claramente, pero con cierto rango social como indica su proximidad a los dioses, tratándose, posiblemente de los arcontes de la ciudad, en otra escena aparece un chico doblando junto a un adulto el que se cree que fuese el peplo sagrado de Atenea, tejido durante cuatro años por vírgenes o doncellas de la ciudad llamadas arréforas. Por último, aparecen los dioses como Apolo, Poseidón y Artemisa, que aparecen sentados contemplando las procesiones.

Detalle, niño doblando el peplo sagrado realizado por la arréforas

ANÁLISIS: Una de las primeras cosas que nos llama la atención de los relieves del Friso de las Panateneas es la ley de adaptación al marco, ya que la procesión se enmarca perfectamente, en el friso, que debido a su longitud, deja ver plenamente todos los personajes y detalles de la fiesta religiosa. La talla es rica en detalles, incluso mejorando a la rica fábrica de las metopas, se pueden observar en los tendones de los músculos, los ojos, los cabellos o las crines de los animales. La anatomía está muy cuidada y las articulaciones se muestran de forma natural, sin artificios ni posturas forzadas, se prescinde de la diartrosis (acentuación de las líneas que definen los músculos) del periodo anterior, o de la reducción a formas geométricas, como hiciera Policleto en el Doríforo. Todos estos movimientos dotan de gran dinamismo al relieve, así como también el uso de la técnica, habitual en las obras relacionadas con Fidias, de los paños mojados o drapeado, donde se deja adivinar bajo capas o peplos llenos de pliegues la anatomía desnuda. Todos estos pliegues dispuestos elegantemente, formando curvas y contracurvas, enriquecen plásticamente la escultura dotándola, además de movimiento, de fuertes contrastes entre luces y sombras. Cabe decir, que aunque se trate de un bajo relieve, se trabaja muy bien el volumen y la perspectiva, creando dos planos de profundidad en la mayoría de las escenas, no obstante no se trabaja una perspectiva espacial ya que no hay espacio representado, quedando las figuras sobre un fondo plano.

Detalle de los dioses Poseidón, Apolo y Artemisa
FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El friso de la Panateneas forma parte, junto con las metopas y los frontones, del ambicioso programa iconográfico que Fidias diseñó para el Partenón, con la finalidad de exaltar la grandeza de la Diosa Atenea, patrona de la ciudad de Atenas.

COMENTARIO: Con Fidias llegamos al momento culminante de la escultura dentro del periodo Clásico, algunos autores denominan a este periodo Alto Clasicismo, debido a la exquisitez de sus obras. En este momento, nos encontramos en el máximo esplendor de la ciudad de Atenas, que bajo el gobierno de Pericles, mantiene la hegemonía en la Hélade, este momento exultante de la ciudad tiene su reflejo en el arte creando obras que asombran por su alta calidad técnica y plástica además de su belleza, haciendo de Atenas no sólo el centro político y económico de la Hélade, liderando la Liga de Delos, sino también en la capital artística de la Antigua Grecia. Todo ese esplendor creativo se traduce en unas formas que se acercan más al natural, se amplia el dinamismo y movimientos de las obras, alejándose de rígidos esquemas matemáticos o geométricos, también en un enriquecimiento expresivo a través de la utilización de nuevas técnicas como la de los paños mojados o drapeado, así como una mayor sensualidad y naturalidad alejándose de la representación del "ethos" de la etapa anterior, como hemos visto en el friso de la Panateneas. Con Fidias podemos dar por concluida la etapa Clásica, pero su obra seguirá influyendo en el Postclasicismo posterior, con artistas como Praxíteles, Scopas y Lisipo, que seguirán la línea iniciada por Fidias, buscando un mayor movimiento, un mayor dinamismo, formas más libres y ligeras y una representación del "pathos" o emociones humanas.

Comentario Metopas del Partenon. Fidias

10/03/2016 09:56:00 p. m. 0
metopas del partenon comentario
Metopas del Partenón (h. 440 a. C.) Fidias. Museo Británico
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de las metopas del Partenón. Su autor es Fidias, uno de los escultores que expresa la plenitud de la Etapa Clásica. Están datadas hacia el 440 a. C. y hoy se encuentran expuestas en el Museo Británico. Su estado de conservación no es del todo óptimo, en primer lugar porque aparecen desligadas de su contexto arquitectónico y en segundo lugar porque faltan piezas completas y las que se conservan, están en su mayoría, deterioradas. Son además una fuente de conflicto entre Gran Bretaña y Grecia, ya que esta última las reclama como parte de su patrimonio histórico-artístico.

DESCRIPCIÓN: Forman parte de un conjunto de 92 metopas que rodeaban el entablamento el Partenón, en la Acrópolis de Atenas. Se trata de piezas cuadras de unos 1,35 m de lado y realizadas en mármol. Encontramos alto relieves figurativos y de carácter naturalista idealizados, que representan en cada uno de los lados del templo una de las cuatro grandes luchas mitológicas: Centauromaquia, Gigantomaquia, Amazonomaquia y la Guerra de Troya. Por los restos encontrados sabemos que estuvieron policromadas. 

metopas del partenon centauromaquia
Metopas del Partenón. La centauromaquia (h. 440 a. C.) Fidias. Museo Británico


ANÁLISIS FORMAL: Las composiciones realizadas por Fidias se adaptan totalmente al marco cuadrado de las metopas del Partenón. Como observamos, las representaciones que reproducen escenas de los combates están dotadas de un gran movimiento, encontrando a lo largo de las 92 metopas un gran repertorio de posturas y escorzos que dotan de gran dinamismo a la representación. Debemos añadir una gran riqueza plástica en texturas, como observamos en los cabellos y sobretodo en las vestimentas, como capas y pieles de los guerreros, que a través de sus pliegues dotan de movimiento y ritmo a la composición. Tanto los pliegues como la musculatura están bien marcados, utilizando el principio de "diartrosis" que consiste en acentuar con líneas profundas las líneas divisorias de brazos y piernas, así como los pectorales y el pliegue inguinal dando lugar a juegos de claroscuro que realzan el volumen de las figuras. Fidias, sin embargo, se desmarca de la búsqueda de la belleza ideal a través el número y la proporción y parece más preocupado por encontrar una belleza de tipo espiritual, donde incluso en el fragor de la batalla, los rostros muestran serenidad y dominio de las pasiones, en consonancia con el espíritu religioso y cívico de la época.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Las metopas del Partenón tienen una función decorativa dentro de los templos de órden dórico, sirviendo de soporte a la decoración escultórica del templo. El significado de las metopas forma parte de un ambicioso programa iconográfico que Fidias diseñó para el Partenón, donde además de las metopas que representaban las grandes guerras mitológicas, encontramos el friso de la panateneas en los muros exteriores de la cella, así como los dos frontones, con dos grandes escenas, el nacimiento de Atenea en el frontón oriental y la dispuesta entre Atenea y Poseidón en el frontón occidental. Con todo ello se pretende exaltar la grandeza de la diosa Atenea patrona de la ciudad de Atenas.

COMENTARIO: Con Fidias llegamos al momento culminante de la escultura dentro del periodo Clásico. La escultura de Fidias llega a unas cotas altísimas en cuanto a movimiento, ritmo, riqueza plástica y expresiva, innovaciones compositivas o de representación como la técnica de los paños mojados, antepuso la búsqueda de la belleza interior o la plenitud espiritual al uso de proporciones exactas y una armonía numérica, hace un uso de la libertad creativa, tanto en la representación de los personajes como en la composición de escenas no vista hasta entonces, como hemos visto en las metopas del Partenón. En definitiva, abre el camino a un nuevo tipo de expresión que tendrá grandes influencias en el postclasicismo posterior en autores como Praxíteles, Lisipo o Scopas, donde por un lado se buscará una belleza más amable y humana y por otro a la expresión del "pathos" o el sufrimiento humano.

Diadúmeno de Policleto. Comentario y Análisis

9/02/2016 03:23:00 p. m. 0
Diadúmeno de Policleto · copia romana · (h. 420 a. C.) Museo Arqueológico de Atenas
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del Diadúmeno de Policleto. Realizado hacia el 420 a. C. El original fue realizado en bronce con la técnica de la cera pérdida, la copia ante la que nos encontramos está realizada en mármol. Podemos ubicarla dentro del Pleno Clasicismo en el arte griego. Hoy se encuentra expuesto en el Museo Arqueológico de Atenas. Su estado de conservación es bueno, a falta de los brazos que se han perdido. Se conservan otras copias de épocas similares que podemos encontrar en el British Museum, Metropolitan Museum of New York y el Museo del Prado, lo que da muestras de la fama que tuvo esta obra en la Antigüedad.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo, de carácter naturalista idealizado. Representa a un atleta ciñéndose una cinta a la cabeza, de ahí su nombre , Diadúmeno, "diadoumenos" en griego "el que ciñe y desciñe". Posiblemente por su victoria en los juegos en el tiro con arco. Junto a la pierna presenta un tronco, donde aparece apoyado el arco y el carcaj, que sirve de estribo para soportar el peso de la figura, aunque posiblemente no estuviese en el original de bronce.

ANÁLISIS FORMAL: La obra pertenece al Pleno Clasicismo, y cumple con muchas de sus características. Una de las más importantes subyace en la búsqueda del ideal de belleza, a través de conceptos racionales como la armonía y la proporción. Policleto, en su libro "Canon" hoy perdido realiza un estudio matemático de la relación de cada una de las partes del cuerpo con el todo, convirtiendo la belleza en una expresión lógica, matemática y racional. Sabemos que empleó un canon donde la medida del cuerpo debía ser igual a siete cabezas, pero además cada una de las partes aparece perfectamente relacionada, así podemos observar que el abdomen se inscribe en un círculo, o que los pies tienen la misma medida que la cabeza. En cuanto al rostro, se divide en tres partes iguales, que comprenden la sien, la nariz y la boca. Toda la representación guarda proporciones entre sus partes sin dejar nada al azar, creando un ritmo o eurithmia, como decían los griegos, en toda la composición. Por otro lado, aunque la imagen representa un momento estático, lo dota de movimiento, con el uso del contrapposto, donde una pierna sostiene el peso y la otra queda exonerada, a lo que también contribuye el giro de la cabeza hacia un lado. El rostro abandona la sonrisa arcaica para representar el conocido como ethos griego, una expresión severa y contenida que no deja transmitir emociones. En el modelado hace uso de la diartrosis, acentuando cada articulación, así queda bien marcado el pliegue inguinal, la línea de los hombros y la línea central del torso, que dan lugar a la creación de volúmenes y contrastes de luces y sombras, que permiten definir mejor la escultura. Así mismo, la apertura de los brazos rompe con la concepción de estatua-bloque y abre múltiples puntos de vista para el espectador, aunque la vista frontal sea la predominante.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El significado de esta obra está más allá de su simple representación. Policleto, pretende mostrar un cuerpo masculino ideal, a través, como hemos dicho, de conceptos racionales como simetría, proporción y armonía que derivan en todo un compendio matemático. Su función es la del arte por el arte, la de crear placer en el espectador a través de la contemplación de la belleza ideal, que estaría ajena a cualquier otra interpretación política o religiosa. Es posible que su ubicación original fuese un ágora o sitio público, lo que explicaría que fuese tan famosa en la Antigüedad.

COMENTARIO: Durante el gobierno de Pericles, asistimos a un momento de esplendor en lo político, en lo económico y en lo cultural. En el terreno artístico, se buscaron nuevas formas de expresión a través del empleo de la razón, así conceptos como matemáticas, proporción o simetría se convierten en expresiones de los artístico y por ende de la belleza. A esto hay que sumar una sociedad claramente antropocentrista, lo que influye en el arte, que tomará como objeto artístico al hombre y su cuerpo como expresión de la inteligencia. Uno de los artistas más conocidos de este periodo fue Policleto, que a través de su obra Canon, expresó la belleza del cuerpo humano en reglas matemáticas de proporción y armonía, de la que son ejemplo práctico este Diadúmeno, así como también el Doríforo. Destacaron de este periodo otros artistas como Mirón y por último Fidias, quien continuó cultivando esta expresión racional del arte y esa búsqueda de la belleza ideal. La influencia de estas obras es palpable en la etapa inmediatamente posterior con artistas como Praxíteles o Lisipo y sobre todo en el Renacimiento, donde como mayor ejemplo tenemos al David de Miguel Ángel.

Atenea y Marsias. Mirón. Comentario y Análisis

9/02/2016 02:21:00 p. m. 0
Atenea y Marsías. Copia romana atribuida a Mirón (h. 450 a. C.) Museos Vaticanos
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante la copia romana de un grupo escultórico conocido como Atenea y Marsías. Se atribuye, a través de distintos textos y monedas a griegas a Mirón. Se realizó hacia el 450 a. C. y se enmarca dentro del Pleno Clasicismo. Hoy, podemos contemplarlo en los Museos Vaticanos. Su estado de conservación no es muy bueno, sobre todo porque a Atenea le falta la cabeza y uno de los brazos y a Marsias ambos brazos. Además faltan elementos como la flauta doble o aulos que conformaría el centro de la composición.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante un grupo escultórico figurativo, con un carácter naturalista idealizado. Está formado por dos figuras exentas o de bulto redondo, en actitud de pie, que representan a la diosa Atenea y al fauno Marsias, es posible que en el centro de la composición falte un aulos o flauta doble. La composición se articula formando una "V", a la izquierda, Atenea va vestida con peplo y seguramente con un casco corintio, representando el momento en el que enfadada arroja la flauta doble o aulos al suelo. Marsías a la derecha aparece en una actitud danzante y de perplejidad ante el hallazgo de la flauta.

Atenea y Marsías. Reconstrucción ideal en bronce.
ANÁLISIS FORMAL: Como hemos dicho anteriormente, el grupo pertenece al pleno Clasicismo. La composición elegida por Mirón está sumamente cuidada, las diagonales que dan ese aspecto de "V" entre ambas figuras ayudan a crear movimiento a la composición, que junto con el momento de la escena escogido, a modo de instantánea, no sólo congela el momento de mayor tensión, sino, como ya hiciera con el Discóbolo, permite anticiparnos al paso siguiente del fauno que se dispone a recoger la flauta doble del suelo. 

El fauno, está finamente tallado, con gran detalle de su anatomía que tallada muy plana no deja lugar a juegos de luces y sombras. La suavidad de su piel contrasta con la rugosidad de cabellos y barba en una factura magistral. Su rostro deja adivinar un gesto de asombro o sorpresa al encontrar la flauta en el suelo. Sus brazos, así como sus piernas, se contraponen en diagonales dotando de gran movimiento a la figura y estableciendo múltiples puntos de vista, rompiendo de este modo con la frontalidad.

Atenea, por contra, muestra en su rostro una actitud serena, el conocido como ethos griego, que no muestra las emociones provocadas por su enfado. El resto de la talla, es elegante, con un suave contrapposto que la técnica de paños mojados deja adivinar bajo el peplo. El gesto de lanzar la flauta al suelo es elegante, como también todos los pliegues formados por el peplo que caen con una gracia natural formando un gran equilibrio entre luces y sombras. Se observan varias texturas en la talla, desde el peplo, la piel, el cabello o el casco que conforman una unidad perfecta.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El tema de la obra está tomado de Las metamorfosis de Ovidio, exactamente del mito de Apolo y Marsias. Según Ovidio, Atenea inventó la flauta doble o aulos, pero al llegar al Olimpo para mostrarla, muchos dioses comenzaron a burlarse de ella. Sin entender porqué, bajó al bosque y se miró en un lago mientras la tocaba, donde advirtió que se le hinchaban las mejillas y de ahí el origen de la burla. Enfadada arrojó la flauta al suelo y amenazó con deformar el rostro a quien se atreviese a tocarla. En ese momento, apareció el fauno Marsías, que enamorado de las bellas melodías de la flauta, la recogió del suelo y aprendió a tocarla, sin preocuparle que se le deformara el rostro. Apolo, enfadado porque el fauno había retado a una diosa, lo desafió a un duelo musical. Apolo, dios de la música, venció y Marsias fue colgado de un árbol y desollado como castigo. 

Iconográficamente, es posible, que la intención del autor fuese la de diferenciar el arte de la artesanía, así como los artistas de los artesanos. Tratando de encumbrar de esta forma el arte, considerándolo como una expresión sublime de la creatividad humana. El reto a los dioses, ha sido empleado en la iconografía, para distinguir el arte y la artesanía, en múltiples ocasiones, como podemos ver en Las Hilanderas de Velázquez que narra el mito donde Aracne desafía a Atenea a tejer.

COMENTARIO: A mediados del siglo V a. C. se produce una gran transformación en la política, en la economía y en la sociedad ateniense, llegando con el gobierno de Pericles a su máximo esplendor. Esta transformación también tendrá reflejo en el arte, dónde los artistas, a través del uso de la razón, especialmente de las matemáticas y los conceptos de armonía y proporción, andarán en busca de una belleza ideal. Esta circunstancia la podemos observar en Atenea y Marsías con unos cuerpos bellamente proporcionados, y en una composición armoniosa y llena de movimiento que rompe con la rigidez y el hieratismo de la etapa anterior. De este momento destacan obras como el Discóbolo, también de Mirón o el Doríforo de Policleto, como paradigmas de este momento artístico.

Discóbolo de Mirón. Comentario y Análisis.

9/02/2016 11:38:00 a. m. 0
discóbolo de mirón
Discóbolo de Mirón. Copia Romana (h. 455 a. C.) Museo Nacional Romano
IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del conocido Discóbolo, cuyo autor fue Mirón. Realizada en torno al 455 a. C. podemos decir que es la primera obra del Clasicismo pleno dentro del arte griego. Hoy se encuentra expuesta en el Museo Nacional Romano, que parece ser la más fiel al original, también existen otras copias, con algunas diferencias.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo, figurativa, de naturalismo idealizado. Está tallada en mármol, aunque casi con toda seguridad, el original fue fundido en bronce mediante la técnica de la cera perdida. Representa a un atleta en el instante justo de soltar el disco, con todo el cuerpo flexionado y lleno de tensión, durante la celebración de unos juegos. 

discóbolo de mirón
Discóbolo de Mirón. Copia Romana. British Museum

ANÁLISIS FORMAL: Esta obra podemos considerarla dentro del Pleno Clasicismo y reúne muchas de sus características. En primer lugar, asistimos a un momento donde la proporción, la armonía y el número forman parte del concepto estético de belleza. En la composición, se observa claramente como la figura se inscribe en un semicírculo formado por los brazos, tratando de representar el equilibrio inestable dentro de una composición geométrica. También es importante el concepto de mímesis o copia de la naturaleza, así como el protagonismo del ser humano, ambos conceptos se funden en una idealización del cuerpo masculino como se observa en el canon empleado, perfectamente equilibrado, así como en la representación de toda la anatomía. Se supera claramente, el hieratismo arcaico, creando un movimiento sin precedentes en la escultura, a través de diagonales contrapuestas, como las que se observan entre el torso y las piernas, así como con la contraposición de los arcos formados por los brazos, creando una multiplicidad de puntos de vista, que invita al espectador a contemplar la escultura desde diversos ángulos, aunque sin duda, desde su punto de vista lateral es donde mejor se aprecia la magnitud de la obra. El modelado, es bastante plano, como podemos observar tanto en el pelo como en los músculos, lo que no crea grandes juegos de claroscuros. A excepción del pelo, tampoco observamos diferentes tratamientos de las superficies, sin llegar a obtener contrastes entre las texturas. Frente a la tensión del momento, contrasta el rostro casi inexpresivo, sin duda, herencia todavía, del Estilo Severo.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Durante el Clasicismo, los artistas buscan la belleza ideal, entendida ésta como número y proporción entre las partes. El arte no tiene otra función sino el arte en sí y es ajeno a otros significados de índole político o religioso. El Discóbolo, es en este sentido, es una simple representación de la belleza ideal del cuerpo humano, de forma racional, a través de la matemática. Seguramente la escultura estaría destinada a estar expuesta en un ágora o cualquier otro espacio público.

COMENTARIO: Con el triunfo de la democracia en Atenas y durante el gobierno de Pericles, se llega a un periodo de esplendor tanto en lo político, económico y cultural. Es durante este periodo donde se forma el Clasicismo Pleno, que partiendo de muchos de los avances que se llevaron a cabo durante el Estilo Severo, se introducen nuevos conceptos estéticos, formados a partir de la idealización en la representación de la naturaleza, el ideal del cuerpo humano como receptáculo de la inteligencia y sobre todo la introducción de la armonía, entendida como proporción entre las partes, regida por la matemática, en la búsqueda de la representación ideal. 

Por tanto, la belleza, como criterio estético, se expresa de un modo racional, se abandonan los temas mitológicos y se insiste en la representación del cuerpo humano, derivado del carácter antropocentrista de la sociedad de la época. Las esculturas ya no tendrán un mensaje iconográfico, sino solamente estético, con el fin de crear placer por la simple contemplación de la belleza. Su único fin será el arte por el arte.

El Discóbolo de Mirón, a pesar de tener todavía ciertos rasgos del Estilo Severo, como la representación del ethos, que se observa en ese gesto contenido y sereno del atleta. Será una de las primeras obras que representen este nuevo ideal de belleza, donde número y proporción jugarán un papel importante. El Discóbolo de Mirón fue muy afamado en su época e incluso en siglos posteriores, como sabemos a través de las numerosas copias romanas. Su influencia en el arte podemos verla incluso en el Pensador de Rodin.