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Arquitectura Griega

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arquitectura griega


La arquitectura griega, tiene mucho que ver con la cultura y pensamiento de la Antigua Grecia. Algunos aspectos destacables de la misma son su antropocentrismo y cierta capacidad de abstracción matemática que se manifiesta en sus formas y proporciones.



La arquitectura griega se aleja de las expresiones del poder absoluto o el culto a la vida eterna que se manifestaron en el Antiguo Egipto, para buscar una arquitectura a la medida del hombre, integrada en el entorno natural y partícipe de conceptos matemáticos como la simetría y la proporción entre las diversas partes que den lugar a lo que los griegos llamaron armonía. No se trataba de deslumbrar al mundo sino, más bien, de mantener un diálogo abierto con la racionalidad humana.

Así un templo griego se compone de números, ritmos y medidas, que a partir de una medida inicial o módulo configuran todas las partes el edificio. El módulo suele ser el diámetro de la columna en su parte más ancha o éntasis, y a partir de aquí se configuran los distintos elementos del edificio que en su conjunto no son más que una serie de relaciones numéricas. El templo griego es sin duda, el edificio por excelencia de la arquitectura griega.

Otro de los aspectos más destacados de la arquitectura griega fue el empleo de los diversos órdenes, en un principio, los griegos conformaron dos órdenes, el dórico y el jónico, que si en un principio trataban de utilizar distintas relaciones numéricas, con el tiempo dieron lugar a la configuración de un carácter propio, másculino y robusto el dórico, mientras el jónico se expresaba como algo más ligero, elegante y femenino.

El orden dórico: se caracteriza por el empleo de una columna sin basa, y un fuste tallado con acanaladuras que terminan en arista viva. El capitel se compone de equino, ábaco y sobre éste apoya el arquitrabe y un friso decorado con triglifos y metopas. Sobre esta última parte una cornisa y un frontón triangular, normalmente decorado con esculturas sobre el que se asentarían las vigas para conformar un tejado a dos aguas.

El orden jónico: se caracteriza por el empleo de una columna con basa, y un fuste tallado con acanaladuras en terminan en arista roma. El capital se configura con unas volutas, el arquitrabe se compone de tres bandas y el friso suele tener una decoración escultórica corrida. Sobre la cornisa, al igual que en el dórico encontramos un frontón triangular que alberga decoración escultórica.

En la etapa helenística se desarrolló el orden corintio que básicamente consiste en un jónico con un capitel decorado con hojas de acanto y volutas.

De aquí deducimos que la columna fue el elemento fundamental de la arquitectura griega, y en torno a ella se configura todo el edificio. Tanto es así que las diferentes clasificaciones de los templos griegos hacen alusión al orden de las columnas, a su número y a su disposición. Así tenemos templos de orden dórico, jónico y corintio, por el número de columnas en las fachada podemos clasificarlos dístilos, tetrastilos, hexastilos, octástilos, decástilos, etc... y por su disposición podemos clasificarlos como in antis, perípteros (las columnas rodean todo el edificio), pseudoperípteros (las columnas laterales están adosadas a los muros) o dípteros (doble columnata rodeando el edificio), próstilo (sólo en la fachada), anfipróstilo (en la fachada anterior y posterior) o in antis (con columnas entre los muros laterales), además encontramos otras tipologías como el tholos o templo circular. También destacan otras tipologías de edificios como los teatros.




A continuación os dejamos una serie de comenetarios sobre las principales obras de la arquitectura griega.

El Mecanismo Anticitera

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Mecanismo Anticitera (s. I a. C.) Museo Arqueológico Nacional de Atenas

El Mecanismo Anticitera está considerado como el primer ordenador analógico construido en la Grecia Antigua. Se cree que podría utilizarse para la predicción de fenómenos astronómicos, como los solsticios, los equinoccios e incluso los eclipses y que serviría además para predecir fechas importantes como los Juegos Olímpicos. Hoy pueden contemplarse sus restos en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.





El Mecanismo Anticitera fue descubierto en el año 1900 por un grupo de buceadores griegos en busca de esponjas, cerca de la Isla de Anticitera y entre los restos de un antiguo naufragio. Pero no sería hasta 1902 cuando el arqueólogo Valerios Stais diera significado a aquellos extraños fragmentos de bronce encontrados, sugiriendo que aquellos restos, conformaban un reloj astronómico. Fueron muchos los que se opusieron, ya que parecía un mecanismo demasiado complejo comparado con los artefactos de la época (finales del s. II a. C. o comienzos del siglo I a. C.)  sin embargo investigaciones posteriores confirmaron su cronología y función.

Generalmente nos referimos al Mecanismo Anticitera como el primer ordenador analógico del mundo, su complejidad es tal, que inserta mecanismos que no serían  utilizados en la relojería hasta el siglo XIV. Fundido en bronce, está compuesto al menos por 30 ruedas dentadas que serían capaces de indicar los movimientos de la luna y el sol a través de los signos zodiacales, que se encontrarían señalados cada 30º dentro de una elipsis, lo que indicaría el mes del año. Así mismo tendría una base rotatoria exterior que señalaría los 365 días del año según el calendario egipcio. Esta circunstancia hace que se adelante en más de un siglo al calendario Juliano, que divide el año en semanas y meses de acuerdo a criterios astronómicos.

Al parecer, su funcionamiento se comenzaría con la fijación de los distintos cuerpos celestes, sol y hasta cinco planetas del sistema solar a lo largo de la elipsis, a partir de ahí el reloj calcularía el día y el mes del año.




No conocemos muy bien, como estos engranajes y ruedas dentadas estuvieron montadas, existen varios modelos bien a partir de la situación de los cinco planetas conocidos o bien a través de similitudes con relojes astronómicos del siglo XIV. 

A partir de los diversos modelos propuestos, se cree que no sería un instrumento muy preciso, sobre todo a partir del estudio de los dientes, elaborados posiblemente en mármol, que a partir de su diseño, darían lugar a desviaciones, sin embargo, era lo suficientemente exacto para los conocimientos astronómicos de su época. Sin lugar a dudas, la concepción de su diseño así como su precisión en términos de ingeniería son muy superiores a la tecnología utilizada en su época.

Propuesta de funcionamiento de engranajes

El Mecanismo de Anticitera no está exento de preguntas sin respuesta que lo envuelven en un halo de misterio. Por ejemplo ¿Por qué no existen más relojes astronómicos de esta época? o ¿Por qué esta tecnología cayó en el olvido durante siglos?

Gálata Moribundo. Comentario

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Gálata Moribundo - Copia Romana (h. 220 a. C.) Museo Capitolino de Roma

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del conocido como Gálata Moribundo. Su original griego, seguramente fundido en bronce ha sido atribuido a Epígonas, por algunos autores, aún así desconocemos con seguridad su autor. Esta datado hacia el 220 a. C. Su estilo se enmarca dentro de la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en un buen estado de conservación en el Museo Capitolino de Roma.




DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista. De bulto redondo, que formaba parte de un grupo escultórico, entre las otras esculturas se halla la conocida Gálata Ludovisi. Muestra a un guerrero desnudo y moribundo, que ha caído en la batalla, con heridas y un evidente estado de resignación con el futuro que se le avecina.

ANÁLISIS FORMAL: El Gálata Moribundo, aparece tendido en el suelo, con una pierna estirada, y su cuerpo apoyado sobre un brazo. La composición, es abierta y está llena de diagonales que recorren desde la pierna estirada hasta el cuello, dotando de un movimiento a la figura, así como múltiples puntos de vista. La talla es elegante y refinada, y muestra un perfecto estudio anatómico. Hay un intento de individualización, con el uso de la espada, el cabello largo y abigarrado, el bigote y el torque que luce en el cuello que lo identifican como un guerrero gálata. Por último, hay un búsqueda de elementos dramáticos, la misma posición del cuerpo, la cabeza agachada y el rostro sereno transmiten un sentimiento de resignación y derrota ante la muerte, así como otros elementos, como la herida en el costado de la que mana sangre. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Como hemos dicho antes, el Gálata Moribundo, pertenece a un grupo escultórico formado por otras 5 esculturas, de la que conocemos el Gálata Ludovisi. Estas esculturas tendrían un carácter conmemorativo al celebrar la victoria del rey Atalo I frente a los galos en el 225 a. C. Su significado es propagandístico, ya que la demostración de honor y valor de los enemigos, añaden más mérito a la victoria y dan más gloria al rey.




COMENTARIO: Durante el helenismo, comienzan a llegar influencias a la Hélade de numerosos rincones del Imperio Alejandrino. Esto dio lugar a nuevas formas de expresión, si bien la mayoría de autores mostraron un interés por hacer representaciones más realistas y llenas de movimiento, otros aspectos se desarrollaron más en unos sitios que en otros dando lugar a diferentes escuelas. En la escuela de Atenas o Neoática en general se continuó con la herencia de los grandes maestros del postclasicismo como Praxíteles, Scopas o Lisipo, en la escuela de Rodas se exploraron la teatralidad y nuevas composiciones, en Alejandría se prefirió cultivar el retrato o los temas amables y cotidianos, en la escuela de Pérgamo a la que pertenece este Gálata Moribundo se prefiere ahondar en la expresión del pathos, a través de sentimientos como el dolor o el sufrimiento. Esta búsqueda de la tensión emocional la podemos ver en otras obras de la escuela de Pérgamos como el Altar de Zeus o la Victoria de Samotracia.



Gálata Ludovisi. Comentario

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galata ludovisi comentario
Galata Ludovisi - Copia romana (atribuido a Epígonas, h. 220 a. C.) Museo Nacional Romano

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una escultura conocida con el nombre de Gálata Ludovisi. Se trata de una copia romana de un original en bronce atribuido por algunos autores a Epigonas, su datación estaría entre el 230-220 a. C., la copia, seguramente se talló en el siglo I a. C. Pertenece a la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo Nacional Romano.




DESCRIPCIÓN: Se trata de un grupo escultórico, figurativo y de carácter realista. La copia está tallada en mármol, seguramente mediante la técnica del sacado de puntos y es de bulto redondo. El tema es histórico y representa una parte de la batalla entre las huestes del rey Atalo I y el pueblo gálata de raigambre celta. La escena representa a un gálata que tras dar muerte a su mujer decide suicidarse, antes de ser capturado por sus enemigos.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la Escuela de Pérgamo se caracteriza por escoger temas patéticos y exaltar el dramatismo y los sentimientos violentos, como bien apreciamos en esta obra. En cuanto a la composición, el autor decide una estructura piramidal, formada por la mujer que yace muerta y el gálata que se inclina hacia ella para sujetarla. Al mismo tiempo, la composición gira sobre sí misma en un movimiento helicoidal, que añaden movimiento a la composición, comienza con el cuerpo de la mujer, que ya fallecida se inclina hacia el gálata, que al tiempo se gira sobre sí mismo, culminando en la cabeza que mira hacia atrás intentando ver a sus enemigo. Este tipo de composición, así como el número de diagonales, como la línea de los hombros de la mujer o el brazo del gálata, abre múltiples puntos de vista, rompiendo con la frontalidad e invitando al espectador a rodear la imagen, además de añadir movimiento y dinamismo a la escultura. Por otro lado, encontramos una obra llena de contrastes, en primer lugar el cuerpo del gálata, erguido, esbelto y con todos los músculos en tensión, se contrapone al cuerpo yacente de su esposa que se desploma con gran pesadez. Otros contrastes los encontramos en las texturas, donde la piel lisa y tersa con una superficie pulida, se contrapone a los abigarrados pliegues del manto de la mujer, que junto con la capa que porta el gálata crean violentos juegos de claroscuros que contribuyen a añadir más dramatismo a la imagen. El dramatismo, típico de la escuela de Pérgamo, queda patente por la mirada de terror y agonía del gálata, así como el rostro inexpresivo y sin vida de la mujer. Además, el gálata se clava su espada que muestra una herida sangrante que resalta aún más ese dramatismo. Todos los volúmenes y la anatomía están perfectamente modelados mostrando un gran estudio anatómico. El estudio etnográfico, se reduce al empleo del bigote en el rostro del gálata y el uso de la capa, que lo diferencian de los ropajes griegos.




FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El Gálata Ludovisi fue un encargo del rey Atalo I, para conmemorar la victoria sobre los gálatas. Esta obra formaría parte de un conjunto, y estaría rodeada de 5 esculturas más, una de ellas, el Gálata Moribundo, es muy conocida también. La función es por tanto conmemorativa, y su significado sería el de exaltar la figura del rey Atalo I, que fue capaz a un pueblo tan feroz, belicoso y guerrero como los celtas gálatas.

COMENTARIO: Durante el periodo helenístico, debido a las conquistas de Alejandro, el arte griego comienza a recibir influencias de distintos puntos del Mediterráneo. Comienzan a buscarse nuevas formas de expresión acordes con los nuevos tiempos y se van configurando una serie de escuelas que resaltan o profundizan en cada una de estas escuelas. Si la escuela Neoática sigue más que ninguna otra la tradición clásica, la escuela de Alejandría profundizará en temas amables y elegantes, por contraste, la escuela de Pérgamo, enfatizará a través de la teatralidad y el dramatismo, el patetismo, ahondando en la representación de sentimientos violentos, como la ira o el miedo. En este Gálata Ludovisi, vemos una perfecta definición de la teatralidad y el dramatismo, a partir de múltiples elementos, como hemos comentado anteriormente. Otras obras representativas de esta escuela son los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo o el Laocoonte, que siguen las mismas premisas. Esta búsqueda de movimiento, dramatismo y teatralidad tendrá influencia en artistas de etapas posteriores como Bernini en pleno Barroco italiano.

Venus de Milo. Comentario

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venus de milo
Venus de Milo. Autor desconocido (s. II a. C.) Museo del Louvre

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la conocida Venus de Milo, se trata de un original griego datado hacia el siglo II a. C., encontrado en isla de Milo o Melos. Se desconoce su autor y pertenece al periodo helenístico, pudiéndose inscribir dentro de la Escuela Neoática. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre, y su estado de conservación es bueno a pesar de la ausencia de sus brazos.




DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista, de bulto redondo, en pie y tallada en mármol de Paros, en su origen estuvo policromada. El tema tratado es mitológico representando a través de un semidesnudo femenido a la diosa Afrodita o Venus para los romanos.

ANÁLISIS FORMAL: La Escuela Neoática, dentro de las diferentes escuelas helenísticas, parece seguir con mayor fidelidad a los grandes artistas postclásicos como Praxíteles, Scopas y Lisipo, de ahí la semejanza de esta escultura con la Venus de Capua atribuida a Lisipo. Con todo participa de todas las características del arte helenístico. En primer lugar, se observa una búsqueda de movimiento y dinamismo que se contrapone con el equilibrio de la etapa clásica. Así, la Venus de Milo se muestra con un marcado contrapposto que le confiere una forma sinuosa a la escultura. La composición es claramente abierta, a pesar de la ausencia de los brazos, el autor utiliza una composición helicoidal o con forma serpentinata, realizada con un suave y equilibrado giro del cuerpo hacia su izquierda, que invitan al espectador a buscar múltiples puntos de vista. El estudio anatómico femenino es detallado y elegante y de proporciones armoniosas, con volúmenes naturales que se alejan del geometrismo del primer clasicismo como en el Doríforo de Policleto. La técnica es refinada dando lugar a numerosas texturas, en particular destacan la suavidad y blandura de la piel de Venus, que se contrapone con los abigarrados pliegues de la túnica que cubren sus piernas, creando violentos contraste de luces y sombras que ayudan a reforzar el dinamismo de la imagen. El rostro se muestra sereno, siguiendo la tradición clásica, huyendo de la expresión de las emociones.




FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos muy bien la función de la imagen ni el lugar al que estuvo destinada originalmente. No obstante, Afrodita o Venus, fue siempre una de las diosas que recibieron mayor veneración en la Antigüedad Clásica, ya que representaba el amor. Seguramente tuvo alguna función votiva o de ofrenda.

COMENTARIO: El periodo helenístico introduce numerosas novedades en la representación escultórica de la Antigüedad, las conquistas de Alejandro llevaron nuevas influencias a la Hélade y se formaron diferentes escuelas que exploraron en mayor o menor medida todas estas innovaciones. Entre las principales características del helenismo podemos citar un mayor interés en la expresión del movimiento, así como una búsqueda de la representación de las emociones, como el dolor, el sufrimiento o el patetismo. Los temas son más variados, ya que a los mitológicos se añaden otros, a veces anecdóticos o cotidianos, otras veces se busca la fealdad como en la vieja ebria, también comienza a cultivarse el retrato, y cuando se representan dioses tienden a ser reflejados de forma más humana. La Escuela Neoática, es la que sigue más fiel a los principios del arte clásico, y normalmente quedan reflejadas aquellas características de los artistas postclásicos como Praxíteles, Lisipo y Scopas, así la Venus de Milo, con un mayor movimiento que en momentos anteriores, sigue representando el dominio de las emociones a través de un rostro sereno, y representa una mirada hacia el ideal clásico de belleza. Se humaniza a la diosa mostrándola en un momento cotidiano, seguramente saliendo o entrando al baño, lo que justifica su desnudez. La Venus de Milo, descubierta a mediados del siglo XIX tuvo una gran influencia en el Neoclasicismo donde fue considerada un paradigma de la belleza femenina clásica.