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La ciudad-palacio de Medina Azahara. Comentario de texto resuelto.

2/06/2017 01:07:00 p. m. 0
Puerta de entrada de la casa de Yafar. Hayib o primer ministro en 961. Medina Azahara
"La ciudad de Azahara (Madinat al-Zahra era una de las más espléndidas, renombradas y mejores que hicieron los seres humanos. Estaba a la distancia de cuatro millas y un tercio de Córdoba. [...] Se contaban en ella 4300 columnas y 500 puertas. En su construcción gastó al-Nasir incontables tesoros [...] De las columnas, algunas vinieron de Roma, 19 del país de los francos, 140 fueron ofrecidas por el emperador de Constantinopla, 113, la mayor parte de mármol rosa y verde, fueron traídas de Cartago, Túnez, Isfakix y otros sitios de África. Las restantes provenían de las canteras de sus dominios andaluces; por ejemplo, las de mármol blanco, de Tarragona y Almería; las de mármol rayado, de Rayya [...].

Otra de las maravillas de Medina Azahara (Madinat al-Zahra) era el salón llamado de los califas, cuyo tejado era de oro y de bloques de mármol de variados colores, sólidos pero transparentes, y cuyas paredes eran de los mismos materiales. En el centro de este salón estaba la perla única ofrecida a al-Nasir, con otros objetos valiosos, por el emperador León.

Eran de oro y plata las tejas de este magnífico salón. Daban entrada al salón ocho puertas de cada lado, adornadas con oro y ébano, que descansaban sobre pilares de mármoles variados y cristal transparente. Cuando el sol penetraba en la sala a través de estas puertas y reflejaba en las paredes y techo, era tal su fuerza que cegaba [...].

La mezquita de Medina Azahara (Madinat al-Zahra) no valía menos que el resto de palacio [...]. Era una estupenda construcción maravillosamente terminada en todas sus partes y tenía cinco naves de prodigiosa construcción [...]. El ancho del patio de la Qibla [...] se hallaba todo pavimentado con mármol rojizo muy parecido al color del vino. En el centro había una fuente de agua límpida para el uso de la mezquita [...].

Había, además, en Medina Azahara (Madinat al-Zahra), dos baños, uno destinado a los oficiales de la casa del sultán y otros servidores del palacio, y el otro, público; y también mercados, hospederías, colegios y otros establecimientos públicos y privados.

Otras muchas bellezas realzaban a Medina Azahara (Madinat al-Zahra): corrientes de agua, lujosos jardines, construcciones para el acomodo de la casa del sultán, magníficos palacios para los altos oficiales de la corte, es decir, para la muchedumbre de gentes, pajes, eunucos, esclavos, etc."

Al-Maqqari. Nafh al-Tib  min gusn Al-Andalus (Historia de Al-Ándalus)

CLASIFICACIÓN: Nos encontramos ante un fragmento de la Historia de Al-Ándalus de Al-Maqqari, se trata de un texto de naturaleza historiográfica, ya que es fruto de la investigación histórica. Podemos decir que es una fuente secundaria, ya que fue escrito a mediados del siglo XVI, cuando el Palacio de Medina Azahara estaba ya en ruinas. El tema es de carácter cultural o artístico, aunque también político, al exaltar la riqueza de la época del Califato de Córdoba. Su finalidad es divulgativa, tiene un carácter público y está destinado a un lector culto.

ANÁLISIS: La idea principal del texto, es la descripción de la ciudad-palacio de Medina Azahara, al mismo tiempo que trata de ensalzar la época de mayor esplendor de Al-Ándalus que coincide con la época del califato.

En el primer párrafo habla de la ciudad-palacio como una de las más bellas que hubieran construido los seres humanos. Y relata como al-Nasir, apellido del califa Abd al-Rahman III, gastó innumerables tesoros en ella. Muestra de ello es la importación de las columnas para su construcción, que venían de lugares tan distantes como Roma, Constantinopla, la Galia, Cartago o Túnez.

En el segundo y tercer párrafo nos habla del salón de los califas, en los que el oro y la plata fue utilizado para la construcción del tejado, las paredes y las puertas.

En el cuarto párrafo describe la mezquita, de cinco naves, pavimentada con mármol rojo y con una hermosa fuente en el atrio, que se utilizaba para las abluciones antes de la oración.

En el quinto párrafo, hace referencia a existencia de dos baños públicos, así como mercados, colegios, hospederías y otros establecimientos, dejando claro de que se trataba no sólo de un palacio, sino de una ciudad palatina, y centro de poder de todo Al-Ándalus.

Por último, habla de la construcción de residencias, la propia del califa, así como otras destinadas a altos cargos, seguramente el hachib o hayib, y distintos visires, que residían en la corte del califa, así como otras destinadas a los sirvientes de la corte como eunucos (guardias de origen turco castrados, que custodiaban el palacio y el harem) o esclavos. También hace alusión a las fuentes y jardines que había por todo el complejo.

COMENTARIO: Hoy en día, a través de los estudios arqueológicos, sabemos que Medina Azahara fue una ciudad palatina o aúlica. Al Maqqari, no se equivoca en su situación geográfica, a unos 8 kilómetros de Córdoba, construida por Abd al-Rahman III al Nasir, a mediados del siglo X. Tampoco en las distintas dependencias como los distintos palacios residenciales, sus fuentes, sus jardines, sus baños y su mezquita. A través del estudio de los cimientos sabemos que todas esas dependencias existieron.

No se sabe con certeza si las columnas, como indica el propio Al Maqqari fueron importadas, es posible que muchas de ellas se recuperaran de construcciones romanas o bien visigodas de la misma península Ibérica, siendo menos probable su importación.

También acierta a decir que el espacio más suntuoso, por su decoración fue el salón de los califas, hoy conocido como salón rico o salón oriental. Sería una dependencia destinada a diferentes actos políticos, recepción de embajadores, etc. No obstante, como toda la arquitectura islámica, los materiales de construcción son pobres, se utilizó ladrillo y piedra arenisca para los arcos. Pero, su decoración es posible que sí estuviese recubierta con láminas de pan de oro o de pan de plata, que no dejarían de impresionar al espectador.

La descripción de la mezquita se corresponde con los yacimientos arqueológicos encontrados, así como la existencia de los baños árabes, y las distintas residencias tanto del califa como de los altos mandatarios.

Medina Azahara, sin duda fue una ciudad que correspondía al esplendor político, económico y cultural de Al-Ándalus durante la época del califato. No sólo tiene una función residencial, sino que desempeña un papel político importante, representando la riqueza y poder del califa ante sus enemigos, entre los que encontramos a los reinos cristianos del norte, así como el califato fatimí en el norte de África. La función propagandística era clara, con ella se pretendía asombrar al mundo mediterráneo, siendo una de las ciudades más importantes con sólo de oriente sino también del occidente cristiano.

No obstante su vida fue efímera, durante el reinado de Hisham II fue abandonada por orden de Almanzor, y posteriormente, saqueada y destruida en los años de la fitna o guerra civil (1002-1031).

CONCLUSIONES: Durante la Edad Media, Medina Azahara fue sometida a diferentes saqueos y expolios, para finalmente caer en el olvido. Sin duda, el texto de Al Maqqari, sirvió a los historiadores y arqueólogos a plantearse la posibilidad de su existencia. No sería hasta el siglo XX, cuando a través de diferentes excavaciones se redescubre la ciudad palatina de Abd al-Rahman III, y su correspondencia con la mayor parte del texto de Al Maqqari, por lo que podemos decir que ha sido una fuente fundamental para el estudio de la historia de Al-Ándalus.

Gálata Moribundo. Comentario

12/07/2016 05:29:00 p. m. 0
Gálata Moribundo - Copia Romana (h. 220 a. C.) Museo Capitolino de Roma

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana del conocido como Gálata Moribundo. Su original griego, seguramente fundido en bronce ha sido atribuido a Epígonas, por algunos autores, aún así desconocemos con seguridad su autor. Esta datado hacia el 220 a. C. Su estilo se enmarca dentro de la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en un buen estado de conservación en el Museo Capitolino de Roma.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista. De bulto redondo, que formaba parte de un grupo escultórico, entre las otras esculturas se halla la conocida Gálata Ludovisi. Muestra a un guerrero desnudo y moribundo, que ha caído en la batalla, con heridas y un evidente estado de resignación con el futuro que se le avecina.

ANÁLISIS FORMAL: El Gálata Moribundo, aparece tendido en el suelo, con una pierna estirada, y su cuerpo apoyado sobre un brazo. La composición, es abierta y está llena de diagonales que recorren desde la pierna estirada hasta el cuello, dotando de un movimiento a la figura, así como múltiples puntos de vista. La talla es elegante y refinada, y muestra un perfecto estudio anatómico. Hay un intento de individualización, con el uso de la espada, el cabello largo y abigarrado, el bigote y el torque que luce en el cuello que lo identifican como un guerrero gálata. Por último, hay un búsqueda de elementos dramáticos, la misma posición del cuerpo, la cabeza agachada y el rostro sereno transmiten un sentimiento de resignación y derrota ante la muerte, así como otros elementos, como la herida en el costado de la que mana sangre. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: Como hemos dicho antes, el Gálata Moribundo, pertenece a un grupo escultórico formado por otras 5 esculturas, de la que conocemos el Gálata Ludovisi. Estas esculturas tendrían un carácter conmemorativo al celebrar la victoria del rey Atalo I frente a los galos en el 225 a. C. Su significado es propagandístico, ya que la demostración de honor y valor de los enemigos, añaden más mérito a la victoria y dan más gloria al rey.

COMENTARIO: Durante el helenismo, comienzan a llegar influencias a la Hélade de numerosos rincones del Imperio Alejandrino. Esto dio lugar a nuevas formas de expresión, si bien la mayoría de autores mostraron un interés por hacer representaciones más realistas y llenas de movimiento, otros aspectos se desarrollaron más en unos sitios que en otros dando lugar a diferentes escuelas. En la escuela de Atenas o Neoática en general se continuó con la herencia de los grandes maestros del postclasicismo como Praxíteles, Scopas o Lisipo, en la escuela de Rodas se exploraron la teatralidad y nuevas composiciones, en Alejandría se prefirió cultivar el retrato o los temas amables y cotidianos, en la escuela de Pérgamo a la que pertenece este Gálata Moribundo se prefiere ahondar en la expresión del pathos, a través de sentimientos como el dolor o el sufrimiento. Esta búsqueda de la tensión emocional la podemos ver en otras obras de la escuela de Pérgamos como el Altar de Zeus o la Victoria de Samotracia.



Gálata Ludovisi. Comentario

11/28/2016 09:36:00 a. m. 0
galata ludovisi comentario
Galata Ludovisi - Copia romana (atribuido a Epígonas, h. 220 a. C.) Museo Nacional Romano

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una escultura conocida con el nombre de Gálata Ludovisi. Se trata de una copia romana de un original en bronce atribuido por algunos autores a Epigonas, su datación estaría entre el 230-220 a. C., la copia, seguramente se talló en el siglo I a. C. Pertenece a la Escuela de Pérgamo dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo Nacional Romano.

DESCRIPCIÓN: Se trata de un grupo escultórico, figurativo y de carácter realista. La copia está tallada en mármol, seguramente mediante la técnica del sacado de puntos y es de bulto redondo. El tema es histórico y representa una parte de la batalla entre las huestes del rey Atalo I y el pueblo gálata de raigambre celta. La escena representa a un gálata que tras dar muerte a su mujer decide suicidarse, antes de ser capturado por sus enemigos.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la Escuela de Pérgamo se caracteriza por escoger temas patéticos y exaltar el dramatismo y los sentimientos violentos, como bien apreciamos en esta obra. En cuanto a la composición, el autor decide una estructura piramidal, formada por la mujer que yace muerta y el gálata que se inclina hacia ella para sujetarla. Al mismo tiempo, la composición gira sobre sí misma en un movimiento helicoidal, que añaden movimiento a la composición, comienza con el cuerpo de la mujer, que ya fallecida se inclina hacia el gálata, que al tiempo se gira sobre sí mismo, culminando en la cabeza que mira hacia atrás intentando ver a sus enemigo. Este tipo de composición, así como el número de diagonales, como la línea de los hombros de la mujer o el brazo del gálata, abre múltiples puntos de vista, rompiendo con la frontalidad e invitando al espectador a rodear la imagen, además de añadir movimiento y dinamismo a la escultura. Por otro lado, encontramos una obra llena de contrastes, en primer lugar el cuerpo del gálata, erguido, esbelto y con todos los músculos en tensión, se contrapone al cuerpo yacente de su esposa que se desploma con gran pesadez. Otros contrastes los encontramos en las texturas, donde la piel lisa y tersa con una superficie pulida, se contrapone a los abigarrados pliegues del manto de la mujer, que junto con la capa que porta el gálata crean violentos juegos de claroscuros que contribuyen a añadir más dramatismo a la imagen. El dramatismo, típico de la escuela de Pérgamo, queda patente por la mirada de terror y agonía del gálata, así como el rostro inexpresivo y sin vida de la mujer. Además, el gálata se clava su espada que muestra una herida sangrante que resalta aún más ese dramatismo. Todos los volúmenes y la anatomía están perfectamente modelados mostrando un gran estudio anatómico. El estudio etnográfico, se reduce al empleo del bigote en el rostro del gálata y el uso de la capa, que lo diferencian de los ropajes griegos.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: El Gálata Ludovisi fue un encargo del rey Atalo I, para conmemorar la victoria sobre los gálatas. Esta obra formaría parte de un conjunto, y estaría rodeada de 5 esculturas más, una de ellas, el Gálata Moribundo, es muy conocida también. La función es por tanto conmemorativa, y su significado sería el de exaltar la figura del rey Atalo I, que fue capaz a un pueblo tan feroz, belicoso y guerrero como los celtas gálatas.

COMENTARIO: Durante el periodo helenístico, debido a las conquistas de Alejandro, el arte griego comienza a recibir influencias de distintos puntos del Mediterráneo. Comienzan a buscarse nuevas formas de expresión acordes con los nuevos tiempos y se van configurando una serie de escuelas que resaltan o profundizan en cada una de estas escuelas. Si la escuela Neoática sigue más que ninguna otra la tradición clásica, la escuela de Alejandría profundizará en temas amables y elegantes, por contraste, la escuela de Pérgamo, enfatizará a través de la teatralidad y el dramatismo, el patetismo, ahondando en la representación de sentimientos violentos, como la ira o el miedo. En este Gálata Ludovisi, vemos una perfecta definición de la teatralidad y el dramatismo, a partir de múltiples elementos, como hemos comentado anteriormente. Otras obras representativas de esta escuela son los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo o el Laocoonte, que siguen las mismas premisas. Esta búsqueda de movimiento, dramatismo y teatralidad tendrá influencia en artistas de etapas posteriores como Bernini en pleno Barroco italiano.

Venus de Milo. Comentario

11/24/2016 06:09:00 p. m. 0
venus de milo
Venus de Milo. Autor desconocido (s. II a. C.) Museo del Louvre

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la conocida Venus de Milo, se trata de un original griego datado hacia el siglo II a. C., encontrado en isla de Milo o Melos. Se desconoce su autor y pertenece al periodo helenístico, pudiéndose inscribir dentro de la Escuela Neoática. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre, y su estado de conservación es bueno a pesar de la ausencia de sus brazos.

DESCRIPCIÓN: Nos encontramos ante una escultura figurativa de carácter naturalista, de bulto redondo, en pie y tallada en mármol de Paros, en su origen estuvo policromada. El tema tratado es mitológico representando a través de un semidesnudo femenido a la diosa Afrodita o Venus para los romanos.

ANÁLISIS FORMAL: La Escuela Neoática, dentro de las diferentes escuelas helenísticas, parece seguir con mayor fidelidad a los grandes artistas postclásicos como Praxíteles, Scopas y Lisipo, de ahí la semejanza de esta escultura con la Venus de Capua atribuida a Lisipo. Con todo participa de todas las características del arte helenístico. En primer lugar, se observa una búsqueda de movimiento y dinamismo que se contrapone con el equilibrio de la etapa clásica. Así, la Venus de Milo se muestra con un marcado contrapposto que le confiere una forma sinuosa a la escultura. La composición es claramente abierta, a pesar de la ausencia de los brazos, el autor utiliza una composición helicoidal o con forma serpentinata, realizada con un suave y equilibrado giro del cuerpo hacia su izquierda, que invitan al espectador a buscar múltiples puntos de vista. El estudio anatómico femenino es detallado y elegante y de proporciones armoniosas, con volúmenes naturales que se alejan del geometrismo del primer clasicismo como en el Doríforo de Policleto. La técnica es refinada dando lugar a numerosas texturas, en particular destacan la suavidad y blandura de la piel de Venus, que se contrapone con los abigarrados pliegues de la túnica que cubren sus piernas, creando violentos contraste de luces y sombras que ayudan a reforzar el dinamismo de la imagen. El rostro se muestra sereno, siguiendo la tradición clásica, huyendo de la expresión de las emociones.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos muy bien la función de la imagen ni el lugar al que estuvo destinada originalmente. No obstante, Afrodita o Venus, fue siempre una de las diosas que recibieron mayor veneración en la Antigüedad Clásica, ya que representaba el amor. Seguramente tuvo alguna función votiva o de ofrenda.

COMENTARIO: El periodo helenístico introduce numerosas novedades en la representación escultórica de la Antigüedad, las conquistas de Alejandro llevaron nuevas influencias a la Hélade y se formaron diferentes escuelas que exploraron en mayor o menor medida todas estas innovaciones. Entre las principales características del helenismo podemos citar un mayor interés en la expresión del movimiento, así como una búsqueda de la representación de las emociones, como el dolor, el sufrimiento o el patetismo. Los temas son más variados, ya que a los mitológicos se añaden otros, a veces anecdóticos o cotidianos, otras veces se busca la fealdad como en la vieja ebria, también comienza a cultivarse el retrato, y cuando se representan dioses tienden a ser reflejados de forma más humana. La Escuela Neoática, es la que sigue más fiel a los principios del arte clásico, y normalmente quedan reflejadas aquellas características de los artistas postclásicos como Praxíteles, Lisipo y Scopas, así la Venus de Milo, con un mayor movimiento que en momentos anteriores, sigue representando el dominio de las emociones a través de un rostro sereno, y representa una mirada hacia el ideal clásico de belleza. Se humaniza a la diosa mostrándola en un momento cotidiano, seguramente saliendo o entrando al baño, lo que justifica su desnudez. La Venus de Milo, descubierta a mediados del siglo XIX tuvo una gran influencia en el Neoclasicismo donde fue considerada un paradigma de la belleza femenina clásica.

El niño de la oca. Comentario

11/23/2016 04:52:00 p. m. 0
el niño de la oca
El niño de la Oca de Boeto de Caledonia - Copia Romana (s. II a. C.) Museo del Louvre. París

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una copia romana de la obra El Niño de la Oca. Realizado en el siglo II a. C., su modelado y fundido en bronce se atribuye a Boeto de Calcedonia. Pertenece al estilo helenístico y podemos enmarcarlo en la Escuela de Atenas. Hoy existen numerosas copias que podemos observar en los Museos Vaticanos, Museo del Louvre o la Gliptoteca de Munich.

DESCRIPCIÓN: Se trata de una escultura figurativa y de carácter naturalista, tallada en mármol a partir de un original de bronce, es de bulto redondo y mide 85 cm. aproximadamente. Representa un tema cotidiano o anecdótico, propio de la época helenística, donde un niño de escasa edad juega a coger una oca.

ANÁLISIS FORMAL: Dentro del periodo helenístico, la escuela de Atenas se caracteriza por temas cotidianos o anecdóticos dando lugar a una escultura elegante y amable. Este Niño de la Oca, reune muchas de las características de este periodo. En primer lugar se aleja del equilibrio de la etapa clásica y busca nuevas composiciones que ayuden a dar mayor movimiento y dinamismo a la representación, en este caso, Boeto de Calcedonia utiliza una composición piramidal, compuesta por el niño y la oca, que se disponen de una forma helicoidal, recordando a la forma serpentinata tan utilizada en el Renacimiento, lo que contribuye a dotar de gran movimiento a la escultura, además invitan al espectador a rodear la escultura en la búsqueda de múltiples puntos de vista. Por otro lado, la escultura helenística, se aleja de la búsqueda de la belleza a través de la geometría y el número, buscando una mayor naturalidad y realismo, llegando a mostrar las expresiones como podemos observar en el rostro del niño, con un gesto de picardía, así cómo en la oca, que parece mostrar cierto dolor ante la acción del niño. La escultura helenística también se caracteriza por una gran calidad técnica, como observamos en las carnes tiernas y blandas típicas del niño de su edad, que responden a una gran estudio anatómico, que se contrapone con la suavidad del plumaje de la oca.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: No conocemos la función y significado original de la obra. Pero sabemos que fue muy famosa en su época, a través del gran número de copias encontradas en época romana. Es posible que se tratara de una representación con carácter lúdico para la decoración de estancias o jardines, con el único objetivo de entretener o deleitar al espectador.

COMENTARIO: A partir de las conquistas de Alejandro Magno, el arte griego sigue profundizando en las sendas abiertas por los artistas del Postclasicismo como Praxíteles, Scopas y Lisipo, además de recibir numerosas influencias de otros territorios del imperio. Así, el arte llegó a profundizar a veces en un mayor realismo, otras en la búsqueda de la expresión del patetismo o el sufrimiento, otras veces como en este Niño de la Oca, en la búsqueda de aquello más humano o anecdótico. La búsqueda de nuevas formas estéticas y expresivas llevó al arte a una especie de barroquismo con complicadas composiciones, como la composición piramidal o forma serpentinata que vemos en esta escultura o la búsqueda de escorzos y diagonales que abriesen la composición y crearan múltiples de vista. Muchas de estas obras influenciarán a los artistas del Renacimiento y el Neoclasicismo. 

Victoria de Samotracia. Comentario

11/22/2016 04:39:00 p. m. 0
victoria de samotracia
Víctoria de Samotracia (siglo II a. C.) Museo del Louvre. París

IDENTIFICACIÓN: Nos encontramos ante una imagen de la Victoria de Samotracia. Es una obra original y se atribuye al escultor Pithókitos. Datada en el siglo II a. C., pertenece a la Escuela de Rodas dentro del periodo helenístico. Hoy se encuentra expuesta en el Museo del Louvre en París, si bien su estado de conservación es bueno, es cierto que ha perdido la cabeza y una de sus alas es fruto de una restauración.

DESCRIPCIÓN: La Victoria de Samotracia es una escultura de carácter figurativo, de bulto redondo y en píe. Está tallada en mármol y tiene un altura de 2,65 m. El tema es mitológico, representando a una Atenea de la Victoria o Atenea Niké, como podemos apreciar por sus alas desplegadas y estaría en un pedestal con forma de proa de barco.

ANÁLISIS FORMAL: La Víctoria de Samotracia es una de las mejores expresiones del arte helenístico. Entre sus características formales se encuentran la búsqueda del movimiento y el dinamismo frente al equilibrio del periodo clásico. En este caso, el autor opta por una composición abierta, con unas líneas diagonales donde se enmarcan las alas, y el propio cuerpo, que parece abalanzarse hacia el frente provocando esa sensación de desequilibrio, podemos añadir una suave torsión que contribuye a esa sensación de desequilibrio que invita al espectador a buscar diversos puntos de vista de la figura. Además, el empleo de la técnica de los paños mojados, da lugar a numerosos pliegues en el jitón, que se arremolinan a lo largo del cuerpo, como si la figura avanzara contra el viento o como si se posara sobre la proa de un barco. El modelado de los diferentes volúmenes anatómicos consiguen una gran expresividad, la anatomía se transparenta a través del peplo, empleando la técnica que popularizara el gran Fidias, el estudio anatómico es perfecto, dando lugar a unos volúmenes naturales y proporcionados, lo que contribuye a crear una escultura de gran belleza y sensualidad. Además encontramos un gran repertorio de texturas, sobre todo en los pliegues, que van desde los finos y transparentes a los gruesos y arremolinados, también observamos texturas originales en la talla de las alas que imitan la suavidad de las plumas, el conjunto transmite violentos contrastes de luces y sombras que contribuyen a una mayor expresividad y dramatismo. 

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO: La escultura fue encontrada en el santuario de Cabiros en Samotracia en 1863. Cumpliría una función votiva y conmemorativa, y seguramente celebraría la victoria de Samotracia sobre Antíoco III de Siria.

COMENTARIO: Con las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega comienza a recibir nuevas influencias tanto en lo político, en lo social como en lo artístico. En cuanto a lo artístico, comienzan a participar de nuevas tendencias muchas llegadas de otras zonas mediterráneas como Egipto, Persia y Mesopotamia que contribuyen a crear un arte que abandona la racionalidad y equilibrio clásicos y comienza una búsqueda del movimiento, el desequilibrio, el dramatismo, la tensión, el patetismo y la representación del dolor o el sufrimiento además de otras emociones. Con todo el periodo helenístico lo podemos clasificar como un barroquismo de las formas clásicas como podemos apreciar en esta Victoria de Samotracia. Además se configuraron varias escuelas, que desarrollaron estilos distintos que se distinguían por la representación más acentuada o menos de algunas características descritas anteriormente. La Víctoria de Samotracia, pertenece a la Escuela de Rodas, donde se acentúa el dramatismo, el movimiento y el desequilibrio. Estos efectos también los podemos encontrar en otras obras de esta escuela como la conocida El Laocoonte y sus hijos.