Mostrando entradas con la etiqueta ART·11·Selectividad. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta ART·11·Selectividad. Mostrar todas las entradas

Gálata Moribundo. Comentario

12/07/2016 05:29:00 p. m. 0
Gálata Moribundo - Copia Romana (h. 220 a. C.) Museo Capitolino de Roma

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del conocido como Gálata Moribundo. Su original griego, seguramente fundido en bronce ha sido atribuido a Epígonas, por algunos autores, aún así desconocemos con seguridad su autor. Esta datado hacia el 220 a. C. Su estilo se enmarca dentro de la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en un buen estado de conservación en el Museo Capitolino de Roma.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista. De bulto redondo, que formaba parte de un grupo escultórico, entre las otras esculturas se halla la conocida Gálata Ludovisi. Muestra a un guerrero desnudo y moribundo, que ha caído en la batalla, con heridas y un evidente estado de resignación con el futuro que se le avecina.

ANÁLISIS FORMAL: El Gálata Moribundo, aparece tendido en el suelo, con una pierna estirada, y su cuerpo apoyado sobre un brazo. La composición, es abierta y está llena de diagonales que recorren desde la pierna estirada hasta el cuello, dotando de un movimiento a la figura, así como múltiples puntos de vista. La talla es elegante y refinada, y muestra un perfecto estudio anatómico. Hay un intento de individualización, con el uso de la espada, el cabello largo y abigarrado, el bigote y el torque que luce en el cuello que lo identifican como un guerrero gálata. Por último, hay un búsqueda de elementos dramáticos, la misma posición del cuerpo, la cabeza agachada y el rostro sereno transmiten un sentimiento de resignación y derrota ante la muerte, así como otros elementos, como la herida en el costado de la que mana sangre. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Como hemos dicho antes, el Gálata Moribundo, pertenece a un grupo escultórico formado por otras 5 esculturas, de la que conocemos el Gálata Ludovisi. Estas esculturas tendrían un carácter conmemorativo al celebrar la victoria del rey Atalo I frente a los galos en el 225 a. C. Su significado es propagandístico, ya que la demostración de honor y valor de los enemigos, añaden más mérito a la victoria y dan más gloria al rey.

COMENTARIO: Durante el helenismo, comienzan a llegar influencias a la Hélade de numerosos rincones del Imperio Alejandrino. Esto dio lugar a nuevas formas de expresión, si bien la mayoría de autores mostraron un interés por hacer representaciones más realistas y llenas de movimiento, otros aspectos se desarrollaron más en unos sitios que en otros dando lugar a diferentes escuelas. En la escuela de Atenas o Neoática en general se continuó con la herencia de los grandes maestros del postclasicismo como Praxíteles, Scopas o Lisipo, en la escuela de Rodas se exploraron la teatralidad y nuevas composiciones, en Alejandría se prefirió cultivar el retrato o los temas amables y cotidianos, en la escuela de Pérgamo a la que pertenece este Gálata Moribundo se prefiere ahondar en la expresión del pathos, a través de sentimientos como el dolor o el sufrimiento. Esta búsqueda de la tensión emocional la podemos ver en otras obras de la escuela de Pérgamos como el Altar de Zeus o la Victoria de Samotracia.



Gálata Ludovisi. Comentario

11/28/2016 09:36:00 a. m. 0
galata ludovisi comentario
Galata Ludovisi - Copia romana (atribuido a Epígonas, h. 220 a. C.) Museo Nacional Romano

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una escultura conocida con el nombre de Gálata Ludovisi. Se trata de una copia romana de un original en bronce atribuido por algunos autores a Epigonas, su datación estaría entre el 230-220 a. C., la copia, seguramente se talló en el siglo I a. C. Pertenece a la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo Nacional Romano.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un grupo escultórico, figurativo y de carácter realista. La copia está tallada en mármol, seguramente mediante la técnica del sacado de puntos y es de bulto redondo. El tema es histórico y representa una parte de la batalla entre las huestes del rey Atalo I y el pueblo gálata de raigambre celta. La escena representa a un gálata que tras dar muerte a su mujer decide suicidarse, antes de ser capturado por sus enemigos.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la Escuela de Pérgamo se caracteriza por escoger temas patéticos y exaltar el dramatismo y los sentimientos violentos, como bien apreciamos en esta obra. En cuanto a la composición, el autor decide una estructura piramidal, formada por la mujer que yace muerta y el gálata que se inclina hacia ella para sujetarla. Al mismo tiempo, la composición gira sobre sí misma en un movimiento helicoidal, que añaden movimiento a la composición, comienza con el cuerpo de la mujer, que ya fallecida se inclina hacia el gálata, que al tiempo se gira sobre sí mismo, culminando en la cabeza que mira hacia atrás intentando ver a sus enemigo. Este tipo de composición, así como el número de diagonales, como la línea de los hombros de la mujer o el brazo del gálata, abre múltiples puntos de vista, rompiendo con la frontalidad e invitando al espectador a rodear la imagen, además de añadir movimiento y dinamismo a la escultura. Por otro lado, encontramos una obra llena de contrastes, en primer lugar el cuerpo del gálata, erguido, esbelto y con todos los músculos en tensión, se contrapone al cuerpo yacente de su esposa que se desploma con gran pesadez. Otros contrastes los encontramos en las texturas, donde la piel lisa y tersa con una superficie pulida, se contrapone a los abigarrados pliegues del manto de la mujer, que junto con la capa que porta el gálata crean violentos juegos de claroscuros que contribuyen a añadir más dramatismo a la imagen. El dramatismo, típico de la escuela de Pérgamo, queda patente por la mirada de terror y agonía del gálata, así como el rostro inexpresivo y sin vida de la mujer. Además, el gálata se clava su espada que muestra una herida sangrante que resalta aún más ese dramatismo. Todos los volúmenes y la anatomía están perfectamente modelados mostrando un gran estudio anatómico. El estudio etnográfico, se reduce al empleo del bigote en el rostro del gálata y el uso de la capa, que lo diferencian de los ropajes griegos.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El Gálata Ludovisi fue un encargo del rey Atalo I, para conmemorar la victoria sobre los gálatas. Esta obra formaría parte de un conjunto, y estaría rodeada de 5 esculturas más, una de ellas, el Gálata Moribundo, es muy conocida también. La función es por tanto conmemorativa, y su significado sería el de exaltar la figura del rey Atalo I, que fue capaz a un pueblo tan feroz, belicoso y guerrero como los celtas gálatas.

COMENTARIO: Durante el periodo helenístico, debido a las conquistas de Alejandro, el arte griego comienza a recibir influencias de distintos puntos del Mediterráneo. Comienzan a buscarse nuevas formas de expresión acordes con los nuevos tiempos y se van configurando una serie de escuelas que resaltan o profundizan en cada una de estas escuelas. Si la escuela Neoática sigue más que ninguna otra la tradición clásica, la escuela de Alejandría profundizará en temas amables y elegantes, por contraste, la escuela de Pérgamo, enfatizará a través de la teatralidad y el dramatismo, el patetismo, ahondando en la representación de sentimientos violentos, como la ira o el miedo. En este Gálata Ludovisi, vemos una perfecta definición de la teatralidad y el dramatismo, a partir de múltiples elementos, como hemos comentado anteriormente. Otras obras representativas de esta escuela son los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo o el Laocoonte, que siguen las mismas premisas. Esta búsqueda de movimiento, dramatismo y teatralidad tendrá influencia en artistas de etapas posteriores como Bernini en pleno Barroco italiano.

Venus de Milo. Comentario

11/24/2016 06:09:00 p. m. 0
venus de milo
Venus de Milo. Autor desconocido (s. II a. C.) Museo del Louvre

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la conocida Venus de Milo, se trata de un original griego datado hacia el siglo II a. C., encontrado en isla de Milo o Melos. Se desconoce su autor y pertenece al periodo helenístico, pudiéndose inscribir dentro de la Escuela Neoática. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre, y su estado de conservación es bueno a pesar de la ausencia de sus brazos.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista, de bulto redondo, en pie y tallada en mármol de Paros, en su origen estuvo policromada. El tema tratado es mitológico representando a través de un semidesnudo femenido a la diosa Afrodita o Venus para los romanos.

ANÁLISIS FORMAL: La Escuela Neoática, dentro de las diferentes escuelas helenísticas, parece seguir con mayor fidelidad a los grandes artistas postclásicos como Praxíteles, Scopas y Lisipo, de ahí la semejanza de esta escultura con la Venus de Capua atribuida a Lisipo. Con todo participa de todas las características del arte helenístico. En primer lugar, se observa una búsqueda de movimiento y dinamismo que se contrapone con el equilibrio de la etapa clásica. Así, la Venus de Milo se muestra con un marcado contrapposto que le confiere una forma sinuosa a la escultura. La composición es claramente abierta, a pesar de la ausencia de los brazos, el autor utiliza una composición helicoidal o con forma serpentinata, realizada con un suave y equilibrado giro del cuerpo hacia su izquierda, que invitan al espectador a buscar múltiples puntos de vista. El estudio anatómico femenino es detallado y elegante y de proporciones armoniosas, con volúmenes naturales que se alejan del geometrismo del primer clasicismo como en el Doríforo de Policleto. La técnica es refinada dando lugar a numerosas texturas, en particular destacan la suavidad y blandura de la piel de Venus, que se contrapone con los abigarrados pliegues de la túnica que cubren sus piernas, creando violentos contraste de luces y sombras que ayudan a reforzar el dinamismo de la imagen. El rostro se muestra sereno, siguiendo la tradición clásica, huyendo de la expresión de las emociones.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos muy bien la función de la imagen ni el lugar al que estuvo destinada originalmente. No obstante, Afrodita o Venus, fue siempre una de las diosas que recibieron mayor veneración en la Antigüedad Clásica, ya que representaba el amor. Seguramente tuvo alguna función votiva o de ofrenda.

COMENTARIO: El periodo helenístico introduce numerosas novedades en la representación escultórica de la Antigüedad, las conquistas de Alejandro llevaron nuevas influencias a la Hélade y se formaron diferentes escuelas que exploraron en mayor o menor medida todas estas innovaciones. Entre las principales características del helenismo podemos citar un mayor interés en la expresión del movimiento, así como una búsqueda de la representación de las emociones, como el dolor, el sufrimiento o el patetismo. Los temas son más variados, ya que a los mitológicos se añaden otros, a veces anecdóticos o cotidianos, otras veces se busca la fealdad como en la vieja ebria, también comienza a cultivarse el retrato, y cuando se representan dioses tienden a ser reflejados de forma más humana. La Escuela Neoática, es la que sigue más fiel a los principios del arte clásico, y normalmente quedan reflejadas aquellas características de los artistas postclásicos como Praxíteles, Lisipo y Scopas, así la Venus de Milo, con un mayor movimiento que en momentos anteriores, sigue representando el dominio de las emociones a través de un rostro sereno, y representa una mirada hacia el ideal clásico de belleza. Se humaniza a la diosa mostrándola en un momento cotidiano, seguramente saliendo o entrando al baño, lo que justifica su desnudez. La Venus de Milo, descubierta a mediados del siglo XIX tuvo una gran influencia en el Neoclasicismo donde fue considerada un paradigma de la belleza femenina clásica.

El niño de la oca. Comentario

11/23/2016 04:52:00 p. m. 0
el niño de la oca
El niño de la Oca de Boeto de Caledonia - Copia Romana (s. II a. C.) Museo del Louvre. París

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana de la obra El Niño de la Oca. Realizado en el siglo II a. C., su modelado y fundido en bronce se atribuye a Boeto de Calcedonia. Pertenece al estilo helenístico y podemos enmarcarlo en la Escuela de Atenas. Hoy existen numerosas copias que podemos observar en los Museos Vaticanos, Museo del Louvre o la Gliptoteca de Munich.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa y de carácter naturalista, tallada en mármol a partir de un original de bronce, es de bulto redondo y mide 85 cm. aproximadamente. Representa un tema cotidiano o anecdótico, propio de la época helenística, donde un niño de escasa edad juega a coger una oca.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la escuela de Atenas se caracteriza por temas cotidianos o anecdóticos dando lugar a una escultura elegante y amable. Este Niño de la Oca, reune muchas de las características de este periodo. En primer lugar se aleja del equilibrio de la etapa clásica y busca nuevas composiciones que ayuden a dar mayor movimiento y dinamismo a la representación, en este caso, Boeto de Calcedonia utiliza una composición piramidal, compuesta por el niño y la oca, que se disponen de una forma helicoidal, recordando a la forma serpentinata tan utilizada en el Renacimiento, lo que contribuye a dotar de gran movimiento a la escultura, además invitan al espectador a rodear la escultura en la búsqueda de múltiples puntos de vista. Por otro lado, la escultura helenística, se aleja de la búsqueda de la belleza a través de la geometría y el número, buscando una mayor naturalidad y realismo, llegando a mostrar las expresiones como podemos observar en el rostro del niño, con un gesto de picardía, así cómo en la oca, que parece mostrar cierto dolor ante la acción del niño. La escultura helenística también se caracteriza por una gran calidad técnica, como observamos en las carnes tiernas y blandas típicas del niño de su edad, que responden a una gran estudio anatómico, que se contrapone con la suavidad del plumaje de la oca.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos la función y significado original de la obra. Pero sabemos que fue muy famosa en su época, a través del gran número de copias encontradas en época romana. Es posible que se tratara de una representación con carácter lúdico para la decoración de estancias o jardines, con el único objetivo de entretener o deleitar al espectador.

COMENTARIO: A partir de las conquistas de Alejandro Magno, el arte griego sigue profundizando en las sendas abiertas por los artistas del Postclasicismo como Praxíteles, Scopas y Lisipo, además de recibir numerosas influencias de otros territorios del imperio. Así, el arte llegó a profundizar a veces en un mayor realismo, otras en la búsqueda de la expresión del patetismo o el sufrimiento, otras veces como en este Niño de la Oca, en la búsqueda de aquello más humano o anecdótico. La búsqueda de nuevas formas estéticas y expresivas llevó al arte a una especie de barroquismo con complicadas composiciones, como la composición piramidal o forma serpentinata que vemos en esta escultura o la búsqueda de escorzos y diagonales que abriesen la composición y crearan múltiples de vista. Muchas de estas obras influenciarán a los artistas del Renacimiento y el Neoclasicismo. 

Victoria de Samotracia. Comentario

11/22/2016 04:39:00 p. m. 0
victoria de samotracia
Víctoria de Samotracia (siglo II a. C.) Museo del Louvre. París

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la Victoria de Samotracia. Es una obra original y se atribuye al escultor Pithókitos. Datada en el siglo II a. C., pertenece a la Escuela de Rodas dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre en París, si bien su estado de conservación es bueno, es cierto que ha perdido la cabeza y una de sus alas es fruto de una restauración.

DESCRIPCIÓN: La Victoria de Samotracia es una escultura de carácter figurativo, de bulto redondo y en píe. Está tallada en mármol y tiene un altura de 2,65 m. El tema es mitológico, representando a una Atenea de la Victoria o Atenea Niké, como podemos apreciar por sus alas desplegadas y estaría en un pedestal con forma de proa de barco.

ANÁLISIS FORMAL: La Víctoria de Samotracia es una de las mejores expresiones del arte helenístico. Entre sus características formales se encuentran la búsqueda del movimiento y el dinamismo frente al equilibrio del periodo clásico. En este caso, el autor opta por una composición abierta, con unas líneas diagonales donde se enmarcan las alas, y el propio cuerpo, que parece abalanzarse hacia el frente provocando esa sensación de desequilibrio, podemos añadir una suave torsión que contribuye a esa sensación de desequilibrio que invita al espectador a buscar diversos puntos de vista de la figura. Además, el empleo de la técnica de los paños mojados, da lugar a numerosos pliegues en el jitón, que se arremolinan a lo largo del cuerpo, como si la figura avanzara contra el viento o como si se posara sobre la proa de un barco. El modelado de los diferentes volúmenes anatómicos consiguen una gran expresividad, la anatomía se transparenta a través del peplo, empleando la técnica que popularizara el gran Fidias, el estudio anatómico es perfecto, dando lugar a unos volúmenes naturales y proporcionados, lo que contribuye a crear una escultura de gran belleza y sensualidad. Además encontramos un gran repertorio de texturas, sobre todo en los pliegues, que van desde los finos y transparentes a los gruesos y arremolinados, también observamos texturas originales en la talla de las alas que imitan la suavidad de las plumas, el conjunto transmite violentos contrastes de luces y sombras que contribuyen a una mayor expresividad y dramatismo. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La escultura fue encontrada en el santuario de Cabiros en Samotracia en 1863. Cumpliría una función votiva y conmemorativa, y seguramente celebraría la victoria de Samotracia sobre Antíoco III de Siria.

COMENTARIO: Con las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega comienza a recibir nuevas influencias tanto en lo político, en lo social como en lo artístico. En cuanto a lo artístico, comienzan a participar de nuevas tendencias muchas llegadas de otras zonas mediterráneas como Egipto, Persia y Mesopotamia que contribuyen a crear un arte que abandona la racionalidad y equilibrio clásicos y comienza una búsqueda del movimiento, el desequilibrio, el dramatismo, la tensión, el patetismo y la representación del dolor o el sufrimiento además de otras emociones. Con todo el periodo helenístico lo podemos clasificar como un barroquismo de las formas clásicas como podemos apreciar en esta Victoria de Samotracia. Además se configuraron varias escuelas, que desarrollaron estilos distintos que se distinguían por la representación más acentuada o menos de algunas características descritas anteriormente. La Víctoria de Samotracia, pertenece a la Escuela de Rodas, donde se acentúa el dramatismo, el movimiento y el desequilibrio. Estos efectos también los podemos encontrar en otras obras de esta escuela como la conocida El Laocoonte y sus hijos. 

Púgil en Reposo. Comentario

11/21/2016 10:43:00 a. m. 0
púgil en reposo
Púgil en Reposo, atribuida a Apolonio (s. I a. C.) Museo Nazionale Romano. Palazzo Massimo

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen del conocido como Púgil en Reposo. Se trata de una escultura en bronce, atribuida al escultor Apolonio por razones estilísticas ya que no existe una firma que lo confirme, y está datada hacia el siglo I a. C. Su estilo corresponde al periodo Helenístico, dentro de la escuela de Atenas o escuela Neoática. Fue descubierto en el siglo XIX por el arqueólogo Rodolfo Lanciani, hoy se encuentra expuesto en el Museo Nazionale Romano en el ala del Palazzo Massimo.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa de carácter naturalista con tintes realistas. Sedente y de bulto redondo. Tiene una altura de 1,20 m con proporciones similares al natural. Está modelada y fundida en bronce con la técnica de la cera perdida, además se observan incrustaciones, en los ojos, seguramente realizados con pasta vitrea y hoy perdidos, además hay otras incrustaciones en bronce de color rojo simulando sangre, por lo que hay una búsqueda de policromía. Se representa un tema cotidiano, en este caso un púgil en reposo después de un combate.

ANÁLISIS FORMAL: Durante la etapa helenística, se abandonan muchos de los conceptos estéticos del periodo Clásico, como observamos en este Púgil en Reposo, hay un búsqueda de una mayor movimiento y dinamismo de la escultura, y aunque el protagonismo se encuentra en un momento de descanso, el giro de la cabeza, que parece atender a alguien que le habla por sorpresa introduce cierto dinamismo a la escultura. La composición general es más bien cerrada, pero la mirada del púgil dan lugar a ampliar los puntos de vista, huyendo del frontalismo e invitando al espectador a contemplar la escultura desde distintos ángulos. También se da una huida de la quietud expresiva e idealización clásica, y se profundiza en un mayor realismo, como se observa en las heridas de los pies, las manos y sobre todo en la cara, que muestra la nariz rota, la oreja partida y múltiples cicatrices. El rostro busca la expresión del pathos, que frente a la serenidad que observamos en el clasicismo, deja entrever cierta emoción de sorpresa, de incertidumbre e incluso el dolor de las heridas. Los volúmenes anatómicos son correctos, y muy naturalistas, alejándose de los planos geométricos utilizados por Policleto en el Doríforo, además, se observa cierta elegancia y refinamiento en las formas anatómicas que se representan con texturas finas y pulidas que contrastan con los cabellos abigarrados y las rugosidades de los guantes.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos bien su función, ni tampoco el lugar al que fue destinada originalmente. Podría tratarse de alguna imagen votiva, e incluso también del retrato del púgil. En cualquier caso, el Helenismo se aleja de la representación de la virtud, la victoria y la gloria y prefiere la humanización de los personajes como en este caso donde el protagonismo se encuentra abatido.

COMENTARIO: La etapa Helenística se caracteriza por un alejamiento de los valores clásicos y de la idealización de la belleza, por contra, hay una búsqueda y profundización en el dinamismo y el movimiento frente al equilibrio, una representación del pathos o las emociones frente al ethos o el dominio de las pasiones. A menudo se incide en el dolor, en la fealdad, en la vejez o deformaciones físicas, muchas de estas características las observamos en este Púgil en Reposo, y son un reflejo de una sociedad con una crisis económica, política y social, dónde el pensamiento cívico se aleja del platonismo para acercarse a corrientes como el hedonismo o el estoicismo, mucho más humanas y que se reflejan en el arte de la forma descrita en el Púgil en Reposo.